LOS 4 RUMBOS DEL FOLKLORE

FELIZ AÑO NUEVO!

2011-12-30T05:17:00.000-08:00

Muchas Felicidades para todos los visitantes de este modesto blog y los oyentes de mi programa LOS 4 RUMBOS DEL FOLKLORE, que se emite por FM 90.5 Radio Stéreo Vida y por www.radioeltrebol.com.ar . Que en el 2012 se les cumplan todos sus sueños y que el mundo en que vivimos tenga PAZ!

FELIZ NAVIDAD!

2011-12-23T15:49:00.000-08:00

FELIZ NAVIDAD QUERIDOS AMIGOS DE LOS 4 RUMBOS DEL FOLKLORE! espero nos encontremos en el brindis de Nochebuena y a través del dial de la FM 90.5 Radio El Trébol, el domingo de Navidad de 8 a 12 Hs. o a través de internet por www.radioeltrebol.com.ar .
Un gran abrazo y que sean bendecidos por la Paz, el Amor, la Salud y el Trabajo, en este Nacimiento de Jesús.

ENRIQUE SANTOS DISCÉPOLO

2011-12-23T15:45:00.000-08:00

Poeta, compositor, actor y autor teatral
(27 de marzo de 1901 – 23 de diciembre de 1951)

Hace unos años, en su ensayo Les assassins de la mémoire -un agudo estudio sobre el revisionismo neonazi en la Europa contemporánea-, el escritor francés Pierre Vidal-Naquet reprodujo la letra de "Cambalache", el tango emblemático de Enrique Santos Discépolo. ¿Una cita descabellada? ¿Acaso un rasgo de exotismo de un intelectual en busca de oxígeno fuera del ámbito de la cultura europea? Según lo confesaría el autor, Discépolo cayó en sus manos a través de unos amigos latinoamericanos. Y él decidió incluirlo en un libro que nada tenía que ver con el tango. La imagen del cambalache como escenario del azar insolente, de la confusión de valores y la desacralización le pareció la más adecuada para sellar su texto de denuncia.
No fue aquella la primera vez que la obra de Discépolo despertó interés en el campo del pensamiento. El español Camilo José Cela lo incluyó entre sus poetas populares preferidos y Ernesto Sabato no ha dudado en identificarse con la filosofía pesimista de quien supo escribir en "Que vachaché": "El verdadero amor se ahogó en la sopa". Muchos años antes de estas reivindicaciones, los poetas lunfardos Dante A. Linyera y Carlos de la Púa definieron a Discépolo como a un autor "con filosofía". Otro escriba de Buenos Aires, Julián Centeya, al reseñar unos de sus filmes, habló de "filosofía en moneditas", a la vez que arriesgaba una analogía -sin duda desmedida- entre Discépolo y... Carlitos Chaplin.
A diferencia de otros creadores populares que desplegaron su talento de modo instintivo y un tanto naif, para luego ser reivindicados por futuros exégetas, Discépolo fue siempre consciente de sus aportes. Podría incluso asegurarse que toda su producción artística está articulada por estilo común, un cierto aire o espíritu discepoliano que la gente reconoce inmediatamente, con afecto y admiración, como si su obra -más de una vez definida como "profética"- expresara el sentido común de los argentinos. La singularidad de Discépolo sigue inquietando, tanto dentro como fuera del universo del tango. Mientras la mayoría de sus coetáneos hoy suena extraña para las nuevas generaciones, el hombre que escribió y compuso "Cambalache" persiste, está vigente. O para decirlo con una de sus imágenes preferidas: sigue mordiendo.
Enrique se formó viendo teatro de la mano de su hermano Armando, el gran dramaturgo del grotesco rioplatense, y poco después se sintió atraído por las artes populares. Llegó al tango después de haber probado, con suerte dispar, la autoría teatral y la actuación. En 1917, debutó como actor, al lado de Roberto Casaux, un capo cómico de la época, y un año más tarde firmó junto a un amigo la pieza Los duendes, mal tratada por la crítica. Luego levantó la puntería con El señor cura (adaptación de un cuento de Maupassant), Día Feriado, El hombre solo, Páselo cabo y, sobre todo, El organito, feroz pintura social bosquejada junto a su hermano, al promediar los años 20. Como actor, Discépolo evolucionó de comparsa a nombre de reparto, y se recordaría con entusiasmo su trabajo en Mustafá, entre muchos otros estrenos.
Si bien los mundos del teatro y el tango no estaban divorciados en la Argentina de Yrigoyen y Gardel, la decisión de Discépolo de convertirse en un autor de canciones populares fue resistida por el hermano mayor -Armando se había hecho cargo de la educación de Enrique después de la temprana muerte de los padres-, y no puede decirse que las cosas le hayan sido fáciles al debilucho y tímido Discepolín. Una tibia influencia familiar (Santo, el padre, fue un destacado músico napolitano establecido en Buenos Aires) puede haber sido una primera señal hacia el arte combinado de la organización sonora y la letrística, pero la revelación no fue inmediata. Por el contrario, tanto el insípido "Bizcochito", su primera composición hecha a pedido del dramaturgo Saldías, como el notable y revulsivo "Que vachaché", editado por Julio Korn en 1926 y estrenado en un teatro de Montevideo bajo una lluvia de silbidos, fueron un mal comienzo, o al menos eso se creyó en el Buenos Aires que aclamaba los tangos de Manuel Romero, Celedonio Flores y Pascual Contursi.
La suerte del obstinado autor cambió en 1928, cuando la cancionista Azucena Maizani cantó en un teatro de revistas "Esta noche me emborracho", un tango de ribetes horacianos (por el Horacio de las Odas) y tópico netamente rioplatense: aquella vieja cabaretera que el tiempo trató con impiedad. Días después del estreno, los versos de aquel tango circularon por todo el país. Los músicos argentinos de gira por Europa lo incluyeron en sus repertorios, y en la España de Alfonso XIII la composición gozó de gran popularidad. Había nacido el Discépolo del tango. Ese mismo año, la actriz y cantante Tita Merello retomó el antes denostado "Que vachaché" y lo puso a la altura de "Esta noche me emborracho". Finalmente, 1928 sería el año del amor para un intelectual cargado de inseguridades. Tania, una cupletista española radicada en Buenos Aires que se revelaría como una muy adecuada intérprete de sus tangos, acompañaría a Discépolo el resto de su vida.
En una época en la que la autoría y la composición estaban claramente diferenciadas en el marco de las industrias culturales, Discépolo escribía letra y música, aunque esta última era imaginada con apenas dos dedos sobre el piano, para luego ser llevada al pentagrama por algún músico amigo (generalmente Lalo Scalise). Esta capacidad doble le permitió a Discépolo trabajar cada tango como una unidad perfecta de letra y música. Con un agudísimo sentido del ritmo y de la progresión dramática, con un gusto melódico impecable (Carlos de la Púa lo definió como un "Pulgarcito Filarmónico"), Discépolo se las ingenió para hacer de sus breves y muchas veces violentas historias una auténtica comedia humana rioplatense. Abandonó gran parte de la influencia modernista que hacía estragos en otros letristas (Rubén Darío fue el héroe literario de cientos de poetas argentinos, durante muchos años) y tradujo al formato "menor" de la canción ciertas ideas dominantes de la época: el grotesco teatral, el idealismo crociano, el extrañamiento pirandelliano...
La proliferación de ideas en cada letra hallaba en el humor socarrón y en el lirismo de la música un cierto equilibro, una compensación sensorial, un modo de "decir cosas" en y a través del tango. Ningún otro autor llegaría tan lejos.
Desde luego, el hecho de que Carlos Gardel grabara casi todos sus primeros tangos ayudó en gran medida a la difusión y legitimación de Discépolo como autor y compositor de un género lleno de autores y compositores. En ese sentido, la versión gardeliana del 10 de octubre de 1930 de "Yira yira" figura entre los grandes momentos de la música argentina. La intensidad de la grabación, en la que no hubo recursos teatrales especiales y el cantante evitó todo énfasis innecesario, está dada por la inmediatez de la expresión gardeliana. No hay preámbulos instrumentales que familiaricen al oyente con el material, más allá de una apretada introducción de los guitarristas que exponen el estribillo con los trémolos y fraseos de bordonas típicos de los acompañamientos de la época. La línea melódica, con sencillez engañosa irrumpe de golpe, con una fuerza que excluye la queja.
"Yira yira" fue escuchado e interpretado como una denuncia cargada de escepticismo. El militante ridiculizado en "Que vachaché" vuelve a la carga, pero esta vez respaldado por una crisis material profunda. Ahora, el "engrupido" que se resistía a creer que "el verdadero amor se ahogó en la sopa" ocupa el lugar de la voz cínica. Los principios han sido trocados por la realidad. Es el triunfo del descrédito, pero ya sin el cinismo - y mucho menos el grotesco- de unos años antes. El personaje de "Yira yira" confió en el mundo, y este lo defraudó. Como en otros tangos de Discépolo, la letra cuenta una "caída", un desalmado amanecer: ya no hay espacio para el engaño y la impostura. (Desde esta perspectiva, no están del todo equivocados quienes han visto en Discépolo a un moralista decepcionado por la modernidad, aunque tal vez sea mucho más que eso).
La línea que empieza con "Qué vachaché" y madura en "Yira yira" se continúa en los tangos "Qué sapa señor" y, en 1935, "Cambalache" Pero no es este el único "estilo" del arte compositivo de Discépolo. Este supo ser romántico en el vals "Sueño de juventud", burlón en tangos "cómicos" como "Justo el 31" y "Chorra", expresionista en "Soy un arlequín" y "Quién más, quién menos", pasional en "Confesión" y "Canción desesperada" y un tanto nostálgico y elegíaco en "Uno" y "Cafetín de Buenos Aires", ambas creaciones escritas conjuntamente con Mariano Mores. No fue tan prolífico como Enrique Cadícamo, y una parte considerable de sus creaciones carece de interés. Es indudable que la variedad musical de Discépolo tuvo que ver con sus inquietudes teatrales y cinematográficas. Su puesta de "Wunder Bar" y sus películas más conocidas - "Cuatro corazones", "En la luz de una estrella"- dieron a conocer canciones -algunas casi olvidadas- que el director y actor escribió con su sentido "programático".
Enrique Santos Discépolo nació en el barrio porteño del Once, el 27 de marzo de 1901, y murió el 23 de diciembre de 1951, en el departamento céntrico que compartía con Tania. Su compromiso con el peronismo, hecho público a través de su breve y fulminante participación en un discutido programa de radio, lo distanció de varios de sus viejos amigos. Dos años después de su muerte, cuando las trincheras políticas ya no lo necesitaban pero varios de sus tangos seguían golpeando en la conciencia colectiva, Discépolo fue recordado por el escritor Nicolás Olivari en una nota memorable. Allí Olivari aseguraba que el autor de "Yira yira" había sido el perno del humorismo porteño, engrasado por la angustia. En cierto modo, aquella era una definición discepoliana.
Sergio A. Pujol es historiador y crítico musical. Entre otros libros, publicó "Discépolo. Una biografía argentina" (Emecé, 1997).

JUAN DE LOS SANTOS AMORES

2011-11-15T18:56:00.000-08:00

Nació un 12 de enero de 1915, tuvo muchos aspectos la vida de Juan de los Santos Amores, comenzó trabajando en los circos a temprana edad, en donde trabajaba con sus conjunto de música y danzas en la primera parte y como actor teatral en la segunda. Realizó varios films en los cuales se desempeñó como actor, bailarín además de realizador de los cuadros folklóricos y tango en películas como "Los Troperos", "Pepino no sabe jugar" o "Juan Moreira". Las escenas de a caballo que realizaba, hasta las más arriesgadas, las hacía él mismo, sin necesidad de dobles. Hacia 1946 realizó un viaje de 750 km. de extensión durmiendo en su apero. En 1948 repitió la travesía.
En el aspecto docente tuvo muchísima relevancia su actuación, fue profesor de las Universidades Populares Argentinas, del Club Hípico Argentino, Escuela Nº 5 del Consejo Escolar 12, Club Nativo la Salamanca, Círculo Santiagueño, Club Social y Cultural Flor de Ceibo (a las que se llamó por primera vez Peñas gauchas), Escuela Modelo de Castelar, Escuela José Hernández, N8 del C.E. 15, ASociación Cristiana de jóvenes, Centro Argentino Tradicionalista Yapeyú, Círculo de Aeronáutica, Institución Tradicionalista El Ceibo, hasta el año 1953 en el que renunció a todas para crear el I.D.A.F. (Instituto de Arte Folklórico), institución que aúna más de 3000 escuelas en todo el país, desde La Quiaca hasta Ushuaia, quizá su obra más grande y la que más ayudó en su carrera a la difusión del folklore.
Falleció en Buenos Aires el 13 de noviembre de 1995. Desde entonces dirige el I.D.A.F, su esposa la Profesora María del Carmen Pini.

DAMACIO ESQUIVEL

2011-11-15T18:54:00.001-08:00

DAMACIO ESQUIVEL

Damasio Esquivel nació en la ciudad de Rosario, provincia de Santa Fe, el 1º de abril de 1919, y falleció en Buenos Aires el 25 de abril de 2004. Su nacimiento en Rosario se produjo por la circunstancia fortuita de que su madre, correntina de Mercedes, y su padre, paraguayo, venían viajando en barco desde Paraguay a Buenos Aires, y allí se produjo el parto.
En el año 1943, Damasio Esquivel contrajo matrimonio con Juana Barboza, más conocida como "Doña Elsa", encontrándose en ese año revistando como bandoneonista de la orquesta de Samuel Aguayo (1909-1993).
Y fue que el 6 de marzo de 1944, como producto de ese matrimonio nació la primera hija, a la que llamaron Carmen. Ante tal acontecimiento, y pleno de felicidad, con su talento Damasio Esquivel compuso un tema musical dedicado a su hija. Fue la bienvenida al mundo que Damasio Esquivel le dio a su hija Carmen. La obra musical la llamó "Alma guaraní" y tuvo formato de polca correntina. Fue registrada en forma instrumental, pero no como polca correntina, sino como chamamé.
El 18 de enero de 1946, el "Trío Cocomarola" (Discografía completa Sello EMI-Odeón Vol. 2 - 1946-1949) llevó al disco el chamamé "Alma guaraní" en forma instrumental, tal como estaba concebido (Nota: fue la primera grabación discográfica de dicho tema).
Luego, Damasio Esquivel le encargó a Rubén Fernández de Olivera que escribiera los versos para su obra y éste los escribió inmediatamente. Los versos de "Alma guaraní" escritos por Fernández de Olivera quedaron así:

Armoniosa pasión
de una raza decidida,
recio corazón
que desafía a la vida.
Grande es tu valor, pura es tu emoción.
grandeza el amor de tu corazón
tal tu devoción, alma guaraní.

Yo te quiero cantar
alma pura de mi raza
y con mi canción
quiero evocar tu grandeza.
porque en el dolor deja de penar
y hacer un cantar para que al vivir
se pueda reír, se pueda soñar.

Alma guaraní
llena de gracia inefable,
alma guaraní
de ternura incomparable.
Es pasión el amor
y es canción el dolor,
fervor que vibra al cantar
que invita a soñar, y es toda ilusión
alma que es amor, alma que es verdad,
y cambia el dolor en felicidad.

Los versos escritos por Rubén Fernández de Olivera no le gustaron a Damasio Esquivel porque consideraba que los mismos no reflejaban el alma guaraní, por lo cual no los aceptó, no los autorizó. Por ello, el día en que se encontró con Osvaldo Sosa Cordero en SADAIC, le encargó que le escribiera una nueva letra a su obra musical. Damasio Esquivel no era amigo de Osvaldo Sosa Cordero, sino que era simplemente conocido, pero se lo encargó a él teniendo en cuenta que ya en ese momento era un autor conocido y de prestigio. Y le pidió, en forma especial, que los versos reflejaran el alma guaraní.
Osvaldo Sosa Cordero interpretó cabalmente el pedido y escribió la nueva letra para "Alma guaraní" con la cual Damasio Esquivel quedó totalmente satisfecho. Entonces, Osvaldo Sosa Cordero y sus Correntinos llevó la obra al disco, con la nueva letra de su autoría, el 26 de agosto de 1946, cantando Pedro Rodríguez de Ciervi. Los versos de "Alma guaraní" escritos por Osvaldo Sosa Cordero, quedaron así:

Raza del guayaki (1)
la selva no te ha olvidado,
tu alma guaraní
perdura en el suelo amado,
y desde el verdor del monte natal
la brisa sutil del tiempo estival
nos vuelve a traer tu voz secular.

Es la misma que ayer
echara a volar el viento,
cuitas de un querer
con hondo y nativo acento.
Es la voz racial que no morirá
mientras el crisol de algún mbaraka (2)
su pena o su amor convierta en cantar.

Alma guaraní,
quietud de los naranjales,
alma guaraní,
lamento de los yerbales.
Vibra tu tradición
en la luz y en la flor.
Lo mismo que el manantial,
sin ningún rumor aflorando vas,
y en riego de amor bendiciendo estás,
alma guaraní, la heredad natal.

(1) Guayaki: tribu indígena.
(2) Mbaraka: guitarra.

No obstante que "Alma guaraní" ya tenía una nueva letra escrita por Osvaldo Sosa Cordero, y que ya había sido grabada por su conjunto, el 19 de diciembre de 1946 Samuel Aguayo llevó al disco "Alma guaraní", con su conjunto "Yaguareté" (estribillo cantado por Samuel Aguayo), cantando la letra no autorizada por Damasio Esquivel, la letra perteneciente a Rubén Fernández de Olivera.
Y por su parte, Damasio Esquivel, apenas formó su agrupación, llevó al disco su tema "Alma guaraní" con la letra de Osvaldo Sosa Cordero, el 5 de julio de 1950, con la voz del cantor de su conjunto Ramón Ayala.
Después de la primera grabación del conjunto de Damasio Esquivel con la voz de Ramón Ayala, su agrupación volvió a grabar "Alma guaraní" en diversas oportunidades, y con distintos cantores. Lo hizo con Higinio Gómez en 1961 (con la letra de Rubén Fernández de Olivera, disco "Polkas y chamamés con Damasio Esquivel"), con Domingo Rodríguez en 1966, instrumental en 1968, con Edgardo Vallejos en 1972, con Néstor Ameri en 1985 y con Iris Mabel en 1998.
Los Hermanos Cena y su conjunto "Los Ases del Chamamé" grabaron "Alma guaraní" con la letra de Rubén Fernández de Olivera en el año 1962, cantando Roberto Galarza con el dúo integrado por los hermanos Enrique y Damián Cena. Y Samuel Aguayo y su Orquesta Guaraní volvió a grabarlo el 24 de mayo de 1956 (letra de Rubén Fernández de Oliveira).
Luego, y con la letra de Osvaldo Sosa Cordero, fue grabado en el año 1961 por Juan Molina Cabral y su conjunto folklórico, y en el año 1962 por Ramona Galarza y su conjunto (disco "Ramona Galarza y su conjunto" Vol. 8 - Disco doble 45 rpm - Sello ...). Y justamente la versión por Ramona Galarza fue la que hizo que "Alma guaraní" alcanzara el mayo esplendor de la fama y se convirtiera en un tema clásico en el repertorio de la música litoraleña, ya definitivamente con la letra de Osvaldo Sosa Cordero (ver partitura musical).
Y finalmente, "Alma guaraní" fue grabado una vez más por Samuel Aguayo y su conjunto paraguayo en el año 1966, pero esta vez con la letra de Osvaldo Sosa Cordero (disco "Vuelve Samuel Aguayo" - Sello Polydor Nº 20.301).

Fuente consultada:
Gutiérrez Miglio, R. 2008. Samuel Aguayo, el rey de la canción guaraní. Ed. El Reino Guaraní, Buenos Aires. pp. 47-48.
Publicado en "NOSTALGIAS DE MI LITORAL" el 31 de agosto de 2011.

HOMENAJE A JOSÉ HERNANDEZ

2011-11-09T20:11:00.000-08:00

En el DÍA DE LA TRADICIÓN, brindamos nuestro homenaje a José Rafael Hernandez.
Hijo de don Rafael Hernández y de doña Isabel Pueyrredón, José Hernández nació el 10 de noviembre de 1834 en la chacra de su tío, Don Juan Martín de Pueyrredón, antiguo Caserío de Pedriel, hoy convertida en el Museo José Hernández (Partido de San Martín).
Este argentino nativo expresó diferentes talentos a lo largo de su vida: fue poeta, periodista, orador, comerciante, contador, taquígrafo, estanciero, soldado y político.
Comenzó a leer y escribir a los cuatro años y luego asistió al colegio de don Pedro Sánchez.
En 1843, cuando su madre falleció, su padre, que era capataz en la estancias de Rosas, lo llevó a vivir al campo por recomendación médica, ya que, a pesar de su juventud, se encontraba enfermo.
En el entorno campestre, José Hernández tomó contacto con gauchos e indios. Debido a su proximidad con ellos, tuvo la oportunidad de conocer sus costumbres, su mentalidad, su lenguaje y su cultura. Aprendió a quererlos, a admirarlos, a comprenderlos, y también, a entender sus dificultades en la vida cotidiana.
El 28 de noviembre de 1872, el diario "La República" anunció la salida de "El Gaucho Martín Fierro" y, en diciembre, lo editó la imprenta La Pampa.
Este poema de género gauchesco se convirtió en la pieza literaria del más genuino folclore argentino y fue traducido a numerosos idiomas.
El libro es considerado la culminación de la llamada "literatura gauchesca" y es una de las grandes obras de la literatura argentina. En él, Hernández rinde homenaje al gaucho, quien aparece en su ser, en su drama cotidiano, en su desamparo, en sus vicisitudes y con sus bravuras.
Su inesperado éxito entre los habitantes de la campaña lo llevó en 1879 a continuarlo con "La vuelta de Martín Fierro", edición ilustrada por Carlos Clérice.
En 1881, publicó su obra "Instrucción del Estanciero". El 21 de octubre de 1886 murió en su quinta de Belgrano. Sus últimas palabras fueron: "Buenos Aires... Buenos Aires...".

Martín Fierro
de José Hernandez

El Martín Fierro narra la incorporación forzada del protagonista al ejército, la huida y su amistad con Cruz. Todo el poema está impregnado de denuncia social y encierra grandes verdades políticas como la falta de educación, la mala organización judicial y militar, la deficiencia de la policía rural y, sobre todo, un profundo resentimiento de la clase popular de campaña contra las clases urbanas. El lenguaje del libro es un claro exponente del habla rural.

Versos del Martín Fierro

Aquí me pongo a cantar
Al compás de la vigüela;
Que el hombre que lo desvela
Una pena extraordinaria,
Como la ave solitaria
Con el cantar se consuela.

Pido a los Santos del Cielo
Que ayuden mi pensamiento;
Les pido en este momento
Que voy a cantar mi historia,
Me refresquen la memoria
Y aclaren mi entendimiento.

Vengan, santos milagrosos,
Vengan todos en mi ayuda,
Que la lengua se me añuda
Y se me turba la vista.
Pido a mi Dios que me asista
En una ocasión tan ruda.

Yo he visto muchos cantores
Con famas bien obtenidas,
Y que después de adquiridas
No las quieren sustentar:
Parece que sin largar
Se cansaron en partidas.

Cantando me he de morir,
Cantando me han de enterrar,
Y cantando he de llegar
Al pie del Eterno Padre.
Dende el vientre de mi madre
Vine a este mundo a cantar.

Que no se trabe mi lengua
Ni me falte la palabra
El cantar mi gloria labra
Y poniéndome a cantar,
Cantando me han de encontrar
Aunque la tierra se abra.

AL CHAMAMÉ EN SU DÍA

2011-09-19T18:20:00.000-07:00

ETERNO CHAMAMECERO

Eterno chamamecero
Taita Coco Marola
Tu nombre es aureola
De un límpido esplendor
Te cantamos con amor
Tus hijos agradecidos
Para nosotros, no te has ido
Tu imagen está latente
En el cielo de Corrientes
Eterno chamamecero
Brillando cual lucero
Tu figura se agiganta
En reuniones y bailantas
Nunca faltan tus melodías
Porque será eterno guía
Para todo chamamecero

Autor: Mártires Muñoz

ASÍ SE BAILA EL CHAMAMÉ

Que toquen un chamame
para bailar zapateado
y mostrarle a los puebleros
como se baila en el pago. . .
Saca la dama paisano,
paseala por la cancha
mientras templan las cordionas
los músicos de la bailanta.
Paseando al compás
dale una vuelta al revés
un corte hacia la derecha
así se baila el Chamamé
dale una vuelta ligero
que flamee tu bombacha
que flameen las polleras
las polleras de la dama.
Pone la dama a un costado
y te vas escobillando
mientras la dama taquea
y el paso va contestando
zapateá dando vueltas
da una hacia al revés
para que todos comprendan
como se baila el chamame.
Paseando al compás
dale una vuelta la revés
un corte hacia la derecha
así se baila el Chamamé
dale una vuelta ligero
que flamee tu bombacha
que flameen las polleras
las polleras de la dama.

Letra y música de Mario Millán Medina

LAS GUITARRAS

2011-08-30T17:53:00.000-07:00

DIGO LAS GUITARRAS

Hoy les ruego silencio;

simplemente

hoy les pido silencio, porque debo

en esta noche celebrar guitarras.

Nada más que guitarras.

La primera será la de don Mauro,

- allá por los verdes de la infancia -

don Mauro de múltiples oficios;

habitualmente carpintero, a veces

perseguidor de pumas,

cazador de quirquinchos y vizcachas,

o sacristán, por veces, en el coro

de las capillas serranas.

Yo dormía en su poncho, duro poncho,

- suave de manos de mujer puntana -

escuchando brotar de las bordonas

pañuelos, pañuelos, y pañuelos

con pétalos de zamba.

Cierta vez en un pueblo de la sierra

que dicen La Quebrada,

cantaba Crisóstomo Quiroga,

detrás de una guitarra:

le faltaba una cuerda,

y sin la cuerda,

me obsequió una tonada,

con este cogollo que me duele

sobre la oreja musical del alma:

"Poeta Agüero que viva,

cogollito de cardón,

yo lo quiero porque dice

cosas de su corazón".

Cuando Manuel Cornejo se moría,

en su pago natal de Piedra Blanca,

presintiendo la muerte, y su reclamo

de búho a la distancia,

llamó a su amigo Rudecindo Cuello,

para decirle, ronco:

- Vení con la guitarra,

porque siento la muerte que me ronda,

y quisiera escucharla,

con el último resto de mi oído,

hasta que apunte el alba.

Don Rudecindo obedeció a Cornejo

y trajo la guitarra,

se arrodilló en un pardo cojinillo

a los pies de la cama,

y tañía y lloraba,

y lloraba y tañía,

a los pies de la cama;

la eternidad afuera traducía

los silencios de un tala.

Yo conozco los ranchos de los cerros,

las taperas de la pampa,

el corazón del pobre,

y el cuarto triste de una sola cama,

donde no hay puerta,

lámpara,

sonrisa,

nada,

ni siquiera la silla para el huésped,

ni tenedor ni cuchara,

pero allí he visto yacer

sobre la única almohada,

con cintas en el cuello,

como una muchacha,

dormida y desnuda

la guitarra.

El Chocho Arancibia

una mañana

golpeó la puerta

de mi antigua casa,

me traía canciones sobre el pecho,

me trajo su guitarra:

"Camino de carros"...

"Mañanitas de Merlo"...

"Caminito del norte"...

El las cantó, las dijo;

yo no le dije nada.

Solamente guitarras.

Nada más que guitarras.

Yo no la quiero árabe,

no la quiero española,

no la quiero en los teatros,

donde la aplauden manos

con la uñas pintadas,

no la quiero en la radio

porque suena

a dinero de feria y propaganda.

Porque yo la quiero

modesta y humilde como un palo,

como una simple tabla,

como el mortero rural, o la batea

como el mortero, si, como el mortero

en cuya boca ancha

se muelen las uvas de la Cueca,

el maíz de la Zamba,

y el trigo natal y comunero

que después será pan en las Tonadas.

Don Crisanto Lucero cierta noche

quiso cruzar un vado del Conlara,

entre los truenos y los rayos

de la tormenta de color de azufre,

y las violentas aguas;

su caballo era negro y en la noche

parecía un demonio

de crines enlutadas;

don Crisanto traía por delante,

sobre el apero de gozar domingos,

su mujer: la guitarra.

Y esto fue lo que vieron esa noche

los levantados hombros del Conlara:

un hombre solo hundiéndose en la muerte,

sobre el caballo de su amor de gaucho,

con las manos frenéticas alzando,

hasta la última ola de agonía,

para que no se ahogara su mujer: la guitarra...

Aquí digo ese ataúd de música

que navegó el Conlara.

Antonio Esteban Agüero

ORGULLO DE SER INDIO

2011-08-09T06:02:00.000-07:00

Orgullo de ser Indio

Nacemos con un sentimiento
Crecemos con la ideologia de otros
Ocultan la verdad de nuestros ancestros
Enseñando español a nuestros indios

Te dicen que eres indio
Y tu lo quieres negar
Porque si dices que eres indio
A ti te quieren reventar

A medida que vas creciendo
Tu empiezas a analizar
Que todos esos años en la escuela
Tu lenguaje lo quieren matar

Mataron a nuestros ancestros
Los esclavizaron
Los violaron
Y al violar a la mujer india
A la misma pachamama humillaron

Nuestros indios lucharon
Nuestros indios sangraron
Pero nunca se olvidaron
De que indio y madre es uno
Tata Inti y Pachamama

Ser mestizo es mi destino?
Ser un indio dentro mio!!
Tener la mayor parte india
y por eso un orgullo
de decir a los cuatro vientos
y a todo el mundo
que indios somos unicos
y orgullosos de ser nosotros mismos

Si alguien me llama indio
Yo le agradezco mucho
De ser del poderoso imperio Inka
Potosino y de la tierra del tinku
Jallalla Bolivia, Peru, y Ecuador

Por Abad Figueroa

HIMNO A LA AMISTAD

2011-07-20T06:13:00.000-07:00

HIMNO A LA AMISTAD

Amigos del "¿Qué tal?",
"¿Cómo te va?"
o "¿Cómo andás?",
son sólo conocidos.

Amigo es más profundo,
su alcance es infinito,
comienza en este mundo
culmina junto a Cristo.

Decir que uno es amigo
encierra un compromiso,
que la amistad lo hizo
calor, amor y abrigo,
calor que se mantenga,
amor sincero y puro,
abrigo en trances duros,
convenga o no convenga.
Amigo es cosa seria
amigo es gran prudencia...
amigo es esa arteria
que en el alma es vivencia.

Amigo es más profundo...

Porque cuando en la calle
se enlaza una amistad,
la mano es como un valle
de la autenticidad.
Amigo se es en las buenas
y en las malas,
un amigo nunca es pala
que a otro cave una condena.
El oro es siempre enemigo,
ser popular es muy trampa,
más si en ello hay leal amigo,
la amistad es fiel alianza.

Amigo es más profundo...

No traiciones, ni mentiras,
ni frías especulaciones.
La amistad crea dos dones:
para ésta y la otra vida.
Mirémonos de frente
sin medir nuestras fuerzas.
Dime como sientes,
te diré como piensas,
y unidos por la gracia
de la amistad sincera
los dos sin diplomacia
seremos cuánto quieras.

Amigo es más profundo...

Letra y música: Daniel Toro y Chango Nieto
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MANUEL JOSÉ CASTILLA

2011-07-19T15:49:00.000-07:00

Manuel J. Castilla nació en la casa ferroviaria de la Estación de Cerrillos (Salta), el día 14 de agosto de 1918. Realizó estudios primarios en la Escuela Zorrilla para luego estudiar el secundario en el Colegio Nacional de su provincia natal.
Se dedicó al periodismo y las letras. Es uno de los escritores fundadores del grupo "La Carpa". Además de sus colaboraciones en diarios y revistas nacionales, publicó los siguientes poemarios:
Agua de lluvia (1941), Luna Muerta (1944), La niebla y el árbol (1946), Copajira (1949,1964, 1974), La tierra de uno (1951, 1964), Norte adentro (1954), El cielo lejos (1959), Bajo las lentas nubes (1963), Amantes bajo la lluvia (1963), Posesión entre pájaros (1966), Andenes al ocaso (1967), Tres veranos (1970), El verde vuelve (1970) y Cantos del gozante (1972), Triste de la lluvia (1977), Cuatro Carnavales (1979). También publicó un texto en prosa: De solo estar (dos ediciones en 1957) y el libro Coplas de Salta (1972, con prólogo y recopilación de Castilla).
Manuel J. Castilla
En 1957 obtuvo el Premio Regional de Poesía del Norte (trienio 1954-56, Dirección General de Cultura de la Nación), por su libro Norte adentro fue galardonado con el Premio "Juan Carlos Dávalos" para obras de imaginación en la producción literaria (trienio 1958-60, Gobierno de Salta) por el poemario El cielo lejos, y con el Premio del Fondo Nacional de las Artes (Mendoza, Trienio 1962-64) por su libro Bajo las lentas nubes. En 1967 recibió el Tercer Premio Nacional de Poesía por su obra Posesión entre pájaros. Entre otras de sus más importantes distinciones se incluyen el Gran Premio de Honor de la Sociedad Argentina de Escritores (1973), el Primer Premio Nacional de Poesía del Ministerio de Educación y Cultura de la Nación (trienio 1970-72) y el Primer Premio Nacional de Poesía del Ministerio de Educación y Cultura de la Nación (trienio 1973-75). Falleció en Salta, el 19 de julio 1980 por razones de diabetes.
En la escritura de Manuel J. Castilla convergen narración, poesía y mito. En el libro De sólo estar, la estructura prosaica y la intensidad lírica condensan la presencia de los mitos del tiempo y del carnaval. La línea de conciencia social trazada por Castilla en su producción lírica y narrativa es fundante en la literatura del NOA y posteriormente otros escritores retomarán esa problemática, como Héctor Tizón, Daniel Moyano, Francisco Zamora o Carlos Hugo Aparicio.

CHANGO RODRIGUEZ

2011-07-06T05:38:00.000-07:00

Un gran referente del folklore de Córdoba es sin duda el Chango Rodriguez, hoy en el Aniversario de la fundación de la ciudad, les contamos algo de uno de sus referentes de la música y el canto cordobés.
Se llamaba José Ignacio Rodríguez, "Chango Rodríguez" cantautor y poeta del cancionero popular argentino. De padre catamarqueño y madre riojana, nace en Córdoba, Argentina un 31 de julio de 1914 en el domicilio de Sucre 327. Cursó sus estudios primarios y secundarios en el colegio San José de Villa del Rosario. En su juventud fue jugador del fútbol del Rioja Junior ( Provincia de la Rioja )
Vivió junto a su madre en calle Chubut 34, Córdoba.
Un 8 de enero 1965 contrae nupcias con Lidia Haydeé Margarita Bay "La gringa", la musa inspiradora de la zamba "MI LUNA CAUTIVA".

LUNA CAUTIVA

Letra y música: Chango Rodriguez

De nuevo estoy de vuelta, despues de larga ausencia
La Lam Mi
igual que la calandria que asota el vendaval.
Si7 Mi
Y traigo mil canciones como leñita seca
Do#7 Fa#m Si7 Mi
recuerdos de fogones que invitan a matear.

Y divise tu rancho a orillas del camino
por donde los jazmines tejieron un altar.
Y al pie del calicanto la luna cuando pasa
peinò tu serenta la trensa del sauzal.

Sol#m Do#m
Tu amor es una estrella con cuerdas de guitarra
La Lam Mi
una luz que me alumbra en mi oscuridad.
Si7 Mi
Acercate a la reja sos la dueña de mi alma
Sol#7 Do#m Si7 Mi
sos mi luna cautiva que me besa y se va.

Y escucha que los grllos estàn enamorados
y llora mi gutarra sollozo del sauzal,
y el tintinear de espuelas del rìo alla en al vado
y una noche serena prendida en mi cantar.

De nuevo estoy de vuelta, mi tropa està en la huella
arrieros musiqueros me ayudan a llegar;
tuve quq hacer un alto por un toro mañero
alla en el calicanto a orillas del sauzal.

Aquí está esta preciosa zamba con tonalidades para que la puedan practicar con su guitarra.

Fuente: changorodriguez.com

DANIEL ALTAMIRANO

2011-07-04T05:52:00.000-07:00

En todas partes soy un mendocino ausente, que guarda esencias...de su región natal.
Mi signo astral es cáncer, tercer semana de Julio, casa de la luna y el agua, corre por el cielo de mis sentidos, y como la lluvia, desprende aromas, sensaciones y sabores de todas las regiones que ha tocado el alma, que observaron mis ojos, voces de gente, que me fueron regalando historias, besos de sencillo amor, manos que se tendieron como puente. ..Sueños...deseos...vida...instalados en mi memoria, caminándome el corazón, sí...!como la lluvia, como el agua...que calma la sed, sin mirar a quien.
Nací en “Campo Los Andes”, Dpto. de Tunuyán; pero crecí en “La Consulta”. Mi padre, Don Fernando Altamirano era pintor y muy buen cantor y mi madre Celia, puso el amor y la obstinada ternura para gestar en nuestros espíritus, la pasión por la música.
Con el tiempo, la gente del pueblo, se hizo cómplice de nuestras inquietudes canoras, dándonos sitio en la panadería para los furiosos ensayos, en las bodegas y fiestas vendímiales, esparciendo nuestra feliz juventud y en serenatas que recuerda la luna de la calle Julio Balmaceda..!
¿Dónde quedó el corazón, en que adiós o despedida...callejón, álamo y sol...de mi tierra mendocina?
Un día, el padre cura Gerardo Moreno, nos llevó a la radio de la ciudad de Mendoza y después a la televisión y de allí en un legendario Citroën, fuimos a Buenos Aires al programa de Pipo Mancera.
Con otro amigo: José Homs, fuimos a conocer baires...ya teníamos más experiencia y cargamos hacia los sellos grabadores; las respuestas no fueron muy alentadoras...en fin...pero conocimos la peña de Fanny, donde ella nos albergó y nos quedamos para conseguir nuestros propósitos....grabar nuestro disco.
Fue una experiencia hermosa, ahí aprendimos mucho de los personajes que poblaban el humor, poesía, canto, danza, ingenio y talento, las noches llenas de magia y fascinación.
Con estas experiencias, nos fuimos a Córdoba...ya éramos “Los Altamirano”.En la carpa de Eduardo Rodrigo comenzó nuestra historia profesional. Un mes de actuaciones continuas y además de los tres show por ida a la carpa, hicimos teatro, peñas y teníamos nuestro corazón apuntado hacia Cosquín.
En enero de 1969, Julio César, Mario enrique y yo Daniel Altamirano, hicimos nuestro, el fervor y el aplauso de Cosquín.
En esos días increíbles!,calientes!,únicos, con mis hermanos, fui reuniendo lo que mis ojos veían, mi alma intuían ... ese algo, que yo debía materializar, convertir en canción, sentimiento, poesía o mejor dicho, en la memoria colectiva, rica en deseos, historia, belleza, testimonio de una época y país.
Daniel Altamirano.
Daniel Altamirano es un talentoso cantante y compositor nacido en La Consulta, Mendoza. Durante su larga carrera cosechó éxitos y una importante trayectoria.
Con “Los Altamirano”, en 1969 obtuvieron la consagración en el Festival Mayor de Folklore de Cosquín. Años más tarde, como integrante del reconocido grupo “Los de Siempre” llegaron a conquistar el público argentino. En 1974 su material “Dios a la una” obtuvo el Triple Platino y el Disco de Oro por sus ventas. Junto a las placas “Fábulas de loco” y “Los de Siempre Volumen 1” vendieron más de un millón de discos. Con sus canciones románticas marcaron un hito en la historia de la música popular.
Ya en 1978 y como solista, Daniel Altamirano lanzó “Serenata del amor callado” (Microphone) y nuevamente fue reconocido con un Disco de Oro. En 1979 recibió el Premio Prensario al Intérprete Creativo. Grabó varias placas y se presentó en diversos festivales nacionales. A partir de 1985 y hasta 1987 vivió en España, donde actuó en varias oportunidades.
Altamirano también es el creador de éxitos como “Dios a la Una” y “La Oma”, entre otros. Es autor del tema “Signos” interpretado por Los Nocheros y “Fue mía una noche” por Luciano Pereyra.
“Dulce Dolor” (DBN). Esta obra fusiona música y poesía y contiene temas como “Che Gomecito”, “Jachal”, “El viaje de Maradonna”.
El autor resume su material de la siguiente manera: “lo dulce no siempre es dulce... la vida esconde en su copa el sorbo amargo del dolor”.
Daniel Altamirano, un talentoso cantante y compositor que con “Dulce Dolor” fortalece la música popular argentina.
Hoy “Epocas de antes y después” es el nuevo material que se está difundiendo de Daniel.-

FUENTE: sitio oficial de Daniel Altamirano-Copyright 2010 - SIGNOS Ideas Creativas. All rights reserved

EL VIAJE DE MARADONA

2011-07-04T05:33:00.000-07:00

En homenaje al Dr. Maradona, hoy es el DÍA DEL MEDICO RURAL, y Daniel Altamirano, un grande de nuestro folklore, resume en esta canción la personalidad y la obra del querido Doctor Dios, como lo llamaban sus pacientes aborígenes.

EL VIAJE DE MARADONA
(canción)
.
Dicen que viajaba a Salta
en el tren que llega a San Ramón de Orán
el que viene de Formosa
trayendo gente hasta Pirané
.
Iba sumido en sus pensamientos
el hombre joven, el doctor aquel
.
En Estanislao del Campo
sintió el llamado y bajó al andén
Y bajó al andén,
sin saber por quién
.
Ella alumbraba, ella solita
dolor de vida alumbrándose
.
El doctor con su pericia
tocó su vientre y nació un bebé
Y nació un niño, un niño hermoso
un niño indio y el tren se fue
.
Y el tren se fue, dejándole,
dejándole en el andén
Y el tren se fue, dejándole
un Cristo solo en el andén
.
Recitado:
"El Aníbal me decía, mirá…mirá che
un par de libros, hojas de yerba
un microscopio viejo, decime che
¡pucha que rico en voluntad era este hombre!
fijate vos, fijate che, con pocas cosas
hizo tanto bien,
Y yo recordé a Filipa que allá en Formosa
me decía él…Don Maradona un santo
un Cristo nuestro, cantale che
pa’ que los niños de nuestra patria
sepan que hay hombres nobles,
humildes, buenos ejemplos para seguir…
Y yo me digo, creo que el destino
sabe adónde, por qué y por quién
se detiene el tren "
.
Esto me contó Venancio
el Intendente de Estanislao
y Los Menchos que tocaban
chamamé maceta y vea usted.
.
Y el tren se fue, dejándole
un Cristo solo en el andén.
Letra y música: Daniel Altamirano

HOMERO MANZI

2011-05-03T16:18:00.000-07:00

Nació el 1° de Noviembre de 1907 en Añatuya, Santiago del Estero.Su nombre completo era Homero Nicolás Manzione Prestera y fue el sexto de los ochos hijos del matrimonio formado por Luis Manzione y Angela Prestera.Vivió en esta provincia hasta cumplir nueve años y luego fue enviado a Buenos Aires bajo la tutela de su hermano Luis. Ya demostraba grandes dotes de escritor.A los catorce años interviene en los teatros del barrio inducido por la publicación de la revista Billiken; además había escrito los versos del vals "Por qué no me besas", con música de Francisco Caso.A los 17 años comienza a interesarse en la política, abriendo un ateneo de la Union Cívica Radical.La influencia que ejerce su hermano Luis, lo llevó a dedicarse a la literatura. Su acercamiento con el padre de su amigo Cátulo Castillo lo llevó a comprender loa sentimientos del suburbio.A los 19 años ingresa a la Facultad de Derecho. Como docente dicta las cátedras de Castellano e Historia en los colegios Domingo F. Sarmiento y Mariano Moreno.Político por vocación, el golpe de Estado del 6 de Septiembre de 1930 le trajo como consecuencia la destitución de sus cargos como profesor y la expulsión de la Facultad de Derecho.Poeta por naturaleza, comenzó a escribir tangos, valses y milongas, y de a poco comienza a ser conocido dentro de los círculos relacionados con esa industria naciente. También comienzan su prolífica labor como guionista de cine y su actividad en radio.En 1934 comienza a utilizar el seudónimo que lo acompañará a lo largo de toda su carrera: Homero Manzi.Por esa misma época se produce su encuentro artístico con Sebastian Piana.A este dúo tenemos que agradecerle la revalorización de la Milonga, cuya popularidad estaba decayendo, con títulos como: "Viejo Ciego", "Milonga sentimental", "Milonga del 900", "El Pescante" (con la que ganarían el 2° Premio en el concurso de tangos del teatro Sarmiento en 1934), "Milonga de Puente Alsina" y muchas otras. Con respecto a su incursión en la industria cinematográfica, podría decirse que sus películas fueron ganado madurez, hasta producir algunos de los títulos más laureados de la época que constituye la base del Cine Argentino. Como libretista y argumentista figura en veinte producciones de cine, a pesar de lo prematuro de su fallecimiento y los múltiples frentes en que desarrolla su tarea.Su mejo logro fue la Fundación de Artistas Argentinos Asociados (AAA), junto a artistas como Enrique Muiño, Francisco Petrone, Angel Magaña, Sebastián Chiola y el productor García Smith.En esa organización se realizó la mayor parte del cine de más alta calidad, que fue un legado para la cinematografía actual.Durante toda su vida se dedicó a defender al autor, tanto de las productoras como de las editoriales, haciendo su propio camino en el propósito de afianzarse en lo nacional.En el campo del periodismo profesional, funda la revista "Micrófono". Luego dirige de la revista "Radiolandia" hasta 1938, y el Noticiero Panamericano.En 1948 ganó las elecciones para presidente de S.A.D.A.I.C., siendo reelegido en 1950 para el cargo que todavía ocupaba en el momento de su muerte.Sus últimas obras fueron en colaboración con Anibal Troilo, entre las que mencionaremos: "Sur", "Discepolín" y "Che, bandoneón".Víctima de cáncer, falleció el 3 de Mayo de 1951 cuando tenía sólo 44 años, dejando gran cantidad de piezas inéditas, listas para musicalizar ("Magdalena", "Canto viejo", "Reminiscencias" y "Elegía"); además de los poemas para su libro, y varios proyectos cinematográficos inconclusos.

Ricardo Espinosa Belén

JUAN FALÚ EN NEUQUÉN

2011-05-02T05:51:00.000-07:00

Juan Falú visitó la ciudad del Neuquén y en su paso dejó algunas fuertes impresiones sobre el folklore, el rock y la cultura.
El Aula Magna de la Universidad Nacional del Comahue vivió el último martes uno de esos momentos memorables e imborrables para el inconciente. Juan Falú, una de las figuras que posee la música argentina, descolló con su concierto de guitarra, luego de ocupar su tiempo –apenas horas antes del espectáculo- en dictar una clínica, lo que habla de su grandeza humana.
Pero más allá de lo que significó una nueva vista de este enorme compositor y autor, el guitarrista tuvo tiempo para despacharse con una mirada crítica sobre el folklore (hay quienes lo toman como una diversión y esos es otra cosa”), el festival de Cosquín (“no todos están en la pavada”), el rock (“no tiene nada que sea argentino”) y Gustavo Santaolalla. “Si uno por ganarse un Oscar se puede creer Che Guevara, es porque en este país somos tontos”, afirmó sobre este último músico.
Juan Falú. El hombre espigado que quizás no puede decir mucho a simple vista, pero que ante sus profundas y claras convicciones e ideología, lo llevan al terreno de definiciones contundentes que hace que más de uno se detenga a escucharlo.

¿Cómo se relacionan los jóvenes con el folklore tal como hoy se muestra?
Tengo dos miradas, dos perspectivas. La del músico y la del docente. Los jóvenes que encuentro y me relaciono en la docencia son aquellos que están buscando en el folklore la esencialidad del mismo: la memoria, la fuente. Son los que buscan bien porque buscan mucho y allí encuentran la esencia. Estoy tranquilo por ese lado, está absolutamente garantizado ese paso. Ahora en el entretenimiento es otra cosa. Hay quienes toman el folklore como una diversión y eso es otra cosa.

¿Los medios favorecen esa búsqueda?
Yo no soy mediático. Sin embargo hay público para escuchar lo que hay. Sé que en esta gira me va a ir muy bien. Voy a estar en cuatro provincias patagónicas y tengo la absoluta seguridad que va a ir mucha gente. Soy optimista en ese tema. Pero lo que se está haciendo en la música es tremendo. Hay una cantidad de folkloristas que ya ni sé si llamarlos folkloristas. Si no nos ponen a todos en la misma categoría y eso me da un poquito de fastidio.

Entonces si no son folkloristas ¿qué son?
Son personas que ocupan un escenario. Los artistas buscan la esencialidad.

¿Cuál es la diferencia entre ambos?
El artista busca que se aplauda al arte, a eso que se entrega desde adentro. Los otros son los que buscan el aplauso personal. Es sencillo pero es complicado. Yo reconozco que es gratificante el aplauso, no me voy a mandar la parte que no me gusta. Pero no hay mayor emoción que saber que cuando uno toca una zamba , ver en el rostro del público una sonrisa, una mirada, porque siente que le pertenece, eso no tiene precio.

¿Cómo fue recibido en Cosquín?
Tenía una cuestión pendiente con Cosquín. Hay mucha gente que circula ahí con expectativas. Que está buscando algo. No todos están en la pavada. Hay quienes buscan algo más. Y si uno tiene esa oportunidad hay que respetarla y hacerlo. No lo digo como un logro personal. Creo que es una conquista de la comunidad porque tiene la actitud de escuchar. Y esa actitud es garantía que algo está pasando. Cuando un pueblo escucha es que está ejerciendo la libertad porque no está llevado al aplauso fácil, está escuchando. Y eso es lo que valoro. No por mi sino por nosotros, por todos.

¿Qué opinión tiene sobre quienes adhieren a un color político desde su rol de artista?
Siempre he respetado a los que diciendo con contenido ideológico y haciendo canciones de “protesta”, supieron mantener su condición de artistas. Y en ese lugar sagrado la tengo a Violeta Parra, que ha sido una tremenda artista y todo lo que trasunta es genuino. Pero hay cierto uso y abuso cuando el discurso termina siendo sospechoso porque sirve para alimentar el éxito artístico. Ahí me molesta mucho. He conocido a grandes artistas que han sido tan genuinos, que han dejado que la cosa brote por inspiración, y su profundo amor por la gente como la que hizo Pepe Nuñez con “El manco Arana”, sin pensar que podía servir para su beneficio. Conocí a grandes como Chito Zeballos ¡a tantos! Tengo muchas prevenciones sobre cierto uso. Terminan siendo kioskos para vender. No es necesario abusar del discurso. Porque termina siendo banal, vacío y eso no es arte. Ante la ideología en serio, me saco el sombrero.

¿Cuál es su relación musical con el rock?
Hay pibes que me preguntan por qué le doy tanto “palo” al rock. Yo lo veo con mis modelos, lo que tuve, no puedo verlos de otra manera. Mi opinión sobre el rock está teñida de subjetividad, porque no me gusta el rock. Entonces decidí ser cuidadoso, respetuoso. A mi me molesta que sea tan “intrusivo”, tan “entrometido”. No estoy hablando de los rockeros sino de la “cultura del rock metida en todas las esferas como está. Si uno busca música para una publicidad, un gingle, un documental, está el rock. Todo está con el rock. Si querés ser “progre” tenés que mandar el himno cantado por un rockero o la marcha “Aurora” por una rockera. Yo digo que ese himno no sirve. Desde el punto de vista musical, no sirven.

¿Por qué no sirven?
Porque no tiene que ser sustituido ese lenguaje que tiene el himno por el rock. Ese lenguaje coral, sinfónico que tiene el himno es lo que es musicalmente. Me pidieron que fuera a la escuela de mi hijo a tocar y les pedí que no pasaran ese “himno rock”… por favor. La directora de la escuela me dio la razón y estoy hablando de la escuela pública. Quiero aclarar igual que hay muchos músicos del rock que admiro y respeto. Y también digo que son muy buenos, aunque no hay que exagerar. No son Bach, ni Mozart (ríe). Si queremos hablar de compositores hablemos de Ariel Ramírez. Soy muy radical en estas cuestiones.

¿Cuál es su análisis en el sentido musical?
El rock no tiene nada que sea argentino. El rock nace sin antecedentes argentinos. Hace una relectura, una reinterpretación de otros lenguajes sin tener antecedentes, sin haberlos vivenciado. Nosotros estamos en un constante renacer. En una discusión permanente de siglos, y no es cómodo ver que ese renacer, que es controvertido, con polémica, con discusiones, con los tradicionalistas que son unas momias, con los “progre” que buscaban irse al carajo porque tenían la compulsión de ser “progres” y te hacían cualquier cosa, seguimos discutiendo y defendemos la tierra. El rock nació hace cuarenta años. Atrás no tienen nada y sin embargo sacan chapa para reinterpretar otros lenguajes. Pueden hacer tango, folklore, lo que se les ocurra. A mí no me gusta eso. No habla bien de mi sociedad, de mi país. No es culpa de los rockeros.

¿Qué nos pasa como país en ese sentido?
Es un país tonto. Jamás vas a encontrar en las expo de Zaragoza, de Sevilla, de Shangai de todas esas pelo..., que Venezuela o Brasil o África se presenten con rock. Presentan su música, así de sencillo
Nosotros para mostrar una tonada cuyana en el exterior tenemos que nacer de nuevo como país. Para encontrar un funcionario argentino que diga “vamos a mostrar una tonada cuyana en Bélgica”, donde se volverían locos escuchando nuestras guitarras. Somos un país tonto.

¿Cómo se terminan o se alivian esas “tonteras”?
Es difícil. Pero pienso que se tienen que poner de pie las culturas regionales incluyendo Buenos Aires. Porque hay un Buenos Aires tanguero, de barrios, pampeano, candombero, rioplatense. Pero las culturas regionales nuestras son las que tienen más posibilidades de inserción en una identidad latinoamericana que, por suerte, están vivas. Los medios le dan poca importancia a esas culturas regionales. Le dan espacio a esas baladas pop, esos nombres que nunca entendí qué significan.

Su enojo con Santaolalla

Juan Falú no economiza mirada crítica hacia el interior humano y menos si se trata de conductas que tienen que ver con la historia del país y sus pesares. Hace unos días, en un programa de televisión, observó el informe sobre el trabajo realizado por León Gieco y Gustavo Santaolalla, “De Ushuaia a la Quiaca”. Ante la imagen de un grupo de niños tucumanos de guardapolvos blancos en Tafí del Valle, el periodista le preguntó a Santaolalla si le había resultado difícil ese trabajo. A lo que el ganador de un premio Oscar respondió: “Fue difícil, aquello era la guerra de los viejos contra los jóvenes. No olvidemos que eso nos costó treinta mil desaparecidos”. Justamente, ante esa declaración Falú se tomó su tiempo para reflexionar.
“El Sr. Santaolalla no tuvo la más remota noción de militar y sufrir las consecuencias de la militancia en ese proceso. Y se atribuye desde su trabajo de orígenes rockeros ser de los jóvenes que enfrentaron a los viejos y estar en una guerra que cuesta treinta mil desaparecidos, como si ésta fuese la síntesis de la guerra”, aseguró Falú. Y agregó: “Se pone en el primer lugar del protagonismo y víctima sin haber tenido la menor idea, de lo que ha sido militar y enlutarse en esos años. Me encantaría debatir cara a cara con ese señor sobre este asunto. Eso es apropiarse de la historia, es robarle a la historia. Si uno por ganarse un Oscar se puede creer que puede ser un Che Guevara, es porque en este país somos tontos”.

Por: Hilda López
Fuente de información: Diario La Mañana del Neuquén, Espectáculos, 30/04/2011.

LA MARCHA DE SAN LORENZO

2011-04-09T19:36:00.000-07:00

En cada fiesta patria argentina se escucha la Marcha de San Lorenzo:"Febo asoma, ya sus rayos iluminan el histórico convento.... etc."Ya sea a través de una grabación, entonada por los asistentes o tocada por una banda militar, varias veces por año disfrutamos de la querida Marcha, una tonada de neto corte marcial, alegre y pegadiza a la vez que heroica y épica, que logra el difícil objetivo de despertar en los asistentes sentimientos de patriotismo.Si alguien nos preguntara qué sabemos de la Marcha de San Lorenzo nos vendrían a la mente los siguientes preconceptos:

1. Debe haberla compuesto algún ilustre maestro musical argentino, seguramente de estirpe patricia.

2. Debe tratarse de una marcha imaginada en homenaje al General San Martín.

3. Desde su creación debe tener esa letra acorde a la gran batalla.

4. La habrán creado por encargo del gobierno nacional.
5. Con el correr de los años, el autor habrá alcanzado el reconocimiento y distinción acordes a su obra patriótica.

6. Se debe utilizar solamente en Argentina y con el fin de ensalzar la gesta Sanmartiniana.

Esa breve descripción alcanzaría para sintetizar lo que la mayoría creemos saber o pensamos acerca de la Marcha de San Lorenzo.

Pero estaríamos enormemente equivocados:

Su autor, Cayetano Alberto Silva, era uruguayo, nacido el 7 de agosto de 1868 en Maldonado, hijo de Natalia Silva, una esclava de la familia que le dio el apellido. Estudió música, integró una banda en Montevideo, y en 1889 viajó a Buenos Aires, donde incursionó en el Teatro Colón. Se trasladó luego a Rosario, donde fue nombrado maestro de la Banda del Regimiento 7 de Infantería. En 1898, al ser contratado por la Sociedad Italiana de Venado Tuerto, se muda con su familia a esa ciudad, donde funda un centro lírico, enseña música y crea la "Rondalla " con la que actúa en el Carnaval de 1900.

Escribió la música para las obras teatrales "Canillita" y "Cédulas de San Juan" de su compatriota y amigo Florencio Sánchez, así como otras marchas militares: "Curupaytí ", "San Genaro" (en homenaje a este pueblo de Santa Fe), "Río Negro", "22 de Julio" y "Tuyutí".

La partitura musical que después conoceríamos como Marcha de San Lorenzo, fue compuesta por Silva para dedicársela al Coronel Pablo Ricchieri, Ministro de Guerra de la Nación en ese entonces y modernizador del Ejército Argentino. El Ministro agradeció el homenaje pero le pidió que le cambiara el título por "Combate de San Lorenzo", lugar donde él había nacido y escenario de la contienda que el General San Martín llevó a cabo en territorio argentino.

Fue estrenada oficialmente en 1902 (sin letra) en las cercanías del histórico Convento de San Carlos donde se gestó la batalla de San Lorenzo. Ese día la marcha fue designada Marcha Oficial del Ejército Argentino. Asistieron el Presidente de la Nación, General Julio A. Roca, y el Ministro Ricchieri.
En 1907 su vecino y amigo de Venado Tuerto, Carlos Javier Benielli, le agregaría la letra que luego sería adaptada para las escuelas. También escribió las letras de "Curupaytí" y "Tuyutí".

Años después, acosado por la pobreza, Cayetano Silva vendería los derechos de la marcha a un editor de Buenos Aires en $ 50 de esa época, una suma insignificante.La marcha se hizo famosa (en Europa se considera una de la cinco mejores partituras militares de la historia) y estuvo presente en momentos históricos fundamentales:

* El Gobierno inglés solicitó autorización a nuestro país y fue ejecutada el 22 de Junio de 1911 durante la coronación del Rey Jorge V.

* Se ejecuta habitualmente en los cambios de guardia del palacio de Buckingham, modalidad que estuvo suspendida únicamente durante el conflicto en las islas del Sur.

* Fue incorporada al repertorio de bandas militares de Uruguay, Brasil y Polonia, entre otras.

* Fue usada como música incidental en algunas películas (Rescatando al Soldado Ryan, por ejemplo).

* El Ejército Argentino, en la época previa al nazismo, le regaló la Marcha de San Lorenzo al Ejército Alemán como muestra de amistad, y a cambio éste nos obsequió la marcha "Alten Kameraden" (Viejos camaradas) que hemos escuchado en numerosas ocasiones en nuestras fiestas patrias.

* Durante la Segunda Guerra Mundial , la Marcha de San Lorenzo fue tocada por los alemanes en París cuando entraron por el Arco

* A manera de desagravio, el General Dwight Einsenhower también la hizo ejecutar cuando el ejército aliado entró en París para liberarla.

Cayetano Silva Fue también empleado en la banda policial. Tras serios problemas de salud, falleció en Rosario el 18 de Enero de 1920. Por ser de raza negra, la Policía de Santa Fe le negó sepultura en el Panteón Policial, y fue sepultado sin nombre. Recién en 1977 sus restos fueron trasladados al Cementerio Municipal de Venado Tuerto.

LOS CANTORES DE QUILLA HUASI

2011-03-23T07:12:00.000-07:00

La historia de Los cantores de Quilla Huasi es bastante conocida, al menos para quienes fueron seguidores de ese cuarteto que adornó con bellas canciones, la página de una época inolvidable para el folclore argentino.En 1952, los salteños Fernando Portal y Carlos Vega Pereda, con el bonaerense Ramón Núñez (el japonés para sus amigos), y el rionegrense de Viedma, Carlos "conejo" Lastra (de inconfundible estilo), se juntaron para integrar un conjunto folclórico. Ellos no sabían que estaban forjando una historia; que pasarían a figurar en la antología de la música nacional.Núñez es oriundo de Capilla del Señor, y Pereda se radicó de muy joven en Villa Mercedes (S. Luis); de ahí que andando con los compadres tonaderos, acariciados sus oídos por guitarras y canciones de Cuyo, fue amando el cancionero de esa región y por eso muchos creen que es Cuyano.

El poeta de Waco; el sanjuanino Eusebio Dojorti, más conocido como Buenaventura Luna, creador de la legendaria Tropilla de Huachi Pampa, ofició de padrino del grupo al que bautizó como LOS CANTORES DE QUILLA HUASI. En el idioma indígena quechua, "los cantores de la casa de la luna" , porque Quilla significa luna, y Huasi quiere decir casa.
Así, con un repertorio mas bien norteño apoyado en guitarras, quena, charango y bombo, debutaron en la Confitería Richmond de la céntrica calle Esmeralda de Buenos Aires en 1954, y poco después lo hicieron en LR1 Radio El Mundo de esa Capital.
En 1956 Oscar "Cacho" Valles (porteño), cuyo verdadero nombre era Oscar Mazantti, reemplazó a Portal, y el conjunto tomó otro rumbo; la guitarra de Valles se complementó con la de Núñez, y el repertorio se tornó más cuyano. Otro cambio significativo fue el del pampeano de Gral. Pico, Roberto Palmer, por Vega Pereda, producido en el año 1960. Palmer venía de integrar un trío melódico, y le dio a Los Quilla un signo más romántico y no tan cuyano.
Carlos Vega Pereda quizá quiso probar suerte como solista, y abandonó el marco protector del cuarteto; grabó excelentes LP pero no tuvo la repercusión que merecía; hoy está residiendo en Villa Cura Brochero, un apacible lugar cordobés en el Valle de Traslasierra, que guarda memoria del "Cura gaucho" José Gabriel Brochero.
Una de las últimas variantes del conjunto se produjo cuando el riojano Ramón Navarro entró en lugar de Ramón Núnez . El punteo del "japonés" pasó a ser ejecutado por Palmer con bastante solvencia.Buenaventura Luna les regaló el nombre; ellos... ¡pusieron el alma!: Portal trajo su matiz norteño; Vega Pereda, Lastra y Palmer aportaron sus voces extraordinarias; "Cacho" Valles derramó su buen gusto y su notable creatividad; Núñez puso su seguridad guitarrera, y por último, el riojano Navarro, sumó el colorido sutil de su tierra.Todos ellos le dieron vibrante vigencia, a través de más de tres décadas, a ¡LOS CANTORES DE QUILLA HUASI!.Hoy en día han cambiado varios de sus integrantes pero sigue Palmer al frente del conjunto para seguir el camino de la música que se propusieron sus primeros integrantes. Que el espíritu de éllos los acompañe siempre.

FALLECIÓ MARIO CLAVELL

2011-03-16T16:52:00.000-07:00

Es triste y doloroso comentarles que el 10 de Marzo falleció uno de
los hombres que hizo aportes inolvidables al bolero: Mario Clavel.
Tenia 89 años. Una persona de una alegria y una jovialidad
extraordinaria y además gran amigo.
Es uno de los grandes compositores románticos que tuvo Argentina.
Autor de boleros inolvidables, que la voz de Leo Marini dejó en el
recuerdo de tantos enamorados...“Somos” y “Hasta siempre”...
Mario Clavell nació en la población argentina de Ayacucho, el 9 de
octubre de 1922. Se radicó en Tandil, provincia de Buenos Aires, en
donde desde muy joven inició sus estudios de guitarra clásica,
imponiéndose al final, el gusto por la canción romántica.
Por el año de 1940 se trasladó a Buenos Aires y en 1941 logró
vincularse como crooner en la orquesta de jazz de Adolfo Carabelli y
cantando los estribillos de los foxtrots de moda estuvo hasta 1942.
Entonces comenzó a trabajar en una empresa de seguros, pero sus
extraordinarias capacidades musicales lo fueron llevando al campo de
la canción romántica, influenciado por el repertorio que llegaba a la
Argentina en los discos de los mexicanos José Mojica, el Dr. Ortiz
Tirado, Juan Arvizu y Pedro Vargas.
En 1944 llegó a Buenos Aires el tenor Juan Arvizu, precedido de gran
fama. La madre de Mario lo presionó entonces para que viera la forma
de que el tenor mejicano, cantara alguna de las canciones que para
entonces ya había compuesto. Y una noche de mayo de ese año en la que
Juan Arvizu se presentaba en el centro artístico Goyescas, Mario logró
colarse hasta los camerinos del cantante, que se encontraba realizando
prácticas de vocalización. Arvizu se sorprendió y cuando supo las
intenciones de Mario se negó a escucharlo. Fue tanta la insistencia
del intruso que no tuvo más alternativa que oírlo... y sin ningún
instrumento, a palo seco, le cantó el bolero...
Arvizu lo asimiló inmediatamente, le pidió que escribiera la letra y
minutos más tarde ya la cantaban juntos. Y le aprendió otras
canciones, que incorporó en su repertorio, entre ellas “Qué será de
mi”, que también fue otro éxito en la voz de Leo Marini.
Gregorio Barrios le cantó “Somos” (compuesta el 16 de mayo de 1946) y
“Abrázame así”... Hugo Romani, otra de las voces más románticas que
tuvo el bolero en Argentina le interpretó “Mi carta”...(grabada en
julio 17/46) y también “Tú no quisiste”..(grabada en sept. 29/47). En
1948 le grabó “Poema triste” y “A donde irás”...
Años más tarde en 1957, Mario aportó al repertorio de la canción
paraguaya otra hermosa canción “Quisiera ser”, tema que compuso a
instancias de un amigo que le hizo el comentario de que había muy
pocas canciones en el folklor de ese país. Otras canciones de su
fecunda inspiración son: “Por que tú lo quieres”, “Porque sí”,
“Desencuentro”, “Muy bien”, “Dime adiós”, “Sin mí”, “El amor es uno”,
“A veces los dos”, “La última canción”, “Te acordarás de mi”, “ y la
lista es más larga...
El temperamento alegre y jovial de Mario Clavell y su gran simpatía
personal, le abrieron el camino de la popularidad artística, no sólo
como compositor sino también como showman. Estuvo algún tiempo en
Colombia en donde organizó el famoso programa radial de La hora
Philips y en Madrid residió 5 años, dirigiendo programas de radio,
teatro y televisión.
Fue galardonado en España, Puerto Rico, México y en Argentina recibió
el premio Konex (1985) de Platino. También fue distinguido por la
SADAIC con premio de Honor (1985) por la admirable trayectoria
artística desarrollada en el campo de la música popular romántica y en
Miami fue galardonado por la ACRI por un bello espectáculo que
presentó con la gran pianista Lucy Díaz (†)en 1993. Estas son apenas
algunas de las menciones de honor que se le han ofrecido. La lista
completa es bastante larga.
Mario Clavell es uno de los compositores que más le han grabado en
Latinoamérica. Todos los intérpretes del bolero tuvieron en su
repertorio alguna de sus canciones y seguramente “Somos” es la que más
versiones discográficas puede tener. Ha compuesto unas 800 canciones,
de las cuales han sido grabadas unas 130. La primera de ellas fue el
tango “Princesita del barrio” compuesta en 1938.
Mario falleció el 10 de marzo de 2011.
En la fotografia que les adjunto esta la señora de Mario, Esperanza
Serrano, que fallecio en Miami hace un mes y Jaime Rico Salazar.
Fotografía tomada en Caracol de Miami.

Jaime Rico Salazar

EL POEMA SANTOS VEGA

2011-03-08T05:14:00.000-08:00

El poema de Rafael Obligado se inscribe dentro de la estética romanticista, por la notable presencia de elementos típicos como el crepúsculo y el nacionalismo.

Cuando la tarde se inclina
sollozando al occidente,
corre una sombra doliente
sobre la pampa argentina.

Está dividido en cuatro cantos: El Alma del Payador, La Prenda del Payador, El Himno del Payador y La Muerte del Payador. No son cronológicos ya que en los primeros dos se presenta al "fantasma" que habita la pampa, en el cuarto se relata la última payada; y el tercer canto fue un agregado posterior en el que Santos Vega (vivo) irrumpe en un partido de Pato para convocar a los gauchos a unirse a la Revolución de Mayo
El Alma del Payador
Se presenta el mito: una sombra triste que vaga por las lagunas de la pampa, que toca cualquier guitarra olvidada cerca de los aljibes y culmina con una exaltación de la Argentina por parte del yo poético:

Beso este suelo querido
que a mis caricias se entrega
mientras de orgullo me anega
la convicción de que es mía
la Patria de Echeverría
la tierra de Santos Vega.

Cabe destacar que contrariamente al canon del clasicismo griego y romano, el sujeto del poema aparece al final del primer canto y no en el proemio. Además predominan las referencias al agua.
La Prenda del Payador
En este canto predominan las referencias al viento. Santos Vega visita a su amada ("la prenda", en el habla gauchesca) bajo la forma de un huracán.
El Himno del Payador
El tercer canto no aparecía en la primera edición sino que fue agregado posteriormente. Difiere de los otros tres en el estilo, ya que es mucho menos descriptivo y se detiene en las acciones y en los diálogos; además, a diferencia de los anteriores, Santos Vega todavía no había desafiado al diablo. Las descripciones se centran en el elemento de la Tierra (el campo y la patria).

LA SALUD DE ARGENTINO LUNA

2011-02-21T18:46:00.000-08:00

El querido autor y cantor nacional Argentino Luna,ha mostrado una importante mejoría en los últimos días, lo que a consideración de los médicos constituye no solo una buena noticia desde el punto de vista de la salud, sino que les permitirá mover al paciente a un centro de mayor complejidad. El último parte médico revela que se comunica y respira por sus propios medios.
La salud de Argentino Luna ha tenido una notable mejoría en estas últimas 72 horas y de acuerdo a las evaluaciones de los médicos, habiendo logrado esta estabilidad, puede ser trasladado a Buenos Aires para completar la asistencia en un centro de mayor complejidad.
El parte médico expresa que en el octavo día de la re intervención abdominal, continúa estable hemodinámicamente, permanece despierto, se comunica, ingiere alimentos por vía oral y posee buena ventilación y diuresis. Es por este motivo que la Dirección del Hospital Pedro Tardivo donde permanece considera apropiado que Argentino Luna sea llevado rápidamente a Capital Federal para reestablecer su salud definitivamente.
Extraoficialmente las fuentes consultadas en el hospital aseguran que está de muy buen ánimo aunque acusa algunos dolores y malestares producto de las operaciones a las que fue sometido. Sin embargo la recuperación en los últimos tres días ha sido más que satisfactoria y especulan que el artista podría dejar Caleta Olivia en pocas horas más para ser internado en un centro de alta complejidad en Buenos Aires. (Agencia OPI Santa Cruz)
Que Dios lo siga ayudando. Ud. es una persona muy valiosa para nuestro folklore, Don Argentino Luna!

Padre Marcelino Moya

2011-02-15T14:02:00.000-08:00

El cura payador
En las jineteadas empiezan a considerarlo tan imprescindible como la torta frita o la tropilla. Marcelino Moya se aparece por las fiestas camperas -no sin invitación y consentimiento del párroco del lugar- con sus hábitos y su guitarra, para acercar el altar al terreno de los que no van en su búsqueda.
Conocido como "el cura payador", sube al escenario para trenzarse en contrapunto con algún otro payador invitado, pero en lo mejor de la fiesta arma un altar, anuncia una misa, comulga, confiesa, bendice, predica el Evangelio, y generalmente lo hace mediante el estilo filoso y entrador de los versos rimados.
Los organizadores le pedían que hiciera una bendición y él exigía hacer misa. Empezaron a darle el horario de las diez de la mañana, pero como no había mucho público a esa hora presionó para que se haga antes del almuerzo. Fue ganando terreno y se hizo cada vez más difícil contradecirlo a medida que fue creciendo su fama, por el boca a boca y porque fue creciendo la audiencia de su programa sabatino "Tomando mate", por LT 39, la radioemisora de Victoria. Pero fue aún más lejos, en una próxima doma del 20 de agosto con Lito Pascualini la misa está programada para las 16.00, lo que es mucho decir si tenemos en cuenta que mientras dura la celebración hay que cerrar una cantina muy concurrida donde el calentador de picos está en su apogeo. Pero tiene un gran público que lo sigue y eso facilita mucho las cosas.
El Padre Marcelino ha escrito el Evangelio en verso y lo ha grabado. Sus misas de campaña, en jineteadas, arrancan con cuartetas rimadas cuando alguno de sus colegas invita a la paisanada para que se vaya arrimando al altar improvisado. Gran parte de la ceremonia es cantada y no por eso se aparta de la doctrina. Prueba de ello es que su libro de próxima aparición, que incluye también los Evangelios en versos, fue revisado por el censor eclesiástico Monseñor Angel Riedel, quien le informó al Obispo Mario Maulión que no encuentra en esta obra "nada contrario a la fe y las buenas costumbres cristianas". Y Mons. Maulión autorizó la publicación del libro que aparecerá quizás en el mes de setiembre.
Por supuesto, su presencia entre la paisanada despierta simpatías y recibe elogios frente a los cuales no pierde el equilibrio: "Sería un tonto si creyera que los elogios son para mí. Un santo decía; y yo tomo para mí esa figura; que los sacerdotes somos como el burrito del Domingo de Ramos. Jesús no hubiese entrado a Jerusalén sin el burrito; qué tonto hubiese sido el burrito si hubiese creído que las palmas y los ponchos que arrojaban a sus pies eran para él".
Así lo entiende este hombre sencillo, profundo cuando habla de la fe, sincero cuando aclara que primero es cura y después payador, de risa franca, a quien le cuesta decir que acaban de convocarlo para entregarle un premio por servir a Dios mediante el arte. Este arte que es su don, un don que quiere compartir con la gente. Por ese arte, por su actitud y compromiso con el canto nativo vinculándolo con la fe, recibirá la "Distinción Juan Pablo II", un premio que otorga por octavo año consecutivo Peregrinando Producciones Católicas, que le será entregado en un festival a realizarse próximamente en Cañada Chica (Santa Fe).
Oriundo de María Grande, de un hogar que compartió con otros 7 hermanos de sangre y tres más que sus padres cobijaron. Se ordenó sacerdote el 3 de diciembre de 1992.
Su primer destino fue Villaguay, luego Capellán de los Cascos Azules de la ONU en Chipre y Kuwait; Jefe de Capellanes de todos los institutos militares del país (con sede en Campo de Mayo). Eligió finalmente ser párroco de pueblo y lo fue primero en San Benito, luego en Villa Urquiza y hoy en Seguí, todas localidades del departamento Paraná.
Desde Seguí atiende seis capillas de la jurisdicción y es además Rector del Instituto de Nivel Medio "Padre Enrique Laumann".
Su libro, de próxima aparición, se titulará "Con guitarras, con payadas... también se puede rezar".
Su programa radial se emite los sábados a mediodía por LT 39 de Victoria.

Fuente: Paralelo 32.

SALUDOS

2010-12-27T05:09:00.000-08:00

FELICES FIESTAS para todos los amigos del blog, que la PAZ, el AMOR y la ESPERANZA, sigan latiendo en sus corazones. Un gran abrazo y que el 2011, nos permita seguir comunicàndonos.

Lydia Musachi

Han fusilado a Dorrego

2010-12-13T04:55:00.000-08:00

Revuelo de ponchos rojos

Zamba.Letra: Raúl Trullenque.
Música: Roberto Rimoldi Fraga.

Han fusilado a Dorrego,

la patria está desangrando,

por la ambición del poder

la libertad peligrando.

Revuelo de ponchos rojos

pal'lado e la Guardia 'el Monte,

ya viene don Juan Manuel

trayendo la paz y el orden.

Qué viva el Restaurador,

grita el pueblo y se alboroza.

Viva la Federación

y don Juan Manuel de Rosas.

San Martín le dio su sable,

fundido en la independencia,

como premio a su valor,

su patriotismo y nobleza.

Porque serviles inciensos

nunca quemó para su gloria,

don Juan Manuel ha quedado

sepultado en nuestra historia.

Qué viva el Restaurador,

grita el pueblo y se alboroza.

Viva la Federación

y don Juan Manuel de Rosas.

Se recuerda hoy el aniversario del fusilamiento del Coronel Don Manuel Dorrego, ocurrido el 13 de diciembre de 1828, por orden del Gral. Juan Lavalle.

LOS FESTIVALES DEL 2011

2010-12-08T13:45:00.000-08:00

Grilla tentativas de los Festivales de Enero y Febrero 2011:

FESTIVAL JESUS MARIA 2011

Viernes 7: Jairo, Trío San Javier, Roxana Carabajal, Los Zorzales de mi tierra.

Sábado 8 : Los Kjarkas, Piñón Fijo, Carlos Sánchez, Los del Suquía.

Domingo 9: Luciano Pereyra, Rally Barrionuevo, Mario Alvarez Quiroga.

Lunes 10: Los Tekis, Dúo Coplanacu, Yamila Cafrune, QV4 y Gualicho.

Martes 11: Chaqueño Palavecino, Los 4 de Córdoba, Los Nombradores del Alba, Maité y Murmullos.

Miércoles 12: Abel Pintos, Facundo Toro, Mariana Cayón y Sergio Galleguillo.

Jueves 13: Soledad, Los Huayras, Los Alonsitos y La Copla.

Viernes 14: Nacho Prado y Daniel Campos, Horacio Banegas, Peteco Carabajal, Amboé, La Huella.

Sábado 15: Los Manseros Santiagueños, Néstor Garnica, Los Carabajal, Alma de Luna, Los Cautivos, Los Cantores del Alba.

Domingo 16: Alberto Plaza, Los Guaraníes, 5 Sentidos y Markama

Lunes 17: La potencia, Barra Express, Toro Quevedo, Fernando Bladys, Negro Videla y la gran actuación de LA BARRA.

Las entradas generales van desde los $ 25 hasta los $ 40, hay descuentos para Jubilados y Pensionados y menores de edad.

FESTIVAL DE COSQUÍN 2011

Viernes 21: Franco Luciani, Peteco Carabajal, Orozco-Barrientos, Homenaje a Félix Luna. Sábado 22: Víctor Heredia, Luis Salinas, César Isella, Illapu.

Domingo 23: Los Tekis, Baglietto-Vitale, Roxana Carabajal, Unidos por partida triple (Gieco, Pintos y D-Mente)
Lunes 24: Los Nocheros,Teresa Parodi,Falta y Resto, Opus 4.

Martes 25: Horacio Banegas, Juan Quintero y Luna Monti, Los Guaraníes, El Chaqueño Palavecino.

Miércoles 26: Raly Barrionuevo, Suna Rocha, Juan Falú, Jairo.

Jueves 27: Soledad, Argentino Luna, Pocho Sosa, Sergio Galleguillo.

Viernes 28: Néstor Garnica, Bruno Arias, Raúl Barboza, Luciano Pereyra.

Sábado 29: Jorge Rojas, Alfredo Abalos, Aymama, Los Cuatro de Córdoba.

Domingo 30: Dúo Coplanacu, Los Alonsitos, Ramón Ayala, Carnaval del Norte (Los Nocheros y Los Tekis).

FESTIVAL DE PEÑAS DE VILLA MARÍA

El 44º Festival de Peñas de Villa Maria se llevará a cabo del 18 al 21 de Febrero de 2011. La programación tentativa presentada hasta el momento es la siguiente:
Viernes 18 de Febrero de 2011
Chaqueño Palavecino, Jorge Rojas, El Puma Rodríguez, El Flaco Pailos, Jairo, Soledad Villamil y finalistas del programa televisivo "Talento Argentino".
Sabado 19 de Febrero de 2011
Cacho Castaña, Axel, Soledad, Los Nocheros, Los Jaivas, Cacho Buenaventura, El Negro Alvarez y finalistas de "Talento Argentino.".
Domingo 20 de Febrero de 2011
Ricardo Montaner y Valeria Lynch.
Lunes 21 de Febrero de 2011
La Fiesta, Banda XXI y La Barra.

LIBERTAD LAMARQUE

2010-11-24T04:20:00.000-08:00

La señora Libertad Lamarque nació en Rosario en el 24 de noviembre de 1908 y falleció en México en el año 2000. Fue una gran artista. Se destacó en todo lo que hizo, ya sea en radio, televisión, cine y en los últimos años trabajó en telenovelas. Dueña de una voz privilegiada y de un carisma que la hizo muy popular.Dio sus primeros pasos artísticos en el mundo de la canción consolidándose como una de las voces más representativas del tango en su país, que se hizo popular gracias a sus emisiones radiofónicas. En la década de los treinta, nada más comenzar a grabar sus discos, el mundo del cine la reclamó para protagonizar su primera película. En este momento su nombre se unió al de la empresa Argentina Sono Films, de Angel Mentasti, que la contrató para ¡Tango! (1933), de Luis Moglia Barth. En los años siguientes destacó su colaboración con el director José Agustín Ferreyra, que la dirigió en Ayúdame a vivir (1936), Besos brujos (1937) y La ley que olvidaron (1938), películas todas ellas de la empresa SIDE, con las que se consolidó en el nivel más alto del estrellato latinoamericano.
A lo largo de los años cuarenta, y en el momento de máximo esplendor del cine argentino, Libertad pasó a formar parte del elenco estelar que dominó el mundo del espectáculo en su país. Junto a Zully Moreno y Mirtha Legrand se consolidó como uno de los rostros más populares en Argentina. En esta época participó, entre otras, en películas de Luis César Amadori y en La casa del recuerdo (1940), de Luis Saslavsky, y Yo conocía a esta mujer (1942), de Carlos Borcosque, todas para la productora Argentina Sono Films.
Abandonó su patria debido a conflictos personales que se tradujeron en problemas políticos (la leyenda apunta al enfrentamiento que sostuvo con Eva Duarte –después de Perón- en el rodaje de la película La cabalgata del circo, que la que participaban ambas) y se afincó, tras realizar varias giras, en México, país el que reinició su carrera en melodramas y comedias sentimentales, lo que la convirtió en una actriz que vivió para representar casi siempre al mismo personaje lacrimógeno adornado con un amplio repertorio de canciones. Hoy la recordamos con nostalgia y todo el respeto que se merece.

NUESTRAS TRADICIONES

2010-11-09T19:55:00.000-08:00

¡La tradicional feria de Simoca!

Nacida hace 300 años, esta feria constituye un capítulo aparte dentro de la actividad económica de la región. Los vendedores acuden cada sábado a la feria a ofrecer los mas diversos productos, desde las exquisitas comidas regionales, artesanías, miel de caña, tabletas, pastel de novio, empanadillas, rosquetes, y cigarrillos en chala y hasta artículos importados. Resulta casi imposible enumerar la totalidad de la gran variedad de artículos que se pueden adquirir en este verdadero "Mercado Persa" atascado en el tiempo.
En esta feria que reúne presente y pasado, la tecnología intenta a veces vanamente ganar terreno, pero las costumbres y la idiosincrasia misma de un pueblo que se aferra a esta puerta hacia el pasado, no permite la entrada a "nada ni nadie" que pretenda atentar contra la tradición que se mantuvo en sus 300 años. Este lugar cuenta con 45 ranchos de comidas típicas alineados a lo largo de 400 metros; donde sigue vigente la modalidad de "trocar" productos. Sus fieles vendedores de todos los sábados canjean sus productos ante la mirada azorada de los visitantes que no imaginaron una docena de huevos o un lechón como moneda de cambio en el comercio local.

DE SIMOCA

Zamba

Letra y música: Chango Rodriguez

Carretas cañeras cruzan la laguna,

el grillo a la luna le da su cantar,

y en los valles retumba mi caja:

canta con la zafra todo Tucumán.

La noche en sus ojos, la miel en su boca,

yo traigo la copla del cañaveral;

de la luna que alumbra en Simoca

cuando se le antoja de noche alumbrar.

Estribillo

Yo le hablo a mi rancho, a los cañaverales,

ojalita que ella pudiera escuchar.

Cuando salga la luna en Simoca,

con poquita cosa se han de conformar.

Se van las carretas subiendo el camino

pensando en el ruido de su traquetear;

como el grillo alunao en Simoca

yo canto mi copla del cañaveral.

Amores de zamba cosecha la zafra,

la niña se alhaja para enamorar,

que tan sólo un decir se me antoja:

después de su boca nadita querrá.

Estribillo

Yo le hablo a mi rancho, a los cañaverales,

ojalita que ella pudiera escuchar.

Cuando salga la luna en Simoca,

con poquita cosa se han de conformar.

Homenaje a los Mineros

2010-10-14T05:26:00.000-07:00

Zamba de los Mineros

Pasaré por Gualfín,

me voy pa' Corral Quemao,

a lo de Marcelino Ríos

para corpacharme con vino morao.

Yo soy ese cantor

nacido en el carnaval,

minero de la noche traigo

la estrella de cuarzo del culampajá.

Estribillo

La zamba de los mineros

tiene sólo dos caminos

morir el sueño del oro,

vivir el sueño del vino.

Molino del maray

que muele con tanto afán,

Marcelino pisando el vino,

paredes el oro de culampajá.

Yo no sé, yo no soy,

andoy porque andoy nomás,

cuando a mí me pille la muerte

tan sólo la zamba me recordará.

Letra y Música: Gustavo "Cuchi" Leguizamón

Vayan estos versos del Cuchi Leguizamón para los 33 mineros chilenos y a todos los que participaron en su rescate. Un saludo especial para el rescatista Manuel González que fue el primero que bajó a las profundidades en la cápsula Fenix 2.

Para todo el pueblo chileno, que desde su Presidente y sus ministros, estuvieron a la altura de tan difícil circunstancia.

TITA MERELLO

2010-10-11T05:31:00.000-07:00

Ana Laura Merello
Corría el 1904, Santiago Merelli un vecino de San Telmo de profesión cochero de mateos, a los 30 años registro como su hija a la niña nacida el 11 de Octubre en la calle Defensa 715, Laura Ana. Como una bastarda, en cambio, no hay ningún registro de su madre. Porque?, era menor de edad?, no quería saber nada de esa hija? Cuatro años mas tarde Ana Ganelli, una joven Uruguaya de 23 años reconoció en la misma partida de nacimiento a Laura Ana.
Con el tiempo con los peronistas en el gobierno ella se encargara de rectificar, sus despojos de identidad. Y cambiar el Merelli, por Merello, como bien se la conoce. Se crió en un asilo, y allí conoció el hambre y el MIEDO!
"Yo se lo que es la vergüenza y el miedo. Cuando estaba en el asilo, una noche me desperté con dolor de barriga, y vi con horror que mi bombachita estaba manchada de caca. Siento todavía el frío del piso debajo de mis pies yendo al baño, y mis manos debajo del agua helada, para lavarla y volver a mi cuarto sin que nadie me escuchara ni me viera, además era la única bombacha que tenia"
Si además quieres saber lo que escribía y sus pensamientos Esto es una muestra! No es fácil sintetizar conceptos que muestren a la Merello, sin embargo uno de sus amigos el compositor Cacho Castaña dedica a ella, un poema que se puede escuchar en el CD "Cacho de Buenos Aires"

Tita de Buenos Aires

Te pintaron las cejas

con dos pinceladas de asfalto caliente

y quedo Buenos Aires dibujada en tu frente.

Y esa pena de amor que agrando tus ojeras,

faltando a la cita.

No pudiste borrarla ni con agua bendita.

era escudo y espada tu palabra atrevida,

tu mirada insolente,

cuanto miedo tenias que te dañe la gente

Esa gente que hablaba

y que mal comentaba tu sabiduria.

Ellos nunca supieron lo que tu ya sabias

Tita de Buenos Aires Tita mia,

la de los tangos calientes y las manos tan frias,

la de plegarias al cielo como la Madre Maria

la del mercado de Abasto la del paseo en tranvía

Ese loco coraje de potro salvaje
Te galopa en las venas cuando bailas un tango ,

cuando cantas tus penas

y aunque tires la bronca, me trates de loco.

De nada me quejo tu mirada en silencio

es tambien un consejo.

Te pintaron las cejas

con dos pinceladas de asfalto caliente

y quedo Buenos Aires y su calle Corrientes.

Esa pena de amor que agrando

tus ojeras faltando a la cita,

no pudieron borrarla ni con agua bendita.

Tia de Buenos Aires Tita mia,

la de los tangos calientes y de las manos tan frias,

la de plegarias al cielo como la Madre Maria

la del mercado de Abasto la del paseo en tranvia

Que pocos, que pocos se dieron cuenta

cuanto miedo les tenías.

Cacho Castaña

Gracias Tita y perdón en nombre de todos los que te hicieron mal, por ignorancia, por abandono o por que eran realmente malos. Que Dios te tenga en el lugar donde puedas disfrutar de la luz y el amor que en la tierra se te negaran.

MURIO ARIEL PETROCELLI

2010-09-18T07:04:00.000-07:00

Ayer 17 de setiembre de 2010, en horas de la mañana, dejó de existir un gran artista de nuestro folklore. Dejó el legajo inmenso de sus canciones, las que harán que su arte nunca desaparezca. Su esposa Isamara, sin duda, seguirá haciendo honor a su trabajo por nuestra música. Salta está de luto y toda Argentina, lamenta su desaparición.

PARA IR A BUSCARTE

Para ir a buscarte

He vestido de rojo mi guitarra

He colgado la estrella de mi canto

En el vértice mas sonoro de s u boca.

Tus ojos

Arañan un pedazo de la noche

Yo estoy en la cruz de las vigilias

Comiéndome un pedazo de tu sombra.

Para ir a buscarte

Solté las amarras de mi esperanza

Y el potro de mi corazón salvaje

Al relámpago de tu sangre que me llama.

Tus ojos

Arañan un pedazo de la noche

Yo estoy en la cruz de las vigilias

Comiéndome un pedazo de tu sombra.

Para ir a buscarte

Sol de las amarras de mi esperanza

Y el potro de mi corazón salvaje

Al relámpago de tu sangre que me llama.

AUTORES: Daniel Toro y Ariel Petrocelli

LA TRAGEDIA DE BELLA VISTA

2010-09-11T10:57:00.000-07:00

LA TRAGEDIA DE BELLA VISTA- Corrientes

El 8 de septiembre de 1989 un colectivo que transportaba una delegación de músicos chamameceros convocados para presentarse en el Festival Internacional de Folklore de Niza (Francia) desbarrancó en la localidad de Bella Vista (Corrientes) cayendo al Río Paraná. Zitto Segovia, Joaquín "Gringo" Sheridan, Miguel Ángel "Michel" Sheridan, "El Chango" Paniagua, Daniel "Yacaré" Aguirre y Johny Behr murieron ahogados en las aguas del Río Paraná junto a los dos choferes del micro.
Monumento
El 8 de septiembre siempre será recordado como un día triste para la música popular argentina, en especial para el chamamé. Es que ese día se recuerda "La tragedia de Bella Vista", aquel accidente que terminó con la vida de grandes valores de la renovación del chamamé a fines de la década del '80.Un micro que llevaba a una delegación de chamameceros que estaban por participar de el Festival Internacional de Folklore en Niza (Francia) cayó en las aguas del Río Paraná y allí perecieron seis de estos talentosos músicos. El contingente iba al Club Juventud de Bella Vista a tocar ese 8 de septiembre de 1989, como parte de una gira que incluía una actuación en Formosa al otro día y en Resistencia el día 10.El Profesor Enrique Piñeyro relata en "Chamameceros": "Varios de ellos pudieron salvar sus vidas, otros perecieron en el accidente. Sumaron seis las víctimas entre los músicos y los dos conductores del micro. Ellos fueron: Daniel 'Yacaré' Aguirre, recitador y presentador de conjuntos chamameceros, que iniciaría sus actividades junto a Tránsito Cocomarola. Joaquín 'Gringo' Sheridan, eximio bandoneonista que iniciara junto a Julio Cáceres el grupo 'Los de Imaguaré'. Miguel Angel 'Michel' Sheridan hermano de Joaquín y gran ejecutante de la guitarra y excelente voz. 'Chango' Paniagua, guitarra y voz del conjunto 'Trío Corrientes'. Zito Segovia, cantautor de 'La nueva trova' del Chaco que portaba un estilo renovador y lleno de promesas de un futuro artístico en ascenso. Johny Behr, percusionista de Zito, que aportaba la rítmica precisa para el inédito repertorio de Segovia en sus Chamamés-Candombes y Charandas que exhumara con gran aceptación popular." Recordemos que en enero de ese mismo año, Zito Segovia había sido elegido Consagración en el Festival Mayor de Folklore de Cosquín y estaba en notable ascendencia en su carrera.Continúa narrando Piñeyro: "Gringo y Michel Sheridan se habían unido a otro hermano llamado Santiago Bocha y Ricardo Tito Gómez, integrando un nuevo conjunto denominado 'Reencuentro' que estaba gozando del aplauso y dejaron algunos trabajaos discográficos de real valía. Con un repertorio muy personal y con ensambles instrumentales y creativos, propios de los arreglos del Gringo y de Tito, que en las voces de Michel y 'Bocha' cobraron resonante éxito. Leonidas Chango Paniagua, estaba en el 'Trío Corrientes' con Ricardo Scófano y Oscar Cacho Espíndola estos dos últimos salvaron milagrosamente su vidas de las torrentosas aguas. Zito y Johni se encontraron sorpresivamente con un destino que truncó los proyectos de un enorme talento musical puesto al servicio de la música popular de nuestra región." y concluye: "Todos han dejado, como una herencia y testimonio de su vocación chamamecera, sus grabaciones en placas discográficas, que son la evidencia de que fueron músicos notables, únicos e irremplazables."Por eso cada 8 de septiembre los chamameceros, amigos y familiares de las víctimas arrojan flores al río. El 8 de septiembre de 2010, a 21 años de la tragedia, se realizó un homenaje a orillas del Paraná, en la zona portuaria de Bella Vista. En el mismo actuó la Orquesta Folklórica de la provincia, junto a otros artistas. Para la oportunidad, la Folklórica eligió un repertorio de temas de Reencuentro y del inolvidable Zitto.De esta manera se seguirá recordando y homenajeando a estos músicos que en ese río tan típico de la región encontraron un final inesperado.

Fuentes consultadas:-

"Chamameceros" Prof. Enrique Piñeyro-

Corrienteschamame.com.ar

CARLOS TORRES VILA

2010-08-03T14:18:00.000-07:00

CARLOS TORRES VILA

Carlos Torres Vila , nacido en Los Toldos, Pcia de Buenos Aires el 9 de noviembre de 1946 y fallecido en Buenos Aires el 16 de julio de 2010, fue un cantante folklórico argentino.Fue revelación en el festival de Baradero en el año 1969 y del festival de Cosquín en 1970.Uno de los primeros solistas en introducir el denominado "folklore romántico"; mezcla de música tradicional argentina y canciones melódicas.Bajo esta vertiente batió varios records de venta en los años ´70 con sus grabaciones.
Se considera que Torres Vila fue uno de los primeros en fusionar el folklore con la balada romántica, para dar como resultado un género/estilo del que abrevaron numerosos artistas desde la década del '70 en adelante. Carlos Torres Vila tuvo su primer reconocimiento nacional a partir del festival de Baradero de 1969, y se consagró en el festival de Cosquín un año más tarde.Debido a su delicado estado de salud, algunos medios anunciaron su muerte en enero pasado, que el propio músico debió salir a desmentir haciendo uso de su buen humor.
Sus restos fueron cremados y llevados por su esposa e hijos a la ciudad de Los Toldos, porque así fue su última voluntad. Los artistas populares nunca mueren, quedan para siempre en su obra. Que descanse en Paz.

QUÉ PASA ENTRE LOS DOS

No puedo comprender
que pasa entre los dos
si tanto me has querido,
si estando junto a mi
parece que no estás
y buscas el olvido.
Si hay otro entre los dos
defenderé mi amor
como un león herido
si en algo te ofendí
no quiero tu rencor
no quiero tu perdón
devuélveme el sentido.
Estribillo
¿Qué es lo que pasa
que nos estamos alejando tanto?
que cada vez nos comprendemos menos
que cada día que termina
es un fracaso amor, amor (Bis)

Misionerita

2010-07-30T21:39:00.001-07:00

Canción oficial de la Provincia de Misiones

Misionerita

Galopa Misionera

Letra de Lucas Braulio Areco

Bajo un hermoso y dulce cielo guaraní,

reluce eterna la aurora feliz,

en la esmeralda de tu selva como el mar,

hay cien caminos de mágico rubí.

Bajan las aguas del gran Río elemental,

sobre tu flanco, maduro el sol,

carne vibrante el corazón de la espesura

es un misterio impenetrable,en la noche azul.

Estribillo en tono Mayor

Misionerita, un corazón canta

endecha tierna de rendido amor,

en el homenaje a tu heroica tierra

deja el acento de mi corazón;

tiembla en el pecho de tu voz el canto,

con voz de guitarra, la dulce ilusión,

es hechizo que regalas a los vientos

que te arrullan con ternura,en tu esplendor.

20 de Junio- DIA DE LA BANDERA ARGENTINA

2010-06-19T10:23:00.000-07:00

ORACION A LA BANDERA

Bandera de la Patria celeste y blanca

símbolo de la unión y de la fuerza

con que nuestros padres nos dieron

Independencia y Libertad.

Guia de la victoria y de la guerra

y del trabajo y de la cultura de la paz.

Vínculo sagrado e indisoluble

entre las generaciones pasadas,

presentes y futuras.

Juremos defenderla hasta morir

antes de verla humillada.

Que flote con honor y gloria

al frente de nuestras fortalezas

ejércitos y buques en todo tiempo

y lugar de la tierra

a donde ellos la condujeran.

Que a su sombra la Nación Argentina

acreciente su grandeza por siglos y siglos,

y sea para todos los hombres

mensajera de libertad,

simbolo de civilización

y garantía de justicia.

MI BANDERA

Aquí está la bandera idolatrada,

la enseña que Belgrano nos legó,

cuando triste la patria esclavizada

con valor sus vínculos rompió.
Aquí está la bandera esplendorosa

que al mundo con sus triunfos admiró,

cuando altiva en la lucha y victoriosa

la cima de los Andes escaló.
Aquí está la bandera que un día

en la batalla tremoló triunfal y,

llena de orgullo y bizarría,

a San Lorenzo se dirigió inmortal.
Aquí está, como el cielo refulgente,

ostentando sublime majestad,

después de haber cruzado el continente,

exclamando a su paso: ¡Libertad!

¡Libertad! ¡Libertad!

Letra: Juan Chassaing

Música: Juan Imbroisi

2010-06-11T16:56:00.000-07:00

En su libro “Mis vivencias con el Chamamé” nos dice lo siguiente:
“Ya por 1957 el joven acordeonista Eduardo Miño, nativo de Mercedes, Corrientes, me solicitó escribiera una letra en honor del Gauchito Gil y fue así que traté de informarme sobre este tema, intercambiando charlas con Heraclio Pérez, Valerio Duarte, y otros, y recurrí a colaboradores de las revistas regionales de la época. Pero fue muy poco lo que pude agregar a lo ya narrado por Eduardo Miño, igual pude darle forma uno de mis versos en décimas, que eran mas bien para recitar que para ser cantado y los dejé en manos de Eduardo Miño, quien perdió el original y quedó sin complementarse el tema.Oh…sorpresa, éste suceso fue cobrando cuerpo día a día, y se agrandó totalmente la fama del Gauchito. Y llegado uno de los festivales del folklore correntino de Santo Tomé, que se inició en 1964, creo que por 1976 fue presentado un cuadro regional debido a la idea de la prestigiosa escritora correntina y mercedeña Hicha Pais, con la colaboración muy oportuna del hoy famoso sacerdote Julián Zini, donde también aportaron dos buenos temas dedicados a este buen personaje, uno con versos de Hicha Pais con música de Roberto Galarza y el otro del propio Julián Zini. Siendo esto un marcado hito autoral a favor del folklore correntino volcado en este importante evento santotomeño. No obstante haberse malogrado el comentado tema, solicitado por Eduardo Miño, y haber proliferado una serie de temas dedicados al Gauchito, por pedido especial del malogrado guitarrista y cantor Mario Mereles, quien conocía los versos perdidos por Eduardo Miño, reconstruí dicha letra que él musicalizara y que por fortuna nos dejara grabada recientemente , la cual transcribimos como aporte y genuina vivencia del chamamé de esto que pareciera leyenda, pero es realidad.”

La Historia del Gauchito Gil
(Chamamé canción)

Letra: Polito Castillo

Música: Mario Mereles

“Gaucho Antonio Gil, gente imá güaré,

Sin saber porqué en una ocasión

La partida cruel se ensañó con vos.

Y al ejecutor, sentenciaste así:

Cuando regreses te habrás de encontrar

Con tu hijo mal, casi por morir

Deberás traer, se le oyó decir,

Hasta aquí una cruz, y lo harás a pie.

Si es así que fue, que el hombre cumplió,

Su hijo sanó por su mediación.

Por el Gaucho Gil que lo perdonó

Y a Jesús pidió por su sanación.

Pero dicen que al tiempo el patrón

de esas tierras fue que un día ordenó

Retirar la cruz que allí se plantó,

Y grave enfermó hasta enloquecer.

En Mercedes fue, sepultura dio,

Pero en vano ité debió retornar

Todo con la Cruz al viejo lugar

Y el hombre sanó para siempre ya.

La tierra donó para el Gauchito Gil

Y hoy banderas mil de un mismo color

Allí han de flamear con los tataindí

Que alumbran la Fe de su Devoción.”

Extractado del libro: Mis vivencias con el Chamamé"

Ediciones del Reino Guaraní Abril de 2009

DON ANDRES CHAZARRETA

2010-05-28T21:10:00.000-07:00

Nació en Santiago del Estero el 29 de Mayo de 1876.Se graduó de Maestro Normal en 1896, desempeñando diversos cargo en la docencia y en la administración Pública provincial. Estudió música ejecutando diversos instrumentos, entre ellos, guitarra, mandolín, violín, piano y bandurria. Desde 1901 se dedicó a la enseñanza de la guitarra y mandolín, dando varias generaciones de buenos e ilustres discípulos.En el año 1906, con la Zamba de Vargas inicia su labor de recopilación la que se prolongó durante mas de Cincuenta años.-En 1911 formó su primer Conjunto de Arte Nativo con el que recorrió todo el país hasta el año 1936, acompañado de sus bailarines, cantores y músicos que hicieron conocer por primera vez las danzas regionales, consagrándose en la Capital Federal en el Teatro Politeama en 1921. El 10 de Abril de 1941 fundó en la Capital Federal el Instituto de Folklore que llevó su nombre y llegó a tener 72 Sucursales en todo el país. Ha publicado once álbumes de música nativa para piano y dos para guitarra, alcanzando el total de sus composiciones a la cifra de 395 obras, entre recopilaciones y creaciones.

Comentario de Cucho Marquez sobre la Zamba de Vargas:
El enfrentamiento fratricida de Pozo de Vargas entre las tropas riojanas del coronel Felipe Varela y las santiagueñas al mando del general Manuel Taboada -una guerra entre hermanos por apodarse de algo tan vital como es el agua- ha sido contado y cantado repetidas veces por el folklore. Ya en 1906, don Andrés Chazarreta publicaba la primera versión de esta zamba inmortal, con letra de Domingo Lombardi, que Los Chalchaleros, entre otros grupos y solistas, contribuyeron a hacerla tan popular. En esta ocasión comentamos otra versión de Chazarreta y Peralta Luna con el mismo título, inmortalizada por otro gran maestro del folklore, Don Ariel Ramírez, quien en 1966 se volvió a reunir con Eduardo Falú y Los Fronterizos (Madeo, López, Moreno y Quedada), para grabar el segundo album de CORONACION DEL FOLKLORE, del que hemos extraído esta bella versión, que todos los amantes del folklore deberían tener en su discoteca.

ZAMBA DE VARGAS 2

- Zamba
Letra: Bartolomé Peralta Luna

Música: Andrés Chazarreta

¡A la carga, a la carga!

-dijo Varela.

¡A la carga, artilleros, zambita,

rompan trincheras!
Rompan trincheras, cierto

-dijo Elizondo.

Vean allá a un lagunero,

zambita, de los del fondo.
¡A la carga, a la carga!

-dijo Taboada.

Si esta guerra no gano,

zambita, no cargo espada.
¡A la carga , a la carga!

-dijo Chumbita.

Las ansias de quererte,

zambita, no se me quitan.

ATAHUALPA YUPANQUI

2010-05-23T16:36:00.000-07:00

CAMINITO DEL INDIO

Caminito del indio,

sendero coya

sembrado de piedras.

Caminito del indio

que junta el valle

con las estrellas.

Caminito que anduvo

de sur a norte mi raza vieja

antes que en la montaña

la Pachamama

se ensombreciera.

Cantando en el cerro

llorando en el río,

se agranda en la noche

la pena del indio.

El sol y la luna

y este canto mío

besaron sus piedras,

camino del indio.

En la noche serrana

llora la quena

su honda nostalgia.

Y el camino sabe

cuál es la coya

que el indio llama.

Se levanta en la noche

la voz doliente

de la baguala.

Y el camino lamenta

ser el culpable de la distancia.

Atahualpa Yupanqui

ANDRESITO

2010-05-12T19:44:00.000-07:00

ANDRESITO

Letra de Julián Zini y
música de Mario Bofill

Introducción

Para la historia oficial
fuiste siempre un bandolero,
General improvisado
de un ejército harapiento;
profanador de costumbres,
de apellidos y abolengos;
usurpador de la tierra,
vengador de tus abuelos...
Para nosotros, en cambio,

tu nombre seguirá siendo

la sagrada rebeldía

de una dignidad sin precio,

que se aguanta la pobreza

y sobrevive al saqueo...

Hijo fiel de tus mayores,

peleando por tus derechos...!

II - Parte

Aquí donde no hace mucho

vivíamos compartiendo

la comida y la plegaria,

la música y el festejo...

ahora estamos enfrentados

entre hermanos, casi en cueros;

una vez más invadidos

y apenas sobreviviendo...

General Guacurarí,

que llegás montado en pelo,

tu sombra pasa y nos libra

de las coyundas del miedo...

Con sólo decir tu nombre

vuelve a soñar nuestro pueblo,

resucita la esperanza

y nos juntamos de nuevo...!

Estribillo

Che Comandante Andresito,

montonero guaraní,

según sea el invasor,

sos aguará o jabalí...

Sos tábano bajo el sol

y a la sombra, mbariguí...

Centinela de la Patria,

de Iguazú a Mandisoví!

Sos la memoria viviente

de Oberá y Mbororé...

que lo diga el español,

que lo diga el portugués...¡

Sos Dignidad, sos Justicia,

sos Patria Grande de pie!

Una vez más, por nosotros:

¡volvé,Andresito, volvé!

Recitado

¡Pueblos libres! ¡Pueblos libres!

Se oye el grito y se oye el eco

que desciende por los ríos

y va trepando los cerros...

Y ese grito libertario,

como una bandera al viento,

va delante de Andresito

y está en la boca del pueblo...!

II - parte

De San Borja a Porto Alegre,

maniatado en cuero fresco,

te llevaron caminando

como antaño a tus abuelos...

Te engrillaron los tobillos,

pero no tu viejo sueño

que, según se rumorea,

logró escapar y anda suelto...!

Paisano de San Martín,

hijo de Artigas sabemos

que tu lanza montonera

marca el rumbo verdadero...

Y en las fronteras del alma,

junto al río de los sueños,

tu sombra sigue de guardia

igual que un tigre en acecho...!

PACHO O'DONNELL y ANTONIO TARRAGÓ ROS

2010-05-12T19:33:00.000-07:00

El domingo 9 de Mayo de este 2010, se presentó en el Teatro “Juan de Vera” a partir de las 21 con este revisionismo histórico en pleno festejo del Bicentenario de la Patria, una obra con textos de Pacho O´Donnell y música de Antonio Tarragó Ros.Los temas que recorre van desde las pasiones entre hombre y mujer, como por ejemplo el de Rosas y Encarnación Ezcurra, el de Pancho Ramírez y la Delfina, el de Camila O’Gorman y Uladislao Gutiérrez; y de otro tipo de pasiones como la del Che por la revolución social, la de Evita por los humildes o Bairoletto por la justicia. A las inspiradas líricas de O’Donnell se le suma la impecable música de Tarragó Ros, que se pasea por ritmos folklóricos argentinos, dando como resultado un trabajo sólido, intimista y con un gran valor histórico para nuestra cultura. Los temas de PASIONES (en la historia argentina), cantados por Tarragó Ros y acompañados por su banda, están entrelazados por el relato claro y pausado de Pacho O’Donnell.Pacho O’Donnell, escritor, historiador y dramaturgo argentino, y Antonio Tarragó Ros, autor, compositor y músico fundamental de nuestro folklore, se han unido para realizar esta obra esencial que pone de manifiesto que las grandes pasiones argentinas siguen conmoviendo y emocionando como a sus propios protagonistas.
PASIONES es:“Camila y Uladislao”, “La Difunta Correa y su niño”, “Facundo Quiroga y el Moro”, “Mariano Moreno y Guadalupe”, “Pancho Ramírez y La Delfina”, “Evita y los cabecitas negras”, “El Che y la revolución”, “San M artín y Merceditas”, “Rosas y Encarnación” y “Bairoletto y la justicia”."A las inspiradas líricas de O’Donnell se le suma la impecable música folklórica de Tarragó Ros, dando como resultado un trabajo sólido, intimista y con un gran valor histórico para nuestra cultura.”

HOMENAJE AL CABALLO EN EL DIA DEL ANIMAL

2010-04-29T16:46:00.000-07:00

EL CUIDADO DEL CABALLO
(Por Juan Manuel de Rosas)
Debe haber el más delicado y puntual esmero en que el que trabaje en un caballo no lo maltrate, y que lo mude antes de que se ponga pesado. No hay cosa más mala que rematar o cansar un caballo. De ello resultan las muertes y consiguiente menoscabo. El caballo cansado, si no muere queda ya lisiado, y a poco trabajo que haga, se enferma y se cansa, Esto mismo debe tenerse presente cuando se mande algún chasque, para hacerle mil encargos con el fin de que camine de modo que no se canse el caballo al trote y al galope, más trote que galope.Caballos delgadosEs muy necesario tener caballos delgados para andar, es decir, que ni para recoger ni para nada debe ensillarse un caballo potente de gordo; porque el trabajar en un caballo no es más que para mañerearlo y acobardarlo. Cuando la caballada está muy gorda se acorrala a fin de que se adelgace, y cuando uno quiere tener algunos caballos delgados se tienen a soga.Caballos del patrónDebe atenderse que el que los cuide de cuenta por la mañana y a la noche de estar todos, o no. Debe decir : están todos los caballos, veinticinco en la tropilla y dos yeguas, veintisiete; dos atados a la soga, veintinueve, y dos yegüitas de cría, treinta y uno. El método es pararles rodeo por la mañana y sacar con el freno un caballo. Al entrar a tomarlo, no irá como ánima despacito, sino de golpe y lijero; y al tomarlo agarrará por donde lo encuentre primero, ya sea de la cola, y del lado de montar, ya del enlazar, ya de una mano o ya de una pata. Para que pare no les gritará, sólo les hará lli…lli…llito. Lo sacará fuera del rodeo, enfrenado y le dará la" mano", si a las tres voces de decirle, no la entrega, le jugará en ella con el cuchillo. Entregada la mano, le cortará el vaso, si es que tiene algo que recortar; esto mismo hará en elas patas de atrás. Enseguida verá si tiene el vaso malo, y si lo tiene, lo compondrá. Los hormigueros no lo agujereará con cuchillo, sino con la punta de un asador.Caballos punterosY que se cortan solos en las manadas. Deben los capataces cuidar de observarlos al recorrer dichas manadas, y lo que se hace es acollarar a los porfiados con las yeguas más seguras, a fin de que de este modo anden las manadas juntas y no una por un lado y otras por el otro.Caballos patriosSi algunos de éstos cayesen a las estancias, y se ve que indudablemente son patrios, en este caso se echarán a la cría, y en ella estarán sin tocarse, hasta que se presente algún soldado o algún oficial pidiendo auxilio; en cuyo caso se le dará de los patrios, pero sin decirle que es patrio el caballo que se le da.(Extraído de J.M. de Rosas - Instrucciones a los mayordomos de estancias) EL CABALLO CRIOLLOEntre las novedades que trajeron los conquistadores a nuestro continente estaba el caballo.Andaluces de pura cepa, descendientes de la brava raza berberisca, los primeros especímenes llegaron a América el 24 de noviembre de 1493 y desembarcaron en la Isla la Española (hoy Haití) en el segundo viaje de Cristóbal Colón.En febrero de 1516, dieciséis de estos animales demostraron que su presencia sería esencial para la conquista. Hernán Cortés y sus hombres cruzaron de La Habana a México y, a pesar de ser inferiores en número, vencieron a las huestes del Imperio Azteca que huyeron aterradas al vislumbrar hombres unidos a sus cabalgaduras como un solo y desconocido ser. Pero no todos los caballos vivieron para ser homenajeados: algunos murieron en las batallas, y los indios, luego de descuartizarlos, ofrecieron las herraduras a los dioses.En el Río de la Plata también hubo bajas. De los 76 caballos que llegaron en 1536 con la expedición de Pedro de Mendoza para la primera fundación de Buenos Aires, algunos tuvieron que ser devorados por los propios españoles que morían de hambre y el resto librados a su suerte cuando la expedición abandonaba el asentamiento. Y fue este último grupo el que conquistó los amplios horizontes pampeanos.Tiempo más tarde, a estos animales y su descendencia, se les sumaron los venidos con las corrientes colonizadoras desde Asunción, Perú y Chile. En pocos años, miles de caballos salvajes coparon las llanuras Argentinas. Manadas que superaban los 2000 ejemplares cruzaban como un estampido la Pampa y el temblor del suelo que provocaban sus cascos se sentía kilómetros a la redonda. Muchas veces tropillas mansas que estaban siendo arreadas por criollos se les unían y desaparecían para siempre en la inmensidad a pesar del esfuerzo de sus dueños por retenerlas.En la colina, los extranjeros acostumbrados al hecho de que en sus pagos tener un caballo era todo un lujo veían azorados como hasta los mendigos de la Gran Aldea andaban montados.El Caballo Criollo fue el acompañante incondicional de nuestros soldados, en las batallas por la Independencia de nuestra patria, la que no hubiera sido posible sin la indispensable participación de estos valientes animales.En 1902, Juan Zorrilla de San Martín hace esta emocionada declaración al referirse al heroico cruce de los Treinta y Tres Orientales: “Al encontrarse los Treinta y Tres en las playas de la agraciada con sus caballos, se abrazaron al pescuezo de los animales besándolos como si fueran sus queridas. ¡Oh! y lo eran, señores; eran mucho más que eso, los generosos animales tenían que ser una parte integrante de aquellos hombres porque ellos eran los centauros de la patria, que debían dominar como señores la extensión de nuestras sagradas colinas; porque ellos eran la libertad americana, la libertad a caballo”.

Fuente: Emilio Solanet. Héroes - Los Caballos de la Conquista de AméricaFuente: http://www.lagazeta.com.ar/

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Jacinto Piedra

2010-04-05T21:31:00.000-07:00

Jacinto Piedra

Ricardo Manuel Gómez Oroná nació en Santiago del Estero el 25 de septiembre de 1955. Como buen santiagueño cantó y bailó desde muy chico. Su padre don Manuel fue un destacado bailarín. A los 7 años Jacinto debutó como cantante en el viejo Club Belgrano. Durante un tiempo anduvo actuando por peñas y festivales como “Ricardito el niño cantor”.
Mas tarde la familia viaja a Bs. As. a radicarse. Fue allí donde empieza a abrirse camino en el ambiente musical. Ya en su juventud, Cuti Carabajal lo relaciona con Horacio Guarany, su ídolo de toda la vida, quien lo bautiza “Jacinto Piedra” y le posibilita la primera grabación como solista. El álbum se titula “El incendio del poniente”. Se edita en el sello CBS, con temas propios (algunos con Adolfo Marino Ponti) y de Peteco Carabajal.
Con un breve paso por Bolivia y Perú, Jacinto aparece en el ambiente artístico santiagueño bajo la tutela de Cuti que lo presenta en el Festival de la Chacarera en el año 1983 realizado en el Hipódromo, sobre la margen derecha del río Dulce. Posteriormente es invitado por don Sixto Palavecino para participar en la grabación del L.P. “Por qué, por quien”. Jacinto grabó el aire de chacarera “Te voy a contar un sueño”, tema que alcanzo gran difusión y define a nivel popular su particular visión por la poesía y el canto. Por esa época, su relación con León Gieco le permite actuar con el grupo del santafecino en varias ciudades argentinas.
En el 85 el “Chango” Farias Gómez lo convoca a formar parte del grupo M.P.A. (Músicos Populares Argentinos) junto a Verónica Condomí; Peteco Carabajal y el “Mono” Izaurralde. M.P.A. grabo 2 discos “Nadie mas que nadie” en el 85 y “Antes que cante el gallo” en el 87.
Desvinculados de M.P.A. Jacinto y Peteco forman “Santiagueños” que acercó a la juventud de gran parte del país a las expresiones folklóricas. El disco “Transmisión Huaucke” aun sigue vigente y recientemente fue editado en CD, lo que confirma su trascendencia tanto artística como comercial.
Disuelto el grupo, Jacinto continuo su carrera solo o acompañado por el grupo “Kausay” , también con Tucho Ruffa y el grupo “La Calle”.
En los últimos tiempos participa activamente junto al payador Lázaro Moreno en la campaña política del M.O.P. (Movimiento de Opinión Provincial).
En la madrugada del 25 de Octubre de 1991 fallece en un accidente, en las cercanías de San Carlos (dpto. La Banda), a los 36 años.
Sus temas mas conocidos: “Hermano Kakuy” (con letra de Juan Carlos Carabajal), “Te voy a contar un sueño”. “Canción del quenero”, “Los niños del mundo” y particularmente la ultima “Chacarera del amor”, inmortalizan un estilo propio e inconfundible.
Fuente: http://ar.geocities.com/argentinamisteriosa/manka.htm

HERMANO KAKUY
(Chacarera)
Letra: J. C. Carabajal
Música: Jacinto Piedra

Cuenta la gente
allá en mi pago

lo sucedido

entre dos hermanos.

Cuando él volvía
de la jornada
agua y comida
jamás encontraba.

Cansado un día
de soportarla
la llevó al monte
para castigarla.

Estribillo

Con triste grito
llama a su hermano
Kakuy se llama
y vive penando.

Sobre de un árbol

élla esperaba

mientras el mozo

de allí se alejaba.

A sus reclamos

los llevó el viento

y en su garganta

quejumbre y lamento.

De esta leyenda

no hay que olvidarse

que los hermanos

no dejen de amarse.

Estribillo

Con triste grito

llama a su hermano

Kakuy se llama

y vive llorando.

USURPACIÓN DE LAS ISLAS MALVINAS

2010-04-01T21:49:00.000-07:00

Usurpación de las Islas Malvinas

El 6 de noviembre de 1820 David Jewett, comandante de la “Heroína”, tomó posesión de las Islas Malvinas en nombre del gobierno de las Provincias Unidas de Sudamérica, y puso el hecho en conocimiento público mediante una circular. Disuelta la unidad nacional, la provincia de Buenos Aires otorgó en 1823 a Jorge Pacheco el usufructo de la isla Soledad o Malvina del Este. El mismo año designó al capitán de milicias Pablo Areguatí comandante de las islas. En 1828 concedió a Luis Vernet –que había sido el promotor de estas gestiones y era socio de Pacheco- “todos los terrenos que en la isla de la Soledad resultaren vacos”, con ciertas excepciones y bajo el compromiso de establecer allí una colonia que gozaría del derecho de pesca en todo el archipiélago. Y el 10 de junio de 1829, por último, el gobierno de Buenos Aires, presidido entonces por Martín Rodríguez, expedía el decreto disponiendo que “las islas Malvinas, serán regidas por un comandante político y militar”, el cual debía residir en la isla de la Soledad y cuidar en esas costas “la ejecución de los reglamentos sobre pesca de anfibios”. Los fundamentos de este decreto expresaban que España había tenido la posesión material de esas islas, “Hallándose justificada aquella posesión por el derecho de primer ocupante, por el consentimiento de las principales potencias marítimas de Europa, y por la adyacencia de estas islas al continente que formaba el virreinato de Buenos Aires, de cuyo gobierno dependían. Por esta razón, habiendo entrado el gobierno de la República en la sucesión de todos los derechos que tenía sobre estas provincias la antigua metrópoli, y de que gozaban sus virreyes, ha seguido ejerciendo actos de dominio en dichas islas, sus puertos y costas”.Entretanto, la empresa dirigida por Luis Vernet, nombrado gobernador el mismo día, había iniciado la colonización de las Malvinas. Varias expediciones llegaron al archipiélago hasta que Vernet se instaló allí en julio de 1829 y –no sin superar enormes dificultades- logró asentar una población de un centenar de personas.No hemos de detenernos en recordar el desarrollo y las vicisitudes del establecimiento formado por Vernet con autorización del gobierno argentino. Nos interesa más especialmente destacar el proceso que condujo a la usurpación inglesa.Al conocer el decreto del 10 de junio de 1829, el encargado de negocios de Gran Bretaña, Woodbine Parish, lo comunicó a su gobierno recordando los antecedentes del asunto y los títulos que a su juicio tenía Inglaterra. A los pocos meses, debidamente autorizado, presentó al ministro de Negocios Extranjeros Tomás Guido una nota en la cual sostenía “los derechos de soberanía de S. M. B. sobre las islas. Estos derechos –continuaba diciendo la nota- fundados en el primer descubrimiento y subsiguiente ocupación de dichas islas, fueron sancionados por la restauración del establecimiento británico por S. M. C. en el año 1771…. El retiro de las fuerzas de S. M. en el año 1774 no puede considerarse como una renuncia a los justos derechos de S. M.”.La nota concluía protestando formalmente contra las pretensiones argentinas y contra todo acto que perjudicara los “derechos de Soberanía que hasta ahora ha ejercitado la corona de Gran Bretaña”. Pero lo que esa nota calla cuidadosamente es la ocupación simultánea hasta 1774 y exclusiva de España desde entonces, los tratados de 1670 en adelante, y sobre todo el convenio de 1790 que cerró las costas del Atlántico sud a toda instalación inglesa. L anota de Parish –elaborada en Londres- vale más por lo que no dice que por su contenido expreso, y debe juzgarse más por esa ocultación deliberada de circunstancias y de razones que por su osadía manifiesta en pretender una soberanía sin título alguno y una posesión carente de efectividad.Sostener que Inglaterra había ejercido “hasta ahora” esos derechos, después de 55 años de abandono y de silencio, era una adulteración tan manifiesta de la verdad que sólo podía considerarse una burda ironía, apoyada en la fuerza del imperio más poderoso del mundo en aquel entonces.Pero debe recordarse que pocos años antes de esa protesta, el 2 de febrero de 1825, Inglaterra había firmado con la Argentina el tratado de amistad y comercio mediante el cual reconoció la independencia de la nueva nación y, naturalmente, la existencia de un ámbito territorial propio de ella. Dentro de ese territorio estaban las Malvinas, de las cuales había tomado posesión en 1820, y ejercido otros actos de soberanía incluyendo el nombramiento y la instalación de autoridades.La nota de Parish fue contestada de inmediato por el ministro Guido prometiendo estudiar la reclamación. Pero el gobierno argentino, urgido por otros asuntos, no alcanzó a responder ni Parish insistió en conseguir una respuesta que iba a ser necesariamente negativa, puesto que los hechos señalaban la inequívoca voluntad de mantener la colonia ya fundada por Vernet.El gobernador de las Malvinas, en efecto, seguía ejerciendo su cargo y haciendo progresar el establecimiento de Puerto Soledad: Cansado de ver que los balleneros destruían los recursos naturales de las islas, y dispuesto a imponer su autoridad, en agosto de 1831 arrestó a tres buques norteamericanos. En uno de ellos, el “Harriet”, volvió a Buenos Aires para someterlo al tribunal de presas. Intervino entonces el cónsul de los Estados Unidos, George W. Slacum, quien desconoció el derecho argentino a reglamentar la pesca en las Malvinas y logró convencer al comandante de la corbeta “Lexington” que debía defender con energía los intereses de los pescadores de su nación. Ese barco, al mando de Silas Duncan, se dirigió inmediatamente a Puerto Soledad, a donde llegó el 28 de diciembre de 1831 enarbolando bandera francesa. Sólo después de anclar levantó su propio pabellón, e inmediatamente Duncan se dedicó a destruir cuantos bienes existían en el establecimiento, trayendo presos a los principales pobladores. Este acto de piratería, sin justificativo alguno y llevado a cabo de la manera más violenta y abusiva, provocó la protesta y las reclamaciones del gobierno argentino. Los Estados Unidos, sin embargo, no quisieron reconocer su error. Y aunque esas protestas fueron renovadas en 1841 y en 1884, nunca se dieron las debidas satisfacciones ni la indemnización correspondiente a los daños ocasionados. No puede dejarse de recordar, con relación a este episodio, que si bien el gobierno norteamericano no quiso admitir los argumentos argentinos, la Corte Federal de Massachusetts resolvió que los actos de Silas Duncan eran ilegítimos. En un litigio en el cual se había invocado el incidente de la “Lexington”, esa corte resolvió “that such officer had no right, without express direction from his Government, to enter the territoriality of a country in peace with the United States and seize property found there, claimed by citizens of the United States”. Las Malvinas volvieron entonces a adquirir notoriedad internacional. Ya hacía tres años que el gobierno inglés les dedicaba una creciente atención, estimulada por los informes de Parish y por quienes sostenían la necesidad de contar con un puerto de escala en la ruta a Australia, cuya colonización estaba entonces en pleno desarrollo. Pero el gabinete británico no se animaba a tomar una decisión sin fundamento, y se limitó a presentar la nota de Parish. Sin embargo, este último llegó de regreso a Londres a principios de 1832, con la noticia del atropello norteamericano y de que ya no existían autoridades argentinas en las islas. Estas razones, y tal vez la creencia de que los Estados Unidos podrían intentar su ocupación, decidieron el envío de una pequeña flotilla.El capitán John James Onslow, al mando de la corbeta “Clío”, recibió instrucciones de dirigirse a Port Egmont y de restablecer allí el fuerte abandonado en 1774. En caso de encontrar fuerzas extranjeras inferiores a las suyas debía desalojarlas, empleando la violencia en caso necesario. Pero si esas fuerzas eran superiores, se limitaría a presentar una protesta que contenía también una amenaza. Onslow no se ajustó a esas instrucciones, o bien recibió otras que las contradecían y que permanecieron en secreto. A fines de diciembre de 1832 llegó a Port Egmont, e inmediatamente, siguió rumbo a Puerto Soledad, anclando allí el 2 de enero del siguiente año. En el lugar estaba la goleta “Sarandí” a las órdenes de José María Pinedo, a quien Onslow hizo saber que estaba encargado de afirmar los derechos soberanos de Inglaterra. Al día siguiente la bandera argentina era entregada a bordo de la “Sarandí” por un oficial inglés, y poco después Pinedo –ante la superioridad de las fuerzas británicas- dejaba Puerto Soledad. La “Clío” sólo quedó unos pocos días en las Malvinas, y dejó a su población en el mayor desamparo y anarquía. Pero un año después, el 9 de enero de 1834, el “Challenger” traía al primer gobernador inglés, Henry Smith, que iniciaba así la ocupación de las islas usurpadas.

FUENTE: http://www.revisionistas.com.ar/

MARCHA DE LAS MALVINAS

¡Tras su manto de neblinas,

no las hemos de olvidar!

"¡Las Malvinas, argentinas!

" clama el viento y ruge el mar.

Ni de aquellos horizontes

Nuestra enseña han de arrancar,

pués su blanco está en los montes

Y en su azul se tiñe el mar.

Por ausente, por vencido

bajo extraño pabellón,

ningún suelo más querido

de la Patria en la extensión.

¿Quién nos habla aquí de olvido,

de renuncia, de perdón?

¡Ningún suelo más querido

de la Patria en la extensión!

¡Rompa el manto de neblinas,

como un sol, nuestro ideal;

"Las Malvinas, argentinas

en dominio ya inmortal"!

Y ante el sol de nuestro emblema.

Pura, nítida y triunfal,

brille, ¡oh Patria!, en tu diadema

la perdida perla austral.

Coro

¡Para honor de nuestro emblema,

para orgullo nacional,

brille, ¡oh patria!,

en tu diadema

la perdida perla austral!

Letra: Carlos Obligado

Música: José Tieri

MERCEDITAS

2010-03-19T15:37:00.000-07:00

EL AMOR DE SIXTO Y MERCEDISTAS

MERCEDITAS
Chamamé

Letra y música de Ramón Sixto Rios

Qué dulce encanto

Tiene en mis recuerdos

Merceditas

Aromada florecita

Amor mío de una vez
La conocí en el campo

Allá muy lejos, una tarde

Donde crecen los trigales

Provincia de santa fe
Y así nació nuestro querer

Con ilusión, con mucha fe

Pero no sé por qué la flor

Se marchitó y muriendo fue
Y amándola, con loco amor

Así llegué a comprender

Lo que es querer, lo que es sufrir

Porque le di mi corazón.
Como una queja errante

En la campiña va brotando

El eco vago de mi canto

Recordando aquel amor
Pero a pesar del tiempo transcurrido

es Merceditas la leyenda que palpita

En mi nostálgica canción.

Ramón Sixto Ríos, llegó al pueblo de Humboldt como guitarrista y cantor… morocho y Entrerriano. Llegó con una compañía teatral. Una noche Ramón fue al baile en el salón Sarmiento y allí estaba ella, gringuita de sangre suiza-alemana, Mercedes le mostró sus grandes ojos color cielo y una cabellera al viento que se confundía con los trigales y Ramón la invitó a bailar. Allí empezó la historia de “Merceditas”.

Merceditas se llamaba Mercedes Strickler Khalov y había nacido en Humboldt el 21 de diciembre de 1917. Al día siguiente de conocerla, Ramón visitó la casa de los Strikler, y contó a Mercedes que tenía 26 años, que nació en Federación, Entre Rios, allá por 1913.Visita que se transformó en un amor puro y limpio como los ojos de Merceditas... y fueron novios.El enamoramiento fue a primera vista, pero también a primera vista la mamá de Merceditas se dio cuenta de que Ramón -como entrerriano de ley- era más río que tierra, mientras que ella, pese a llevar el cielo en los ojos y el sol en el pelo, era tierra y no tan río.Ramón regresó para proponerle casamiento a Mercedes pero ella no aceptó. Unos meses después, la joven estaba en su casa y escuchó por radio un chamamé muy agradable que le llamó la atención. Enseguida me di cuenta -recordaba- la letra tenía frases enteras que Ramón me había dicho personalmente”.El tema Merceditas era un éxito en la Capital y, causaban profunda emoción y nostalgia en la bella suiza-alemana de Humboldt.Cansado quizás de esperar a su Merceditas, Ríos se casó con otra mujer y al tiempo enviudó.Años más tarde, una revista porteña publicaba una nota donde una tal Mercedes Strikler, confesaba ser la mujer que había inspirado al compositor Ramón Sixto Ríos en su famoso tema, Merceditas.Cuando la entrevista llegó a manos de la familia, corrieron a mostrársela a don Ramón que nada corto, aun habiendo pasado cuarenta años, le escribió reiterándole la invitación de viajar a Buenos Aires.Sólo entonces ella aceptó, y en el reencuentro por fin Ramón pudo murmurarle al oído las palabras de amor como si fuese un secreto a dos voces.El chamamé Merceditas formaba parte del paisaje musical argentino, y por ende del mundo, pero Ramón no había podido ofrecérselo aún de cerquita y al oído, como aquello que era en realidad: un poema de amor.Volvió a proponerle casamiento y ella, de nuevo, le dijo que no.Pero Ramón Sixto Ríos, éste entrerriano de Federación, a pesar de ello, hasta el día de su muerte le depositó las regalías de "Merceditas"rigurosamente en su cuenta bancaria.Mercedes también tarareaba su chamamé cuando desafiaba el viento pero a caballo, como si aquella historia de amor fuese sólo una leyenda pueblerina.Un año antes de su muerte, en el Festival del Chamamé de Federal le hizo ese gran homenaje, que ella merecía y quería.Esta historia de amor a Ramón Sixto Ríos le dejó el sabor amargo de un amor imposible; a Mercedes la propuesta de un hombre que le quiso entregar su corazón y a nosotros una hermosa melodía. Pasa el tiempo, pero la historia vive y revive al escucharla.Mercedes Strickler Khalov murió en una sala de Oncología de Esperanza, Santa Fe a los 84 años, el 8 de julio del 2001.Mercedita terminó sus días, soltera y recordando es bella historia de amor.

Post-Data:El Cosquin que no fue.En una edición del festival folklórico de Cosquín, Mercedes fue invitada porque, según dijeron los organizadores, se le haría un homenaje. Pero el homenaje nunca se produjo.

Fuente: corrienteschamamé.com

ANTONIO NELLA CASTRO

2010-03-07T16:39:00.000-08:00

ANTONIO NELLA CASTRO

Antonio Nella Castro nació en Salta en 1921 y se radicó desde los 26 años en Capital Federal. Ha publicado, en poesía: Tiempo de acuarela (1945), La elegía heroica (1950), El potro pintado (1959) y Baguala solamente (1972). En narrativa publicó La mestiza (1957), El ratón (1970, Premio Planeta de Argentina) y Crónica del diluvio (1986). En 1973 la Sociedad Argentina de Escritores lo distinguió con la Faja de Honor por su libro Baguala solamente (Primer Premio Municipal de la Ciudad de Buenos Aires). Permanecen inéditas su novela El útero de ladrillos (novela) y una antología de su obra poética, así como su obra de teatro "Los ojos azules como papá". Falleció en Salta, el 22 de julio de 1989.
En la novela Crónica del diluvio (1986) de Antonio Nella Castro, la función de la estructura de la crónica es desafiada para erguirse en relato paródico de la humanidad. Esta narración, que conjuga las facetas genesíacas y apocalípticas expresadas en la forma de relato genealógico del Antiguo Testamento, ubica a Noé en el filo de las tradiciones y de la historia. En esta versión, el cronista re-escribe su genealogía, evalúa la historia y la actuación de los hombres dentro de ella. Allí, la historia universal se presenta como una mera sucesión de ciclos siempre idénticos, en los que los hombres representan un "único libreto".

Baguala de la Chinita

La madre tuvo seis hijos
De distintos padres.
La gente del cerro
Dice que donde hay yeguas potros nacen.
Jacinta
Era la más grande.
Y tenía como doce años
Cuando la dieron para que no se muriera de hambre.
Total hasta Dios
Regaló una vez un hijo de su sangre.
Fue a parar a una familia de clase media:
La señora ama de casa, el marido comerciante.
De entrada nomás la proveyeron
De dos vestidos viejos, un catre,
Un par de zapatillas
Y un peine para despiojarse.
Y a puro jabón y trapo le sacaron la mugre
Hasta hallarle el color de la carne.
Fue como si de pronto
A todo el valle
Le borraran
El paisaje.
O como si de repente
Se hubiera puesto insulso el aire.
La comida no era mucha.
Pero sobraba para alimentarse.
Y podía descansar un rato
Por las tardes
Hasta la hora
De cebar el mate.
Eso sí:
Ni hablar de pagarle.
Con que la criaran
Ya tenía bastante.
Y Jacinta fue creciendo
Como los árboles.
De sólo estar. Hasta que un día
Casi sin darse cuenta parió un hijo de nadie.
Un cachorro angustioso
Desbordado de todas márgenes.
Una guagua del viento
Tirada como una piedra más entre los arenales.
Un animal profundo y lastimado
Brutalmente de balde.
Después… Después volvió a los cerros
Y allí, como su madre,
Jacinta tuvo seis hijos
De distintos padres.

Fuente: www.portaldesalta.com

HILDA HERRERA

2010-03-07T16:37:00.000-08:00

HILDA NORA HERRERA

HILDA HERRERA Pianista y compositora argentina nacida en Córdoba, Argentina. Fue directora del Departamento de Música Argentina y Latinoamericana del Instituto Superior de Música de Santa Fe, (Universidad del Litoral); Profesora del ILSE - Buenos Aires, Coordinadora del Ciclo de Introducción al C.M. Manuel de Falla de la Ciudad de Buenos Aires. Es compositora de: Zamba del Chaguanco, Navidad 2000, La Diablera, Zamba del Fiero, Señales Luminosas, La Poncho Colorado, Desde el fondo de ti, Vidala para piano y llanto, sobre poemas de Antonio Nella Castro, Margarita Durán, Pablo Neruda y Atahualpa Yupanqui respectivamente. Música de cámara: Introducción y Chaya (Cuarteto de guitarras), Vidala y Huella, violín, clarinete y piano, innumerables arreglos para piano de obras del patrimonio folklórico y propias. En 1992 realiza su primer viaje a Francia invitada por el Conservatorio Chatillon para realizar recitales en distintas salas de París. En París grabó el CD "Señales Luminosas” . De 1995 a 1997 fue Directora del CIRMA - Centro de Información y Recopilación de la Música Argentina- 1994/9 coordinó y dirigió, junto a Juan Falú, el ciclo “Maestros del Alma”, declarado de Interés Cultural por el Senado de la Nación Argentina, con figuras tales como Atahualpa Yupanqui, Sebastián Piana, Cuchi Leguizamón, María Elena Walsh, Adolfo Ábalos, Carlos García, Virgilio Expósito, Horacio Ferrer, entre otros. 1996 se estrenó en Buenos Aires su obra poético-musical: “Romance de aquella porteña” (sobre textos de la poeta Margarita Durán) 1996 2° viaje a Francia invitada al Séptimo Rendez-vous International du Piano en Creuse, en representación de la Música argentina en piano. La Municipalidad de la Ciudad de Buenos Aires, la distingue con una placa por su trayectoria . 1997, La ONU, premia su CD “SEÑALES LUMINOSAS" como aporte a la música argentina para piano. Desde 1998 tiene a su cargo la Cátedra de “Interpretación en piano de Folklore y Tango” en el Conservatorio Manuel de Falla de la Ciudad de Buenos Aires. 1999/2000 actúa en Colombia , Venezuela y Francia (Bordeaux y Agen). En el año 2000 edita su disco "YUPANQUI EN PIANO", y en 2005 "LA DIABLERA". Desde el año 2004 coordina y dirige el proyecto CIMAP (creadores e intérpretes de la música argentina en piano). En 2010 está presentando su último trabajo discográfico.

Historia de LA DIABLERA

2010-03-07T16:15:00.000-08:00

HISTORIA DE LA DIABLERA

La bellísima "La Diablera", que tiene realmente una música endiablada de Hilda Herrera, reconoce un antecedente en una poesía de Nella Castro, que se llama Baguala del diablero y
está incluida en su libro "Baguala solamente". Pienso que Nella Castro debió modificar la poesía para que "entrara" en la canción. El poema original decía así:

"Metido en un silbido se va picada afuera bajo las selvas altas.Y los huesos se le hacen cedro, roble,nogal o tipa blanca.
Lleva al aserradero una larga y canteada lampalaguaque cruza por el monte entre los padrenuestros gauchos de las bagualas.

Y le suma a las ruedas el peso jornalero de su vida mal paga.
Por eso es que los bueyes,conociendo la carga,caminan lentamente
para no lastimarla.

A ambos lados, los árboles se trepan por sus ojos

rumbo al cielo profundo de las montañas.
Y vuelven a la tierra

goteando en la sonora llovizna de las catas.

Un animal botánico
se le muere en la jaula

caliente de la sangre.

Y una angustia orejana
le pita las miserias

quemándolas de a una en el tizón del chala.

Su tarjado destino de rollizo
lo puso en ese obraje maderero de Salta,

donde el hambre lo espía

por el ojo del hacha
y le venden sus sueños

como si fueran tablas.

Total, cuando haga noche en medio de la huella
y se eche largo a largo debajo de algún tala,

se le irá la memoria como un perro
olfateándole el alma,

moviéndole la cola a la tristeza,

lamiéndole las llagas.
Y el diablero, mirando las estrellas,

ya no se acordará de cuánto gana."

Por ejemplo, en la zamba en vez de "se le hacen cedro,roble, nogal o tipa blanca" se dice "se le hacen cedro,roble, lapacho, guayacán o tipa blanca".
Además, hay versos que desaparecen.

No se sabe quien la arregló, pero todos sabemos quienes la cantan. Mercedes Sosa ha sido una de sus intérpretes, entre tantos y tan buenos.

La última espera del Coya Mercado

2010-03-05T15:40:00.000-08:00

La última espera del Coya Mercado

José María "El Coya" Mercado no quiso quedarse en la sala de ningún hospital ni sanatorio. Prefiere esperar en paz y silencio la visita inoportuna y obligada de la muerte.La casa fraterna y elegida fue la de Titina Vega y El Indio Gaspar, cerca del rumor del Huasamayo y del Pucara de Tilcara, en Pueblo Nuevo.Cerca de él, me lo imagino, su charango -desconocedor de circunstancias y destinos- esperará la mano y el abrazo que le arranque aún un huayno o bailecito. "De arriba vengo/ soy de la Puna/ clarita Luna/ flor de amancay. En tus alforjas traigo esperanzas/ sueños y penas/ palomitay...El poeta no tiene desesperanzas ni esperanzas con sus últimas imágenes cerca de los molles y las chilcas y frente a la mágica presencia de Peña Alta. Está, nada mas, esperando para seguir un nuevo camino.Ya quedan lejos los aplausos, como los ecos de las cajas del último Carnaval. El rumor tardío del viento por la playa del Río Grande, acerca en estos días un nuevo estremecimiento, leve como el que hoy agita al mundo.Los músicos llegan a rodear al amigo. Seguramente Coyita, acertaste como en tus rimas y compases, con este irte calmo y meditado digno del hombre casi cósmico del altiplano andino.Nos quedan tus relatos del Malón de la Paz y de la injusticia perdurable de los arriendos. Tus voces hecha música se seguirán tocando y tus palabras llamarán al compromiso que ayer movilizó a originarios y criollos compartiendo caballos para expulsar de estas tuerras al invasor y hoy reclama valientes en el Mar Argentino.

Guillermo Cabrera ( JUJUY)

Hoy 05 de Marzo de 2010, ha dejado de existir José María Mercado, nos ha dejado su herencia poética y musical, por lo que no ha muerto, sólo se ha ido de gira.

Patricio Jimenez

2009-12-05T04:44:00.000-08:00

Patricio Jimenez nació en la ciudad de Salta el 13 de setiembre de 1943 y falleció allí mismo el 23 de noviembre de 2009.. Fue intérprete y compositor. Entre sus obras se destacan El tren de Alemania, sobre un soneto de Manuel Castilla, y Sin ella vienen los días, con letra de Hugo Roberto Ovalle. Cantor de voz oscura, pronunciació³n precisa y gusto exquisito para los tiempos lentos de la zamba, a lo largo de su carrera fue parte del Quinteto Sombras, Los Cumpas y Los Cuatro de Salta, además de ofrecer numerosas presentaciones como solista en distintos escenarios del país. Pero su nombre quedará para siempre ligado al Dúo Salteño, que formó en 1967 con Chacho Echenique, por originalidad y trascendencia uno de los hitos mas importantes de la música argentina. Bajo la guía sabia de Gustavo Cuchi Leguizamón,“su mentor y cerebro musical, el Dúo Salteño plantea otra manera de cantar a dos voces. Tanta belleza musical se prolongaba en un repertorio impecable, integrado con obras del mismo Leguizamón y de Manuel Castilla, además de Yupanqui, Armando Tejada Gómez y Echenique, entre otros. En ocho discos uno de ellos reeditado en Japón y dos recopilaciones aparecen versiones cardinales de temas que hoy son clásicos, como Zamba de Juan Panadero, Zamba del silbador, La Pomeña, El hombre del allá, Zamba de la sirena, por nombrar algunos. La primera actuación del Dúo Salteño en el Festival Nacional de Folklore de Cosquín fue en 1969 . A partir de éllos, cantar a dos voces se hizo historia.

EULOGIA TAPIA

2009-11-04T20:59:00.000-08:00

EULOGIA SALTA LA TAPIA

Eulogia salta la tapia, y se golpea la cintura... Así cantaba el Yogur, aquel personaje del riojano Mariano Moreno, cuando parodiaba la célebre zamba de Manuel J. Castilla y Gustavo Leguizamón. En los viejos cassettes de el Yogur debe haber abrevado el cronista de El Tribuno que relata el parto múltiple ocurrido en el corral de la pomeña Eulogia Tapia, personaje central de la popular zamba salteña.
Porque de otro modo no puede entenderse que el periodista, al hacer referencia a la pomeña, escriba que doña Eulogia estaba con la cara enarenada como la vio Manuel Castilla en aquellos carnavales pomeños... cuando, en realidad, si de alguna forma vio el barbudo a la famosa pastora fue con la cara enharinada (la zamba dice: la cara se le enharina, la sombra se le enarena).Confundir "cara" con "sombra" y "harina" con "arena" supone atribuir a la pomeña "cara arenosa", o lo que es lo mismo, confundir la zamba "La Pomeña" con la cueca "La Arenosa", escrita por los mismos celebrados autores.Probablemente nuestra famosa Eulogia no esté ya para modelo de cutis Lancôme, pero de ahí a decir que tiene la cara enarenada, tal si fuese una Esfinge vallista, vamos, que suena un poco fuerte...Y no es intención de este sitio aprovecharse del chiste fácil, pero, ¿tendrá algo que ver en este lapsus el apellido del cronista que firma la nota?
FUENTE: www.iruya.com

EL POETA JULIO MIGNO

2009-10-06T15:31:00.000-07:00

Julio Bruno Migno Parera nació en San Javier, el 6 de octubre de 1.915. Murió en Santa Fé el 5 de diciembre de 1.993.
Hizo sus primeras letras en la escuela de su pueblo natal, para trasladarse, ya adolescente, a la capital de la provincia, donde iniciaría sus estudios secundarios en el Colegio de la Inmaculada Concepción de los Padres Jesuitas. Poco antes de lograr su graduación como bachiller, en 1.932, publica en colaboración con su compañero Félix Villasur Gutiérrez, su primer libro de poemas titulado "A los nuestros".En 1.943 cristaliza su primera obra de aliento, "Amargas", donde se releva un poeta profundamente conmovido por el paisaje y la gente de su tierra.En 1.947 publica "Yerbagüena, el Mielero", libro que marca un momento clave en su carrera literaria. Su personaje, un imaginario cantor hijo del pago, mereció un elogioso comentario de la BBC de Londres.
"Chira Molina", en 1.952, presenta el testimonio desgarrado de un paisano valiente e incomprendido, víctima de la injusticia.La obra "Miquichises" aparece en 1.972. Señala la madurez del canto en el ciclo criollo a la vez que la culminación del mismo. Se encuentran allí muchas de sus más popularizadas poesías.- Cumplido el ciclo de lenguaje, geografía y hombre de la cantera nativa, les doy ahora esencias que llevan el aguijón nacionalista del dolor en el ocaso. Estas palabras prologan su último libro, "Summa Poética", de estilo más clásico y enfoque universalista.A las obras mencionadas se agregan dos antologías : "Cardos y Estrellas" de 1.955, y "De palo a pique", de 1.965.Rsultaría extenso hacer mención de los premios, distinciones y honores recibidos a lo largo de toda su carrera literaria y aún, post mortem, al igual que reseñar el vasto caudal de obras en prosa, tanto narrativas, como dramáticas, todavía inéditas.
Fuente: "LA REBELIÓN DEL CANTO"POESÍAS COMPLETAS EDITORIAL FUNDACIÓN ROSS

AL POETA JULIO MIGNO

Un domingo de diciembre

su corazón trasfoguero

apagó su última brasa

para encenderla en el cielo.

La costa entera de duelo

porque Don Julio se fue,

adiós cacique querido

adiós quien nos daba fe.

Al costado de la uno

en cada pueblo y paraje

los niños de las escuelas

le van rindiendo Homenaje.

Las clases ya terminaron

y están allí sin embargo

de guardapolvitos blancos

Viviendo este trance amargo.

Se descubren los paisanos

al paso de su cantor

ése que va es Julio Migno…

va durmiendo sí señor.

Los pájaros en bandada

sobre su féretro vuelan

se les murió el compañero

pero su canto les queda.

De Rincón a San Javier

por la ruta e´ Madrejón

va saludando a don Julio

la gente en el albardón.

Y doblaban las campanas

en la iglesia e´ Cayastá

Don Julio no las escucha,

el poeta ya no está.

Adiós querido maestro

adiós a nuestro cantor,

y así lo van despidiendo

pagos que en vida él nombró.

Dos …. se persignan

allá en el pago El Laurel

va pasando Julio Migno

toda la costa va en él.

En la canoa e´ la vida

aguas arriba se vá él

venció la correntada

se nos fue hacia el mas allá.

Dónde andará haciendo versos

en qué estrella cantará

porque era buen estrellero

el rumbo no perderá.

No se detendrá su pluma

porque apenas llegue al cielo

han de llover sus poemas

pá enriquecer el cielo.

Todos los gauchos y gringos

de la mano con los indios,

están llorando al poeta

el que les cantó más lindo.

Se pasaron la noticia

los pájaros más isleros y

en bandada en San Javier

a su hermano despidieron.

Orlando Vera Cruz

ESTOY DE VUELTA

2009-09-26T05:13:00.000-07:00

Estoy de Vuelta
Estoy de Vuelta es una de las numerosas aportaciones musicales al cancionero salteño del periodista y escritor Cesar Fermín Perdiguero, esta vez en conjunto con el músico salteño Fernando Portal. Cesar Perdiguero nació en Salta el 7 de mayo de 1921. Su primera incursión en los escenarios del momento la realizó como músico, nada menos que en compañia de Eduardo Falú, con quién formara dúo.
Más tarde Falú continuó como solista, en tanto que Perdiguero se orientó progresivamente hacia el periodismo. Ejerciendo esa labor, trabajó en el períodico y en la radio, entrevistando y reseñando la labor de cuanto talento hubiera originado su tierra. También fue prolífico su trabajo como escritor e historiador "amateur", sin olvidar su merecida reputación como animador de festivales populares.
Como escritor de canciones son muy numerosas sus aportaciones, en compañia de diversas leyendas de la música folklórica salteña, incluyendo al propio Falú, Cesar Isella, Daniel Toro, Castilla y Leguizamón, Gustavo El Payo Solá (en honor de quien, él mismo, bautizó el escenario del mas importante festival del Norte Argentino, la "Serenata a Cafayate") y Oscar Valles.
Esta canción fue grabada originalmente por Fernando Portal, para el disco Estoy de Vuelta, en 1973. Otros artistas que han grabado esta zamba son Hernán Figueroa Reyes y Roxana Carabajal. Fernando Portal falleció el 26 de setiembre de 1977 en la ciudad de Santa Fe.

ESTOY DE VUELTA
Zamba

Autores: Cesar Perdiguero y Fernando

Me fui solo, volví triste

por las calles de mi pueblo.

Cada vez que vuelvo a Salta

una copla sale al viento.

Me has pedido que te cuente

de mi ausencia guitarrera;

te diré que anduve suelto

hecho canto y polvareda.

Me fui solo, volví triste

por las sendas malherido.

Menos mal que guitarreando

me esperaba algún amigo.

Abrazado a mi guitarra

galopé por aires viejos,

por caminos de la zambas

y por rumbos bagualeros.

En Santiago soy bombo

en Orán hecho madera

en Jujuy, en Cacharpayas

y aquí Salta estoy de vuelta.

Me fui solo, volví triste

por las sendas malherido.

Menos mal que guitarreando

me esperaba algún amigo.

RAMÓN AYALA

2009-09-25T05:05:00.000-07:00

Difícil es brindar los datos de la vida de un hombre que ha dado tanto a la música de la región. Canciones dedicada al hombre trabajador del litoral y canciones con acento de amor a mujer. Desentrañamos con atrevimiento la vida del músico, escritor, poeta y artista plástico. Cuando corría ya la década del 30, en los pagos de Garupa – Misiones, no había registro civil de las personas. Sí lo había en Posadas, unos kilómetros más cerca. Del otro punto, estaba la localidad de San Ignacio, donde supo desempeñarse como personal del registro civil el escritor Horacio Quiroga.“Digo yo que son los caminos de la vida”, manifestó Ramón Ayala, “fui anotado en el registro civil de Posadas, pero me gusta contar que nací en Garupa. Un lugar muy acoger por aquellos años de pueblo”.Para ser un pocos injustos con Ramón Ayala deberíamos revelar que nació el 10 de marzo de 1.937. Cuando se le es consultado sobre sus años con la música el respondes, “voy a responder como dice el paisano, desde que me siento”.Desde los catorce años comenzó a ejecutar la guitarra. A esa edad también comienza a vincularse con importantes músicos de la zona. Uno de los músicos con quien se relacionó fue Herminio Jiménez, un sinfónico creador de la Guaraña; además de crear en estas tierras la Orquesta Folklórica de la Provincia de Corrientes.Menester es acaso recordar que fue integrante del tribuno goyano de Mauricio Valenzuela. Ayala estuvo junto al gran coloso del chamame Damasio Esquivel.Ramón Ayala es hijo de un hombre nacido en Yapeyu, Umbercindo Cidade. Uno de los trío más notables, formado por este músico, estaba compuesto por Arturo Sánchez, Amadeo Monjes; Sánchez – Monjes – Ayala. En este transcurrir del tiempo, no se ha dedicado solamente a la poesía, sino también esta elaborando en este momento cuatro libros. Uno de ellos tiene que ver con esta triste Guerra de la Triple Alianza. Es un artista plástico, con basamento cubista hacia el realismo. Cuyo vehículo fundamental es la luz y el color. Expuso en la más importantes galerías de Argentina, de Europa y también de Sudamérica. Tiene más de cien temas inéditos en este momento, y es creador de la parte fundamental del cancionero popular, “El Moncho” , “Posadeña Linda” , “el mensú” , “el cachapesero” , “el Cosechero” , algunos de sus títulos más valiosos.Ramón Gumbercindo Cidade, tiene horizonte en los ojos. Horizonte que cambia constantemente. Es un convencido, que lo importante en la vida es ejercer la propia vida, manejar el timón de la nave, y considera que esto es posible no viviendo de afuera hacia adentro sino de adentro hacia fuera. Este es el dibujo, el color con que pintamos, de manera mesurada quizás, la vida de Ramón Ayala –

Fuente: Chamigos.com/ El mensú.Por Paulo ferreyra

POSADEÑA LINDA

Y me fui por la bajada vieja
Donde un día conocí el amor
Y cruce por sus calles de tierra
Con el alma llena de ilusión
Pero solo me esperaba el río
Acariciándome el corazón

Río, río, mío, mío
Dame sueños dame
que quiero soñar.

Posadeña linda pequeña flor de Mburucuyá
Te llevo en la sangre con tu misterio, tu soledad
Vengo de otras tierras, de otros caminos, de otro lugar
A buscar tu lumbre, tus ojos claros, tu palpitar.

Río, río, mío, mío
Dame sueños dame
que quiero soñar.

Que tienes mi tierra roja
Que a todas parte te llevo
Que por mas que ande caminos
Me sigues con tu misterio.

Que tienes mi tierra roja
Con tus noches embrujadas
Tus gurises, tus mujeres
Cerro Azul y Candelaria
Y el grito de los hacheros
Brotando por las picadas
Que tienes tierra roja
Que me va doliendo el alma.

La barranca de los pescadores
La canoa y el camalotal
El perfume que en la noche enciende
mi Posadas llena de azahar
todo, todo vuelve con tu imagen
y la tierra comienza a cantar.

Río, río, mío, mío
Dame sueños dame
que quiero soñar.

Posadeña linda pequeña flor de Mburucuyá
Te llevo en la sangre con tu misterio, tu soledad
Vengo de otras tierras, de otros caminos, de otro lugar
A buscar tu lumbre, tus ojos claros, tu palpitar.

Río, río, mío, mío
Dame sueños dame
que quiero soñar.

Fuente: musica.com

FLORIAN PAUCKE

2009-09-23T20:49:00.000-07:00

Florian Paucke

Su vida entre los mocovíes

El Padre jesuita Florián Paucke es protagonista y autor de uno de los testimonios más significativos del mundo rioplatense. Estaba tan identificado con su futura vivencia en América que agregó después de su nombre y apellido el de Misionero jesuita del Paraguay. Polifacético como en general lo eran los hombres de la Compañía de Jesús, Paucke enseñó y formó a los aborígenes mocovíes en la Reducción de San Javier, 34 leguas al norte de la ciudad de Santa Fe, y en la Reducción de San Pedro que él fundara Florián Paucke nació el 24 de septiembre de 1719 en Witzingen, Silesia, en ese entonces parte del Reino de Bohemia o los llamados países checos que integraban el Sacro Imperio Germano-Romano gobernado por los Habsburgo austríacos. A los 17 años ingresa en el Colegio de Breslau, de la Compañía de Jesús. Obtiene de Roma el permiso para viajar a la Provincia Jesuítica de Paracuaria. El 8 de enero de 1748 es ordenado sacerdote y ese mismo día después de su Primera misa se embarca hacia América. La travesía duró un año, recorriendo distintos puertos como Lisboa, Málaga, Sanlúcar de Barrameda, Puerto de Santa María y otras ciudades de Andalucía España. Llegó a Buenos Aires el 1 de enero de 1749. Viaja a Córdoba para terminar sus estudios de teología y conoce las estancias y la Residencia de los jesuitas en esa provincia. Su destino final es la Provincia de Santa Fe y luego de un viaje de varios meses llegó al Santuario de Ntra. Señora de los Milagros. La misión de San Javier debía operar como línea de frontera para proteger a la ciudad de Santa Fe. El asentamiento tuvo varios traslados hasta quedar definitivamente instalada a orillas del Río Dulce, hoy San Javier. La reducción estaba a cargo de los jesuitas Jerónimo Núñez y Francisco Burgés, quienes reciben al P. Florián Paucke en 1752. Les enseñó diversas ocupaciones, artes y oficios lo que significó una transformación del modo de vida de los indios. Tuvieron un acercamiento a la música, y Paucke gran ejecutor de instrumentos, armó un coro de veinte niños mocovíes que actuaron en Santa Fe y luego fueron invitados a cantar en la Iglesia de San Ignacio en Buenos Aires. Fundó la primera escuela en las reducciones y especialmente aprendió el idioma mocoví para comunicarse y acercarse al indio con cariño y desde el corazón creando un vínculo humano, sin precedentes, entre ambas culturas. En el año 1765,el Padre Paucke, funda la Reducción de San Pedro, el 1 de mayo los jesuitas reunieron bajo la Cruz y Campana, al Cacique Elebogdín con sus 400 mocovíes. Poco tiempo después , el 9 de septiembre, se establece la escuela, que por notable casualidad estuvo emplazada en el mismo paraje que la actual escuela Nro. 509 de la Fundación Obligado. En 1767 llega la orden de expulsión de la Compañía de Jesús, y el 3 de abril de 1768 Florián Paucke abandona las costas americanas. En su regreso a Europa se establece nuevamente en la Provincia Jesuitica de Bohemia. Florián Paucke en su legado la obra “Hacia allá,(fuimos) amenos y alegres, para acá (volvimos) amargados y entristecidos-Estadía con los indios mocovíes 1749-1767” escrito que se conserva en el Monasterio Cisterciense de Zwettl, en Austria, a cien km. de Viena en lo alto de una serranía. No solo lo persuadieron para relatar sus memorias de 18 años en Paracuaria sino también para ilustrarlas. Se calculan alrededor de 100 hojas dibujadas, encuadernadas en el texto, pero muchas páginas contienen más de un dibujo. Aparte hay varias pinturas de mayor medida y diferentes tamaños. El Padre Paucke muere en Jindrichuv Hradec (en textos alemanes Neuhaus), en Bohemia, alrededor de 1780. En San Javier conforme a la costumbre española de festejar con una procesión solemne el día del Santo Patrono de la ciudad y aprovechando la destreza de los jinetes mocovíes, Paucke fue elaborando un espectáculo en su Reducción. Actualmente el día del Patrono San Francisco Javier se celebra el 3 de diciembre con una procesión náutica por el río San Javier. Todo el pueblo participa de esta fiesta con cantos y mucha música. El Padre Florián Paucke marcó una huella para San Javier, asentando las bases para construír un nuevo camino, rescatando los valores humanos y el espíritu que nos deja como herencia.

EN EL DIA DEL MAESTRO

2009-09-11T05:58:00.000-07:00

HIMNO

de la Asociaciónde Maestros Rurales Argentinos(A.M.R.A.)

En la puna soleada y bravía

ardida de escarcha sobre un pedregal,

junto al mar patagón, donde el viento

despierta flechillas en el arenal,

en la roja tierra misionera,

en la pampa infinita y feraz,

en la augusta mansión de los Andes

o allá en las riberas del río Paraná,

hay un faro de luz y esperanza:

ese faro es la Escuela Rural.

Desafiando clemencias y olvido,

superando tristezas y miedos

-sembrador de saber y cariño-

hay un ángel que vela: el maestro.

Porque él es el pastor del rebaño,

de serena firmeza es su gesto,

es su risa como el agua clara

y lo ha visto llorar el silencio.

Ha acudido al reclamo.

La Patria necesita su amor y fuerza,

necesita poner la dulzura

de su miel sobre tanta pobreza.

Sabe bien que la empresa no es fácil;

dominando la angustia secreta,

deja todo, parientes y amigos,

por servir a su patria en la escuela.

Allá va. No hay clarines ni dianas

es soldado de paz, no de guerra

solo armado de tiza y cuaderno,

a cumplir su admirable tarea.

Letra:María Cecilia Padilla de Mengua

A LOS MAESTROS RURALES

(chacarera)
Letra y Música: Cuti y Roberto Carabajal

Mi abrazo con chacarera

con los maestros rurales

los que andan con sus verdades

catequizando fronteras

maestros de campo afuera

pilar de grandes ciudades.

Mi canto se va en ternura

por la maestra primera

paciencia de misionera

del tiempo de la dulzura

quisiera a su almita pura

volcar mi savia coplera.

Al norte de mis anhelos

le puso el hombro la escuela

allí encontré la alfarera

que me ha moldeado el camino

maestra fue mi destino

viruta de tu madera

Al pie de tu apostolado

maestro de mi Argentina

que vas dejando la vida

al filo de las fronteras

te dejo esta chacarera

sincera y agradecida.

La lluvia de los inviernos

no puede con su pujanza

banderas de la enseñanza

son los maestros rurales

que sacan de los barriales

las flores de la esperanza.

Me acuerdo de mi maestra

con su guardapolvo blanco

andando entre tantos changos

como si fuera una diosa

con manos de mariposa

que nos andaban cuidando.

Mandinga se prende fuego

contra el dolor de las piedras

se resquebraja la tierra

el sol se rompe en pedazos

y la maestra a caballo

le va cuerpeando en la sierra.

Al pie de tu apostolado

maestro de mi Argentina

que vas dejando la vida

al filo de las fronteras

te dejo esta chacarera

sincera y agradecida.

AIMÉ PAINÉ

2009-09-10T05:42:00.000-07:00

AIMÉ PAINÉ

Aimé Paine, nació en Ingeniero Luis A. Huergo, Pcia de Río Negro, el 23 de agosto de 1943 y falleció el 10 de septiembre de 1987,en Asunción del Paraguay; fue una cantante mapuche, que se dedicó al rescate y difusión de la música folclórica de su pueblo. Nieta del gran cacique mapuche, el lonco Painé.
Fue criada en una familia de muy buena condición económica que la "adoptó" y la enviaron a estudiar al Colegio María Auxiliadora de Mar del Plata, una ciudad muy alejada de su tierra, su cultura y sus orígenes. Siempre y de muy pequeña soñaba con ser cantante y contando con aptitudes para ello, sus tutores la enviaron a estudiar música en Academias y Conservatorios.
Aimé contaba siempre que no veía la hora y que esperaba con gran impaciencia las fiestas de Semana Santa y Corpus Christi, porque era la época de interpretar los Cantos Gregorianos que las religiosas le enseñaban. De niña se dio cuenta que esos tonos y esos cantos eran muy parecidos al Taïel, tonada mapuche que su abuela Domitila interpretaba en Mapudungun (lengua Mapuche). Contaba en sus entrevistas que el Taïel era un canto despojados, tan libre y natural como religioso, era cantar la vida.
Cuando contaba con 20 años ingresó al Coro Polifónico Nacional y allí descubrió lo que verdaderamente significaba la música para ella. Fue, precisamente, durante un encuentro internacional de coros, donde cada país había preparado al menos una obra de música indígena o folclórica, menos el coro argentino, allí sintió consternación y humillación de pertenecer a un país que niega sus raíces. Este acontecimiento la llevó al sur a impregnarse de la espiritualidad de sus mayores, allí Aimé Paine descubrió que la música mapuche era una verdadera atracción espiritual que su música provenía de la experiencia de cantar en un universo de soledad en el que se encontraba su tierra natal.
Adaptó sus canciones mapuches con tintes regionalistas pero siempre utilizando la trompa, kultrun, cascawillas, trutruka y kull kull (todos instrumentos sagrados mapuches). Cada una de las letras de sus canciones cuentan una historia de los mapuches-tehuelches, corriendo el velo al mundo y haciendo conocer siempre la filosofía natural de sus "hermanos": "Palpé la libertad y la misión de lucha que entraña la libertad, saber de la cultura de su pueblo es saber de uno mismo" decía.
La letra de unas de sus canciones reza "Es hermoso cuando viene/el viento de la tierra cordillerana/viene el viento del Oeste/El viento del Sur/el viento del Este/el viento del Norte/¡A su paso va pegando (contra los montes) el pasto!/piedras amontonadas".
Hoy bibliotecas, escuelas, complejos, coros y calles de la Provincia de Río Negro y una de las calles de Puerto Madero en Buenos Aires homenajean a esta mujer que llevó la cultura mapuche a ser conocida por el mundo. Se encuentra enterrada en su ciudad natal junto a la tumba de su padre, el Lonco Mapuche Paime

Princesita Dormida

La vida vino del este y en el noreste quedo

el viento trajo muy tarde la noticia y nos quebró.

Antu estaba en lo alto y de pronto. . .

oscureció el amigo de los pobres,

estos días no alumbro.

Es que se ha hecho un silencio,
que nos negamos a oír,

su dulce voz de Mapuche ha decidido morir.

Se fue en su viaje con todos y todos la vimos partir,

hay princesita doliente. . . ya no te vamos a oír.
Domo, déjanos la fuerza que nuestra causa precisa,

no podemos detenernos, nos apura, va de prisa.

Pero, que puedo contarte que no hallas sabido leer?

Si Nguenechen te ha elegido, porque lloraste lamguen?

Recuerdo que no hace tanto, nos sugería "Únanse",

talvez sea un gran designio que debamos de aprender.

No es hasta nunca su suerte,

no es que ha vivido la muerte,

es como el frío del Cheuque,

que está inmóvil, pero siempre.

Peukajeal, hermanita, peukajeal,

dulce Aime, su pueblo indio no ha muerto y con ella; está de pie
Pichi Malen (Beatriz) (Buenos Aires, 14.09.87)

ARIEL RAMIREZ

2009-09-03T20:17:00.000-07:00

Ariel Ramirez nació en Santa Fe, ciudad del Litoral de Argentina, el 4 de Septiembre de 1921. Fue el cuarto de seis hermanos que tuvieron doña Rosa Blanca Servetti y su padre don Zenón Ramírez que fuera maestro, periodista y escritor. Ariel estudió piano en su Santa Fe y la visita a la Escuela Normal de Santa Fe de Arturo Schianca, inspector de Música dueño de un elegante estilo pianístico e incansable difusor del repertorio sureño, lo impulsó a seguir el camino de la música tradicional.Radicado en Córdoba, al amparo de sus amigos estudiantes tucumanos Chonchón y Raúl Mothe, conoció a Atahualpa Yupanqui quien lo impulsó a conocer el noroeste; así a partir de 1941 viajó por las provincias de Tucumán, Salta y Jujuy. Vivió varios meses en Humahuaca, donde recibió una fecunda orientación del Dr. Justiniano Torres Aparicio, músico y conocedor de la cultura nacional. También estuvo radicado un tiempo en la región cuyana, principalmente en Mendoza.Hacia 1943, iniciada ya su carrera de intérprete de un variado repertorio pianístico basado en la música folklórica sudamericana, se presenta como solista de piano en Buenos Aires en conciertos y filmaciones, como así también integrando ciclos de emisiones radiales de arte nacional, especialmente a través de Radio El Mundo. Su participación es asimismo requerida por las compañías grabadoras de discos, y es RCA Víctor la que imprime, en 1946, sus primeras placas en 78 r.p.m. con sus obras La tristecita (zamba), Purmamarca (bailecito) y Malambo: "lo más puro de mi creación", según ha observado el propio Ramírez. Su vinculación con la mencionada compañía se extiende hasta 1956, con 21 discos dobles grabados.En la compañía de Felix Luna, escritor y profesor, quien escribió los versos de varias de sus obras musicales, tales como "Navidad nuestra", "Mujeres argentinas" y "Cantata sudamericana", hizo sus canciones más conocidas "Alfonsina y el mar", "La peregrinación", "Los Reyes Magos", "La anunciación", "Antiguo dueño de las flechas", "Juana Azurduy" y "Navidad en verano".

LA PRIMAVERA DESPUES DEL FUEGO

2009-09-03T05:49:00.000-07:00

La primavera después del fuego

El señor invierno se retira rezongando, deja tras de sí sus huellas en la ceniza gris que vuela por los aires. Debajo se vislumbra ya, un verde pálido pero aguerrido. Sus raíces han sobrevivido al incendio voraz y asesino. Los sentidos perciben el cambio en el ambiente, el olor a quemado que insiste en quedar suspendido como recordándonos que aún no ha pasado el peligro. Necesitamos mucha lluvia y la fuerza de la madre naturaleza dándole bríos para tender la alfombra verde y perfumada de la primavera. Esta será una verdadera resurrección, volverán a nacer los árboles quemados, que elevan sus brazos tiznados clamando por la vida. Regresarán las aves a buscar el lugar para hacer sus nidos, tan desorientados porque todo parece muerto.
Y volverán las liebres, las vizcachas y los cuises, porque necesitan de la tierra, el pasto y el agua de lluvia, para reiniciar el ciclo y no sucumbir a la extinción.
Resurrección del hombre que agudizará sus sentidos en busca de la energía que le permita ascender en la escala depredatoria de estos tiempos. O, se plegará por fin a obedecer a la sabia Pachamama y en vez de ponerle un fósforo a los campos, se arremangue y sacuda a mansalva el polvo ceniciento, transformándolo en abono fertilizador que empuje la semilla para que brillen sus hojas al sol.
Necesitamos a gritos la primavera, el perfume suave y dulce del aire recién lavado y el baño de luz tibia, que nos cubra como un poncho.
Cada año que pasa recrudecen los inviernos y el fuego indiscriminado, de la mano del hombre no pensante, sigue castigando muchos lugares de nuestro planeta. Con mucha impaciencia rezamos para que llegue setiembre y nos regale la bendita estación del amor en todas sus expresiones y elevada a la máxima potencia, porque es imprescindible la reconstrucción.
Bienvenida Primavera, que la misión que tu llegada trae se cumpla para arreglar los estropicios y nos acomode la mochila de amor que tenemos bien guardada en el fondo del alma.

AQUEL 8 DE SETIEMBRE

2009-08-21T20:34:00.000-07:00

Aquél 8 de Septiembre
El siguiente documento relato está basado en una recopilación de datos y anécdotas referidos al terrible accidente sucedido la noche del 8 de Septiembre de 1989, cuya autora es la Sra. Susana Serial de Sand (Presidente de la Comisión de Homenajes a los Músicos Desaparecidos) en el marco de los actos conmemorativos del 18º aniversario de la tragedia
"Convocados para representar a Corrientes en el festival Internacional de Folklore en Niza (Francia) comenzaron a ensayar grupos de conjuntos, solistas, acudieron a participar artistas de Resistencia, Chaco con la genial puesta en escena de Dante Cena, el resultado desbordó la expectativas mas exigentes. Depositaron sus sueños en ese viaje, pensaban viajar desde Francia a España donde lo esperaría uno de los guitarristas de Alfredo Zitarroza, el entrerriano “Dioni” Velásquez.
Este lo había escuchado en su pueblo natal de Sta. Elena, en el “Festival de la Chamarrita” y lo impresionó como sonaba el conjunto. Luego de la actuación “Dioni” conversó con el “Gringo” proponiéndole fueran a intentar suerte en España donde hacía años él residía, pero todo quedó en un sueño ya que ese viaje no se llegó a concretar porque sin saber el porque a 24 horas de la partida, el entonces Director de Turismo Julio Traynor, suspendió la participación del grupo en el Festival.
La indignación de todos fue terrible, pero para no dejarse abatir por tantos sueños truncados, quisieron mostrar a Corrientes el valor y calidad de su trabajo, tan es así que comenzaron con el debut en el “Teatro Vera” con un lleno total y una emoción abrasadora.
Un mes más tarde, el viernes 8 se iban a presentar en Bella Vista, el día 9 se irían a Formosa y el domingo 10 estaba previsto el Domo del Centenario de Resistencia (todo programado). Inician la gira de Ctes. a Bella Vista, apenas llegan, descienden en el club Juventud sito en calle Buenos Aires de esta ciudad, es aquí donde el cuerpo de danzas se quedan para ensayar, la gente de sonido FONEA (Raúl Diaz y Patricia Semper) hacen lo mismo junto al equipo de iluminación y efectos especiales para montar y preparar todo pues el espectáculo era esa noche.
Los 2 pequeños hijos de Ricardo Scófano también descendieron del micro y se dirigieron a la casa de su abuela paterna.
De repente “Yacaré” Aguirre dijo “a ver, vengan conmigo a la radio, todos los músicos para que Bella Vista se entere de que ya llegamos”.
En el mismo coche, 13 personas, 10 músicos, 2 choferes y 1 bailarín llamado “Puchi” Gonzáles, (que regresaba de una peregrinación a Itatí) cansado permaneció durmiendo, ni se enteró puesto que no se bajó ni en el Club ni en la radio.
El encargado de la puesta en escena era Dante Cena, les había dicho antes de salir hacia la radio “miren” que los quiero aquí a las 18:30 para ensayo general, eh? Ya en la radio se había generado un clima espectacular entre los músicos, operadores y la gente de la misma, tan es así, que sin aviso previo, alguien trajo una cámara filmadora y filmó todo lo acontecido en ese momento.
A las 19:30 ascienden nuevamente al “cole”, viendo que se les hizo muy tarde, alguien gritó al chofer “¡dale, dale, que llegamos tarde”!.
Se puso en marcha el Aklo (marca del colectivo) de procedencia inglesa muy antiguo y maltrecho. Llegaron a la esquina, donde debían girar a la izquierda para retomar la calle Buenos Aires, pero una camioneta mal estacionada, le impide realizar esa maniobra.
El chofer, colocó entonces la trompa del vehículo en la bajada, (una pendiente sumamente peligrosa) trabando por precaución la rueda delantera derecha contra el cordón derecho de la vereda, luego intentó retroceder ese par de metros, pese a acelerar a pleno el motor, no consiguió salir de la bocacalle que sería luego la trampa mortal. El chofer no sabía que al final de esa bajada estaba el Paraná y como había oscurecido la visión llegaba tan solo hasta donde alumbraban los faros del colectivo.
Ante el fracaso de los intentos, Ricardo Scófano (nacido en Bella Vista y conocedor de la zona), le dijo al conductor “esta porquería no va a subir marcha atrás mas vale que des la vuelta por abajo y salimos por otra calle, “claro nadie más que el chofer sabía de la falta de presión en el compresor”.
El chofer, creyendo que esa bajada se transformaría luego de unos metros en terreno llano, destrabó la rueda delantera para continuar la marcha por esa calle pero de pronto el micro fue tomando una aceleración inusitada y la primera curva de la pendiente ya la tomó fuera de control, balanceándose por uno y otro costado ¡¡¡ Los frenos no funcionaban!!! El pánico se generalizó, entre los gritos desesperados se oyó la voz de Ricardo repitiendo ¡¡¡ este colectivo no tiene frenos!!!, ¡¡¡este colectivo no tiene frenos!!! Esos gritos, más los gritos de terror del pasaje y en la carrera desenfrenada del micro fue desesperante para ellos. Luego se supo que se había alcanzado los 104 Km/h en esos 300 metros en que el colectivo despegando el tren delantero del suelo, volteó una palmera, y con las ruedas traseras derribó la baranda de la costanera. Un par de minutos antes de volar por el aire, Scófano gritó ¡guarda que nos vamos al agua! Zito Segovia, que venía sentado en el apoya brazo de unos de los asientos del pasillo aturdió con un grito desgarrador: ¡”JESÚS YO NO SE NADA”! en tanto Carlos Miño abrió en el aire la ventanilla previendo quizás una vía de escape. La altura que verticalmente separó el punto en que el micro abandonó la bajada, de la superficie del agua,era de aproximadamente 15 mts. Sumado a esto la distancia que con el impulso que traía, los proyectó hacia el cause del río más de 20 mts. El peso del motor inclinó la trompa del micro hacia abajo, haciendo que este cayera en forma vertical contra el agua, al impactar estalló el parabrisas irrumpiendo violentamente el agua al interior, impidiendo a los choferes despegarse de sus asientos. Hacía mucho frío razón por la cual todos iban abrigados con camperas y todas las ventanillas cerradas.Carlos Miño logró salir por la ventanilla seguido por Tito Gómez quien a tientas y a locas ya sin ver nada porque había perdido sus anteojos no podía despegarse del colectivo, recién cuando éste tocó el fondo del Río logró llegar a la superficie luego de bracear incansablemente , aparte en plena oscuridad no alcanzaba a visualizar ningún punto de referencia más allá de escuchar los gritos de sus compañeros de infortunio pidiendo auxilio. El Río estaba encrespado esa noche, la corriente del canal lo arrastraba rápidamente río abajo ,pidiendo a gritos<: “Socorro”, “Auxilio”. “Mozú”, un pescador que escuchó los pedidos de auxilio, corrió por la Costanera hasta el lugar en que el Río lo llevaba inexorablemente hacia la muerte. ¡Vení nadando para acá!....... No se nadar, le respondió Tito, como respuesta el pescador le arrojó un salvavidas, con esa ayuda alcanzó la costa y “Mozú” lo ayudó a trepar la costanera. Fue el providencial amparo de Dios que lo apartó del infortunado destino que corrieron los otros ocho. Las victimas fueron: Los dos choferes del colectivo, Joaquín Adam y Miguel Ángel Sheridan, Yacaré Aguirre, Yony Bher, Chango Paniagua y Zito Segovia.
Ya en la costa solo, perdido, en estado de shock, lloraba, de pronto escucha una voz que gritaba ¡Tito, Tito!, y una sombra que emerge de la oscuridad corriendo, era Ricardo Scófano, se abrazaron y lloraron un largo rato, dos horas después de la tragedia reunidos en el Club Caza y Pesca con el resto de la delegación que se habían quedado en el Club, decidieron quedarse hasta que sacaran el colectivo del agua, cosa que se logró el domingo de tardecita.
Salió vacío… todos han dejado, como una herencia y testimonio de su vocación Chamamecera, sus grabaciones en placas discográficas, que son la evidencia que fueron músicos notables, únicos e irremplazables. Cada 8 de Septiembre, manos amigas, manos chamameceras, arrojan flores al Río, al hermano y padre Río, que los acogió en su seno para cumplir con aquella estrofa del Chamamé más sentido que expresa: “ Por el Río me iré con la lluvia vendré”, a refrescarnos el espíritu con ese canto de siempre con el “bando” y las guitarras, portadoras de un mensaje que nos moja el alma e inunda nuestras gargantas apagando el llanto de un pueblo que los colmó de aplausos y renace en cada chamamé, en el Sapukay más estridente que hoy le brindamos con admiración y afecto".

RODOLFO REGÚNAGA

2009-08-21T20:32:00.001-07:00

Rodolfo María "Bodoque" Regúnaga
Aunque nacido en Paso de los Libres (Ctes) el 2 de agosto de 1950, desde los cuatro años llegó con sus padres y hermanos a Curuzú Cuatiá.A los 12 años ya tocaba con un conjunto que comenzó en el colegio y que siguió por muchos años, era el grupo "Los Estudiantes".A los diecisiete se radica en Corrientes e integra el conjunto de música pop "Los Pokers", hacia los 19 años formó junto a otros, un seleccionado de varios grupos.En la década del 70 se traslada a Buenos Aires y ya comienza a componer sus propios temas y sus actuaciones en boliches de esa ciudad (Mau-Mau, Bwana, St. George entre otros) como así también sus giras por el exterior (Colombia, Puerto Rico, México, Costa Rica, Uruguay, etc.) Rodolfo continúa componiendo y a su rol de baterista le suma su voz que por su timbre y color interesan a las compañías grabadoras. Sus primeras canciones que alcanzaron popularidad y ocuparon los primeros puestos en el ranking fueron, entre otras: "Música para tu piel de verano, muchacha" "Yo tengo aquí y "Recuérdame desde el primer momento". En el año 1975 comienza en nuestra provincia el movimiento de la nueva canción correntina, en la cual junto a "Pocho" Roch, Teresa Parodi, Mario Bofill y Antonio Tarragó Ros se convierte en pionero de la nueva trova correntina, y en el año 1976 participa en el certamen llevado a cabo en nuestra capital y gana como mejor tema, mejor voz y mejor conjunto con su "Casa natal". Después vendrán años difíciles y a punto de marcharse a Brasil, un primo de Antonio Tarragó Ros, Miguel Ángel García le comenta que Antonio tenía una propuesta para él, y desde los 27 años trabaja con Antonio Tarragó Ros, grabando, viajando por el país y el mundo. Con él revolucionaron el folklore correntino, le impusieron otro tinte al incorporar textos e instrumentos no convencionales y tradicionales, pero no por éllo pierden sus raíces y ese nuevo folklore triunfa en el país."Bodoque" es uno de los más de esta tierra que lleva nuestra música muy adentro, un creador de exquisita frescura en sus composiciones y que ama de verdad sus raíces, estos pagos de tanto color como lo que es capaz de impregnar en sus creaciones que graba con Antonio y también como solista, "Casa natal" en 1987 y "Si un amor te hizo mal" en el 2000.-Falleció en La Plata el 10 de noviembre del 2005.(corrientesnoticias.com.ar)

EFEMÉRIDES FOLKLÓRICAS ARGENTINAS

2009-08-21T05:21:00.000-07:00

"Efemérides Folklóricas Argentinas" de Juan Carlos Fiorillo

Una obra sin precedentes, única en América Latina, dedicada a los hechos mas notorios del folklore argentino , un texto de consulta indispensable para docentes, bibliotecarios, conductores de programas folklóricos, locutores, investigadores, periodistas, cronistas, estudiantes y otros interesados en estos temas. Aparecen más de 5.000 citas, conteniendo 35 géneros referentes a nuestro acervo nacional, dedicados a difundir día a día el más importante estudio que se haya escrito sobre el patrimonio popular argentino. Un verdadero tesoro de información en resguardo de esta disciplina, indisoluble de toda programación folklórica que se precie de tal.Figuran en esta colección: autores, compositores, cantores, músicos populares, académicos, poetas, escritores, letristas, viajeros, investigadores, artesanos, bailarines, domadores, payadores, festivales, peñas, pulperías, pintores, cronistas, animadores, devociones populares, revistas, libros, programas radiales, televisivos, películas, teatro criollo, etc.La obra ofrece fechas, biografías, datos y anécdotas para recordar o aprender, relacionadas con el hecho tradicional, criollo, nativo o popular, en un trascendental paseo por el mapa folklórico de nuestro país. E-mail : folkloreadas@yahoo.com.ar

EL CANTOR DE SANTA FE

2009-08-19T06:48:00.000-07:00

En esta foto estamos Graciela Smith, Lydia Musachi, Orlando, Noelia Chialvo y dos alumnos de la escuela de danzas de la Peña Folklórica Los Lanceros, en la Fiesta Nacional de la ordeñadora.

ENTREVISTA A ORLANDO VERA CRUZ

FolkoreCLUB estuvo con la grata compañía del cantautor y poeta santafesino Orlando Vera Cruz, quién contó acerca de su próxima actuación, este viernes 12 de junio en el Teatro ND Ateneo, sus proyectos y una vista mucho más profunda de una carrera direccionada al canto de su provincia y en reconocimiento de los gauchos, de la cultura y la identidad.…No hubo introducciones, la mano fuertemente apretada y una mirada honesta de paisano delator en sus ropas, su postura y pañuelo, convencido de una propuesta cultural para salvar el intelecto del poeta Juan Migno, una cordillera poética salvadora de la verdadera historia de los nativos argentinos y la defensa a la propia tierra desde antes de tiempos de Colonización hasta los actuales llamada ‘La raíz del canto’: “Esto es un cuadro que tengo pensado para Cosquín, con músicos y bailarines, una gran pantalla mostrando el planisferio, que determinen, cortando los textos hasta llegar a un final, todos de la mano, gauchos, indios, colonos…”¿Cómo se define como poeta y folklorista?-Yo vengo de una región que nunca cantó folklóricamente, ¿Cuántos artistas estuvieron dos horas en el escenario sin salirse de la bota? No hay que tener dos temas, hay que tener 200…¿Por qué se encerró en cantarle a Santa fé, por qué nunca perdió la línea y se mantiene sólo con ese pensamiento?-Si me pongo a cantar las hermosuras de Perdiguero y Falú, o de Yupanqui, mi provincia seguiría sin tener representatividad, no estaría ubicado en esta demanda santafesina que todos los días crece, en una provincia que he recibido Menos Cero de apoyo. Santa fe da a Circo Beat y Nebbia haciendo una ‘Balsa’ para hundirse y son aplaudidos. Yo me crié en otro concepto musical y poético, tengo derecho a exponer y otros tienen derecho a negármelo y Dios dirá quién es el que representa a Santa Fe. Un músico con olorcito a Liverpool, en un país analfetizado y colonizado, se considerará una escarapela de guerra: no juntar 5000 jóvenes en Santa Fe me parece genial porque estoy en un país que merece esto, porque no tengo un atisbo ni a Liverpool, Bob Dylan ni nada parecido, nada que me ate al Imperialismo; porque tengo un punto de vista desde mi aldea, desde el gaucho. Lo que piensa usted, es un ideal útópico-Exactamente, soy consciente y sé que es así pero algún día se investigará…Una vez un periodista argentino le llevó a Paul McCartney nuestra música, escuchó y le dijo: ‘Ustedes tocan lindo pero ésta la inventamos con John en Liverpool. ¿No trajiste ‘El Arriero va’?’ Si voy a Paraguay con naranjas, con semejantes naranjales me manda a pasear y me contesta: ‘Dame un bife de chorizo’.¿Por qué, si no tuvo apoyo, salió adelante como artista?-Por el empecinamiento. Una idea, como la que dijo Yupanqui: ‘Que elija una sola estrella quién quiera ser sembrador porque sólo el impostor se acomoda en toda huella’. Perdí de hacer plata pero lo que hice fue una carrera sólida.Su último disco fue Estrellero en 2000 ¿Por qué no grabó entre ese año y 2009?-No quise grabar más porque mi provincia no se merece que le grabe, ni los medios, ni Cultura, los que están en el Poder, omnipotentes, con todos esos los funcionarios que pasaron, no se merecían ni se merecen... la provincia de Santa Fe sí, pero muchos funcionarios me quitaron las ganas y no lo supieron aprovechar, ni a favor de ellos, sólo escondieron al canto. En su parecer ¿Qué ocurre con los poetas y la identidad del gaucho y el argentino?-¿Has visto a Suma Paz en una página completa en un medio importante antes de morir? ¿A Víctor Velázquez, a Di Fulvio, A Vera Cruz?, entonces guarda con los artistas de una sobreprotección y consulta. Indudablemente, en los medios grandes jamás, JAMÁS, se habla sobre la identidad ni tampoco tiene escena la vida del gaucho¿Qué es el gaucho para el común de la gente?-El gaucho es un hombre, que ni siquiera pudo nacer del amor…¿Este error cómo empieza?-Este error empieza desde el momento que no podemos cambiar figuritas con John -John Lennon-. Si John me trae “Yesterday”, yo tendría que darle “Luna Tucumana”, pero no. Hay un poder intelectual, donde hay riqueza, hay colonización. En Bolivia, nadie le impone nada, un boliviano no se puede dar el lujo de ser un boludo, tiene que tener cultura de la tierra que pisa, de la chiva que ordeña, de la manta por tejer, del queso y el sikus y los vientos¿Cómo define la cultura musical argentina?-Tenemos una cultura impuesta. ¿Con qué derecho ‘Ellos’ me invadirán mi intelectualidad, me gobernará e indicará mi rumbo musical para toda la vida?Quiere decir que Argentina no tiene identidad…-Lógico, pero la tuvo, hasta que llegaron los medios de comunicación, teniendo toda la responsabilidad. A Rosario llegó una ciudad flotante con las banderas inglesas y francesas pero los jóvenes gauchos con Lucio Mansilla los pararon. No voy a mandar a Fito Páez ni a Los Redonditos a luchar si adoran al enemigo…No había radio ni televisión, el enemigo no podía incorporar, en el intelecto nuestro, su identidad. Axe Rose quemó una bandera argentina y anunció que no se ensuciaría sus botas texanas con estiércol argentino pero cuando vino, llenó la Cancha de River: a una chica no la dejaron ir porque su padre entrerriano le dijo: ‘No vas a ver a esta gente porque a mí me ha ofendido’ y por eso, la chica se suicidó. Eso se llama Colonización. Orlando Vera Cruz nació el 7 de agosto de 1944, forjándose de cultura mediante sus padres, formando parte de centros tradicionalistas y grupos de danzas folklóricas, además de estudiar canto y guitarra aunque el primer indicio y fundamental que sería la guía de su carrera, fue conocer al poeta Julio Migno, claro ejemplo de su corriente nativa, cantando al pueblo santafesino y a su país. Con el premio Revelación ´74 y Consagración ´75 en el Festival de Cosquín, su nombre empieza a tener carácter nacional, además de editar su primer material, en un trabajo de 12 temas, incluyendo el éxito “Costera, mi costerita”.Perseguido por la última dictadura militar, por su alto contenido social en las letras, graba recién en 1983 “Verdades”, el segundo de sus doce discos: “No se podían grabar las cosas que quería. No podía trabajar en Argentina y me iba a tocar tango a Venezuela; Había artistas famosos acá, entonces esa tácita prohibición los benefició porque luego, alguna ficha de adhesión tuvieron…Acá el más honesto y verdadero es Horacio Guarany”Ha recibido una cantidad infinita de premios y reconocimientos, pero lo más destacable es que su conocimiento en poesía, música, historia y geografía no muere en un papel ni en el silencio sino que sigue el camino por escuelas y universidades donde brinda charlas educativas: “Algunas cosas no se conversan en Universidades, pero cuando me dejan, sí, ya que estoy bastante prohibido. Lo estuve en la Dictatura del ´76 y ahora también…” Entre las poesías, grabó más de 150 obras, destacándose nacionalmente “Pilchas gauchas” y “Punta Cayastá”.¿Este pensamiento es el que trasmitirá en el teatro este viernes?-No se puede, ojalá que yo pudiera tener, todos los días, una charla con muchos jóvenes¿Qué será lo que trasmitirá?-Será un mano a mano con la muchachada, con la gente, que quieren escuchar temas. Si se deriva la cosa y tienen tiempo…las ganas yo las tengo.Uno de los temas que seguro no faltarán, será Pilchas Gauchas ¿Cómo se originó? ¿Qué sensación le deja el ser una poesía tan conocida?-Ha ayudado mucho Soledad al grabarlo, para acercarlo a la juventud: “Gente culta en Capitales, viven de espalda al país”, o sea, que yo no busco quedar bien con nadie, pero tengo que decir la impresión que me causa mi país¿Qué le faltaría hacer en esta vida?-Me gustaría hacer una película y tenerlo a Mel Gibson conmigo. Si fue capaz de hacer Corazón Valiente, Apocalypto, es muy capaz de seguirme en la idea, demostrar qué significa la colonización, el genocidio que se provoca con la colonización que padecemos provocado por el Imperialismo. Con él podría poner en escena un verso con la idea de Sarmiento y José Hernández. Por ahora es una utopía por el apoyo de la provincia.
Jorge Daniel Gonzalez-

Fuente: http://www.folkloreclub.com/

EL ARBOL DE NUESTRA IDENTIDAD

2009-08-18T05:56:00.000-07:00

El Árbol De Nuestra Identidad
En el correr de los años, la aparición del Documento de Puebla, fue una ayuda preciosa para armar el árbol de mi identidad cultural. Allí se dice que “con la palabra cultura se indica el modo particular cómo en un pueblo, los hombres cultivan su relación con la naturaleza, entre si mismos y con Dios, de modo que puedan llegar a un nivel de verdadera y plenamente humano (DP. N° 386).Usando esta definición de cultura, buscamos hacer algo sencillamente didáctico y armamos un árbol con tres ramas, un tronco y sus raíces, donde ubicar todo lo valioso y distintivo que hacemos como pueblo diariamente y lo que descubrimos de nuestro pasado que aún hoy nos caracteriza .Mirándonos a nosotros mismo como en un espejo, fuimos juntando nuestros principales valores y los fuimos colgando en nuestro árbol de la identidad. Y así nos respondimos la pregunta ¿Cómo somos? Luego, bajamos por el tronco, hacia abajo y hacia atrás en el tiempo, preguntando: ¿Porqué somos así? Y fuimos anotando la presencia, el protagonismo y los acontecimientos más importantes que marcaron nuestra historia...Y fue como ir recuperando la memoria... Algo hermosísimo... Como que uno empieza a sentir que tiene la espalda y que está parado sobre sus pies... Y casi al mismo tiempo, preocupado por algunos disvalores vigentes, nos preguntamos ¿cuáles son las plagas que amenazan la vida de nuestro árbol?. Finalmente alarmados por el bombardeo permanente y progresivo de la cultura emergente y su mundo de valores y antivalores, nos replanteamos¿seguirán sirviendo a las nuevas generaciones estos valores heredados? ¿ Cómo se los pasamos?
La Rama De Nuestra Relación Con DiosPara nosotros, Dios está en todo y por sobre todo. Su presencia la abarca todo. Por eso cuando comenzamos un nuevo día o cuando emprendemos un trabajo, o salimos de viaje, es normal encomendarnos a Dios. La religiosidad de nuestro pueblo hace que perdura la relación con Dios como aquella idea estructurante de toda ola vida del guaraní...Relación con Ñanderú-Eté. Nuestro Primer Padre, y su complejo mundo del más allá, lleno de dioses menores y fuerzas chámanicas...Sigue vigente, adorado y alabado en todo momento y lugar. Ese Dios que nuestras familias campesinas, aún hoy, siguen invocando en sus rezos, en su saludo y en su conversación.Aunque muchísimas veces no le hacemos caso, sabemos que vivimos en su presencia, y, a pesar de todo Dios está con nosotros. Hay una vieja religiosidad que separa la creencia y vivencia.Entre los años 1610 y 1825 se rezaba en idioma guaraní en la Misión de Itatí,
La CruzVivimos haciendo la señal de la Cruz. Es un gesto religioso que identifica a los cristianos. Con la Cruz nos santiguamos y bendecimos a las personas , sus casas y sus cosas. La Cruz nos protege, nos libra y nos guarda. Es un arma espiritual con que nos defendemos en cualquier peligro y contra toda maldad , sea visible o invisible, natural o sobrenatural..Es el signo de nuestra salvación... La Cruz de las Siete Corrientes, La Cruz de Los Milagros.La religiosidad del pueblo de nuestra región no se reduce sólo al culto dirigido a Dios, sino que abarca todo un verdadero mundo de expresiones religiosas que tienen que ver con la Cruz .
La VirgenElla es para nosotros simplemente la Virgen, y aunque tuvo mil nombres o advocaciones nos gusta llamarla “Madrecita”, “ Virgencita”, “ Morenita”, “La Itatí”, “María Itatí” o “La Pura y Limpia”....Está en medio del pueblo y, prácticamente en la casa de todos. La queremos entrañablemente, la sentimos viva y , por eso vestimos su imagen. Desde 1600 es nuestra che Tua- Sy o sea Madre de Dios, en forma de bulto o estampa acompañó siempre el éxodo del pueblo de nuestra región.
Los SantosSon nuestros amigos, nuestros hermanos mayores, nuestros santos patronos. Nos gusta tener uno para cada necesidad. Como en un tiempo a dios se lo alejó de nosotros presentándolo como un dios descarnado y lejano, la religiosidad del pueblo recurriendo a su memoria ancestral, se busco intermediarios más próximos y accesibles.Son los santos patronos de nuestras comunidades y de nuestros pueblos los que de un modo sencillo y concreto nos hacen profesar nuestra fe en la resurrección de los muertos, creemos que pueden ayudarnos y, por lo mismo los veneramos con un culto propio y su respectivo festejo. Y así las fiestas patronales resultan ser verdaderos espacios de encuentro, de recreación y fiesta popular.
Los DifuntosTodavía entre nosotros la muerte resulta ser un acontecimiento social. Reúne espontáneamente a toda la familia. Todos sentimos una secreta obligación de concurrirPara ‘acompañar en el sentimiento’ y ‘ dar nuestro sentido pésame’ a los familiares. A pesar de la urbanización aún se conservan algunos rituales propios del velorio, de la despedida, de su última voluntad. La visita periódica al cementerio, las flores , las velas encendidas, están diciendo y atestiguando que nuestro difunto sigue vivo; de otro modo, pero vivo.En algunos lugares se les deja aquellas cosas que más le gustaba sobre la tumba, esta costumbre se enraíza en la creencia guaraní de que un alma permanece en el lugar hasta la descomposición total del cuerpo, porque aún se cree que las ánimas comen. Lo afirma la costumbre, actualmente vigente en ciertas familias tradicionales, de no levantar la mesa los días lunes, y eso pensando en las ánimas.Tambien es costumbre si alguien muere trágicamente de plantar una cruz sea donde sea, generalmente a la vera del camino, de acuerdo a las circunstancias y a la fama del difunto, puede tornarse también lugar de peregrinación. De esas cruces famosas tenemos varias en la región.
Los ServidoresLes llamo así a ciertas personas que sirven al pueblo y están como en el límite, entre lo humano y lo divino, entre este mundo y el más allá ejerciendo un servicio que su pueblo solicita. La rezadora y el Cura. La Partera y el Músico... Cada cual en lo suyo y todos dentro de la tradición de sus mayores, ellos sirven a la vida, la esperanza y la alegría. Por eso y a pesar de todo se los respeta y se recurre a ellos, aunque por lo general se los margina social y culturalmente.
Los ObjetosHay cosas que usamos para expresar nuestra fe o para darnos coraje y ánimo en ciertas y determinadas circunstancias ,sobre todo en situaciones límite... Así ,la vela, el agua bendita, la cinta, la estampa, la medalla, la imagen... Y hay también objetos a los que pretenden darles y atribuirles poderes especiales para prodicir energías positivas o negativas o neutralizarlas en animales u objetos. En este ámbito de ‘credulidad o fanatismo’, entre la magia y el fatalismo y con el permanente riesgo del embust estan; el kurundú. La reliquia; el payé, amuleto; el maleficio, el gualicho,la brujería, el daño, el mal... Muy fácilmente por ignorancia o por modernos perjuicios, metemos todo en la misma bolsa. Pero el respeto seguirá siendo nuestro mejor compañero. Con él aprendemos, observando, escuchando. preguntando-...
La Rama De Nuestra Relación Con La NaturalezaNuestra realida regional, muchos modales nuestros siguen siendo a pesar del rápido proceso de urbanización, de corte casi netamente rural. Nuestra relación con la Madre naturaleza es casi siempre directa a través de los cinco sentidos. La gente está como compenetrada de su medio ambiente y se siente parte del paisaje. Sabemos del sol del verano y de cada lluvia torrencial, de la sequía y de la inundación, del cielo estrellado y del río caudaloso... El verde de la vegetación nos llena los ojos de color y la tierra nos pinta la piel y los sueños...¡Cómo no amar entonces esta tierra que guarda las cenizas de nuestros mayores, y sigue siendo cas, cuna y mesa nuestra...!
La TierraLa tierra el el lugar donde habitamos, donde comemos lo que ella nos da, y donde compartimos los sueños... Tengo delante de mis ojos la imagen viviente de don Chamba en la cabecera de su chacra, con un puñado de tierra en sus manos, diciéndome: “yo soy capaz de comerme esta tierra”... y la iba dejando caer por entre sus dedos, en un gesto afectuoso de filial y antigua veneración...Sin duda la tierra sigue siendo nuestra Madre-Común. Y aunque la vida nos puso en la Memoria dela Sangre un modo antiguo, mezcla de esa búsqueda de la Tierra- Sin-Mal del guaraní con aquel ¡Siempre Más Allá” del aventurero español, y por eso nos vamos, estamos siempre soñando con volver. Extrañamos el pago, la querencia, el terruño, la patria chica amada.... La necesidad de encontrar un trabajo más digno, ha llevado a la mitad d nuestros comprovincianos a emigrar de su tierra , y hoy están lejos de con sus raíces al aire y su corazón a la intemperie... Es un verdadero y doloroso destierro. La injusticia y la exclusión han hecho que, en medio de tantas y tantas leguas improductivas de campo, seamos verdaderos desterrados.
El TrabajoSi bien siempre tuvimos fama de que nos gusta la farra, es reconocida en todo el país nuestra buena fama de trabajadores. Y en especial la aptitud para aprender diferentes oficios. Eso sí no trabajamos para amontonar plata o bienes, sino para gastarla y disfrutarlos, Perdura en nosotros un talante de austeridad y sobriedad. Hay una frase típica que usan nuestros paisanos’ es suficiente’ . Es que sabemos arreglarnos con poco y nos gusta compartir lo que tenemos. Por eso, los logros obtenidos y los frutos alcanzados deben ser compartidos. De ahí que el trabajo deba culminar en una fiesta. Basta con ver como todavía se hace en algunos lugares del interior, el trabajo de la yerra. Sin duda nos aflora un resto de aquella economía de reciprocidad que abarcaba toda la vida del guaraní en sus aldeas y en los pueblos de Las Misiones.
La Comida, El Remedio, El Vicio...Los productos de la tierra que fueron y siguen siendo nuestras. Por ejemplo, el uso que hacemos de la mandioca y del maíz...de la marcelita, y el cedrón paraguay...del tabaco negro y de la yerba. Hay una vertiente indígena y otra inmigrante que no están suficientemente valoradas, y por lo mismo casi nada aprovechadas, perdiéndonos así una riqueza inmensa de conocimientos útiles, legado de nuestros mayores.
La PatriaLa tierra de nuestros padres. Patria chica, si es de nuestra provincia o el pago de nuestros mayores. Patria Grande, si pensamos en los países que alguna vez fueron una sola gran nación y que, luego los imperios lograron que se dividieran en repúblicas casi desconocidas entre sí. Pero nuestros jóvenes puestos en la situación límite de jugarse la vida por la tierra de sus mayores, brillaron por su jovialidad, su fe, su coraje, su solidaridad y su entrega total...
La PalabraLa palabra del hombre de todo hombre, es importante , y por lo tanto, “el hombre de palabra”, es un hombre importante. Cada uno es su ‘palabra. La palabra dice , describe, explica, manifiesta ,comunica, enseña, persuade, convence. Dichoso aquel que tiene el manejo de la palabra. Todos queremos tener y decir nuestra propia palabra, Pronunciar un dicho, una comparación, un poema, una canción...propia de uno. Por eso mismo cada uno no es él o ella hasta que no tenga y diga su propia palabra. Sin duda heredamos del antiguo modo guaraní ese saber valorar la palabra.Sin duda alguna, nuestro pueblo tiene un canto dentro de su alma, y en ese canto resume su proyecto d vida, por eso sueña que se vuelven canción y que otros lo escuchen...
El ParentescoLa familia sigue siendo para nosotros un importante valor, por eso teniendo en cuenta la diversidad de imágenes de familia que hoy tenemos , quién más quién menos , todos valoramos y añoramos la familia. Nos gusta estar en familia. Hay fiestas que son de la familia. No la familia pequeña sino la familia grande , de mesa grande y a buen tiempo para todos los que están en la casa: hijos, sobrinos, primos, nietos, entenados, criados, secretario, tíos y abuelos...Por eso cuando vamos a otro lugar , sentimos como una necesidad de encontrar parientes y eso es como un requisito para poder hallarnos. Nos tironean, de adentro la sangre, y de afuera la lealtad.
La Fiesta
Somos por naturaleza seres comunitarios.. Por eso el hombre vive pensando y estableciendo leyes que deben observarse y cumplirse para mejorar la convivencia humana . La vida resulta ser entonces una continua obligación y un cansador cumplimento de códigos , pautas y normas. Esto hace que se haga imprescindible un tiempo y un espacio en el que todos podamos traspasar esas reglas y sentirnos totalmente libres. Para eso nos juntamos y hacemos lo que se llama una fiesta. Dicen de nosotros que somos gente festiva . El mismo hecho de encontrarnos nos pide celebración y nunca falta un motivo para festejar. Nos parece normal vivir programando encuentros , festejos y celebraciones. Y no hay fiesta sin música y sin bebida. El alcohol tiene aquí un papel preponderante y, muchas veces, difícil de gobernar. Por un lado ayuda a que la persona se desate y se anime a decir y hacer cosas que en la vida cotidiana no hace, y es algo así como quitarse una mordaza o sacarse una careta. Por otro lado, a veces dentro de uno, las penas o como quieran llamarse, nos piden que las ahoguemos en alcohol.Solo Dios pudo ponerle al vino esa magia y ese extraño poder para alegrar el corazón humano . Si lo usamos bien es vida y alegría..
El ChamameNunca podré olvidar el momento en el que el musicólogo don Armando Zaclavicker , después de escuchar con verdadero interés la grabación en acordeón de EL PASO ANTIGUO, que le llevamos desde San Miguel, provincia de Corrientes, exclamó admirado: ¡Pero si esto es la Pavana! Y a continuación nos hizo escuchar y comparar varias Pavanas del 1600... fue entonces que le obedecimos a don Carlos Vega, un argentino entendido en danzas folkóricas argentinas, y nos pusimos a averiguar que danzas se bailaron en las Reducciones Jesuíticas... Y, con la ayuda del sacerdote jesuita padre Guillermo Furlong, descubrimos que en esas poblaciones se bailó y se enseñó a bailar , por mucho tiempo, por más de cien años , danzas preclásicas, danzas que se bailaron en las cortes de Europa entre 1600 y 1700 , como ‘ La Pavana’, ‘La Gallarda’, ‘El Canario’ y otras... danzas que aún hoy perduran dentro de nuestra danza regional que llamamos Chamamé . Sobre una música de ritmo compuesto . se hace un baila de coreografía libre, basado en grandes formas y antiguos estilos que el pueblo sencillo de nuestra campiña recrea espontánea y egionalmente para bien de nuestra cultura Regional.
El SapukayAlgo existe en el corazón del músico chamamecero que, pasando por sus dedos al fuelle de su instrumento, se vuelve un viento melodioso, dulce y bravío... un viento que al derramarse por los aires va derecho al corazón del correntino oyente, y allí en sus adentros toca una fibra íntima que se enciende y estalla en un grito raigal...No importa el tiempo ni el lugar, sea donde sea, esa música que nos llega se hunde en nosotros como un puñal, nos obliga a gritar ... un grito que es una palabra extrema que la decimos así: gritando... Un grito que se llama sapukay y que resulta, si o si ,nuestra presentación y nuestra identificación. Por eso mismo no se manda ni se pide el sapukay . Más bien quién quiera oírlo , debería hacer algo que nos arranque espontáneamente de adentro esa palabra hecha grito . Por eso alguna vez al tener que definir nuestra identidad y cantarla , dije, que, entre otras cosas ¡soy sapukay! ...
Finalmente podríamos resumir las tres ramas de nuestro árbol de la identidad o de los tres tipos de relaciones que tenemos y en las que nos realizamos humanamente, guardando en nuestra memoria y, si es posible en nuestra retina, tres símbolos muy comunes y muy usados entre nosotros; La Virgen de Itatí, el Mate y la Cordiona.Hay entre nosotros muchas obras de arte, canciones que son como pequeños resúmenes de nuestra identidad o de nuestro modo de vivir.

Autor: Julián Zini- El Arbol De Nuestra Identidad. Editora Patria Grande-abril 2005

2009-08-17T07:04:00.000-07:00

viernes 27 de marzo de 2009

Los 4 rumbos del folklore

El título de este blog se corresponde con el programa que conduzco desde el 10 de junio de 1990, con algunas interrupciones, pero siempre por la misma radio FM 90.5, Stéreo Vida, de mi ciudad natal, El Trébol, provincia de Santa Fe. Me gusta el folklore desde que tengo uso de razón, estudié profesorado de guitarra, a instancias de mi padre quien era un devoto de la música nativa, como antes de la nombraba. Yo por entonces estudiaba piano y tuve que elegir y así la guitarra fue mi compañera de sueños juveniles. Con el tiempo también estudié el profesorado de Danzas folklóricas Argentinas en el I.D.A.F. de Juan de los Santos Amores y fui agregando conocimientos que me hicieron tener ganas de transmitir a otros a través de un micrófono y tuve también la oportunidad de poder hacerlo también ante las cámaras del Canal 2 El Trébol, durante 2 años, con el mismo nombre, con artistas locales, regionales y también de otras provincias. El programa se hacía en un estudio particular y luego grabado salía al aire todos los jueves por la noche.
El próximo domingo el programa que saldrá al aire desde las 8,30 hs. hasta las 12,30 será el número 284. Para mí hacerlo es como un gran recreo, puedo darme el gusto de llegar a la gente con música de todas las provincias, de cada región folklórica, viejas composiciones con grandes intérpretes ya ausentes, pero que han dejado una huella profunda en el corazón de los que gustan del folklore de todos los tiempos. Escucho también a los oyentes que se comunican por teléfono, pidiendo temas que trato de complacer desde la discoteca de la radio pero especialmente de la que yo elijo y llevo preparada.
Trato además de hacer un poco de docencia, explicando la historia de algunos temas, dando a conocer la biografía y las obras de muchos autores y compositores. Y sobre todo, le doy a la mañana un toque bien folklórico para acompañar los mates y la distensión de un lindo domingo.
Publicado por Peña Folklórica Los Lanceros en 18:42
Etiquetas: Anécdotas

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